Д. Дайн развешивает по верхнему краю пустого холста слегка подкрашенные столярно-слесарные инструменты.

В Англии «поп» оставался некой экзотикой, в США он приобрел массовый, опирающийся на коммерческий успех, характер. С начала 60-х гг. информационная машина США начала пропагандировать «поп» — «чисто американское искусство», отражающее определенный яркий образ жизни. Это было связано с тем, что со времени абстрактного экспрессионизма Нью-Йорк стал претендовать на звание «третьего Рима» в искусстве. Поп-арт - рекламное искусство, любящее рекламу как символ современности.

Словечко «Поп» было введено для обозначения новой эстетической позиции, которая утверждала художественную значимость предметов, событий, фрагментов повседневностимассового человека индустриального общества, до этого считавшихся в художественно-эстетической элите нехудожественными, антихудожественными, кичем, дурным вкусом и т.п. (Жаргонная частичка «поп» в кругах художников, близких битникам, обозначала нечто, рассчитанное на вкус широких кругов публики, а по своему звучанию напоминала хлопок пробки, вылетающей из бутылки, намекала на определенную скандальную ситуацию).

…«Разбитое поколение», иначе битники, в середине 50-х гг. провозглашали анархический гедонизм, эротическую свободу, нигилизм. В творчестве писателей и поэтов-битников проявлялась тенденция к бессюжетности, свободному стиху, метафоричности и одновременно к известной натуралистичности. Оставаясь явлением экстравагантным, подготовившим своей «эстетикой» добровольную бедность и бродяжничество хиппи, битничество не могло не повлиять и на общий климат восприятия искусства.

Поп-арт предпринял масштабную и результативную попытку уравнять в правах «высокую, элитарную культуру» и потребительскую популярную (поп!) субкультуру. «Поп» был нефилософичен, полагая, что и сама жизнь есть уже определенная философия.

Между искусством и жизнью стирались границы; это стало возможно потому, что содержание и искусства и жизни беднело на глазах. Поп-арт — это своеобразное «искусство вне искусства», искуственное искусство...

Своими предтечами поп-артисты справедливо считали М.Дюшана с его реди-мэйд ,, дадаиста К.Швиттерса, отчасти Ф.Леже с его романтизацией машинного, миро-человека.

Художники Поп-арт открыли своеобразную поэтику массовой продукции городской культуры, находя ее в банальных вещах, событиях, жестах, в окружающей их потребительской среде и коммерциализованной реальности: в голливудских боевиках и популярных «звездах», в газетных и журнальных фото, в американском жизненном стандарте, основанном на техническом прогрессе, в рекламе, афишах, плакатах, газетах, в предметах домашнего обихода, комиксах, научной фантастике, бульварной литературе и т. п. — во всем, что составляло повседневную среду обитания и псевдодуховную пищу евро-американского обывателя середины XX в.

Мастера стремились представить некую энциклопедию современной жизни с ориентировкой на «великую американскую мечту». Интересуясь тем, что порождено современной цивилизацией, в которой «мы живем», они смешивают в одну кучу хлам и подлинные ценности. В поп-арте есть привкус нравственного благодушия и бездумного оптимизма, хотя все это можно воспринять как «эстетику обыденного и вульгарного».

Массовая информация, стандартизация предметов потребления, технологичность — вот истинная почва, на которой взращивался поп-арт. Если не сам предмет, то его образ («имидж»), как социально-эмоциональный символ, напомнит о мире, полном товаров. Вещи становились символами, стереотипами.

Поп-артисты среагировали на насыщенность среды обитания напечатанными, нарисованными, сфотографированными образами, используя стереотипы и символы.

Изымая элементы и имиджи массовой культуры из повседневной среды и помещая их в контекст из них же создаваемого художественного пространства, поп-артисты строили свои произведения на основе игры смыслами массовых стереотипов в новой семиотической среде. Художник относился к зрителю добродушно-снисходительно, предлагая игру по взаимной «договоренности», давая понять, что он подозревает в зрителе нечто низменное, над чем можно и посмеяться. Но так как вещи и образы поп-арта не персонифицированы, т. е., их обладатель как бы анонимен, то и зритель мог делать вид, что иронизируют не над ним.

Поп-арт — постоянное визуальное и смысловое раздражение привычными образами и текстами.

Так появляются гигантские бутерброды высотой в три метра, памятник в виде тюбика для губной помады, копии бутылок, лампочек. Предметы составляются друг с другом — нередко в неожиданных сочетаниях. Художники называют такой прием «комбинациями», а критики — «ассамбляжами».

Как всегда, авангардизм в своем развитии, в данном случае в поп-арте, опирается на широкие традиции.

В 1951 году была издана антология дадаизма, вызвавшая к себе сильный интерес американских художников. Методы Дада - коллаж, комбинирование реальных объектов на холсте, а также " реди-мейд" Дюшана стали точкой отсчета в дальнейшем опредмечивании живописи и уничтожении границ между искусством и реальностью. Используется прием, открытый дадаистами: постановка предметов в неожиданный и несвойственный им контекст. Предмет изолируется, приобретает характер знака-символа.

Стоит учесть, что в 30-е гг. окончательно «осел» в Штатах основатель дадаизма Марсель Дюшан; в 50-е гг. он сделал ряд повторений своих объектов «реди-мейд». Большое влияние на молодых художников оказал «диссидент абстракционизма» Уильям де Кунинг; в 1950 г. он сделал коллаж «Штудии для женщины» с использованием обертки сигарет «Кембелл».

Американские кубисты, например С. Дэвис, Ч. Демут, Дж. Мэрфи, в 20-е гг. использовали в своих живописных композициях коммерческие знаки, которыми так впоследствии заинтересовался поп-арт.

Немало значили приемы европейских авангардистов. Идея выделения отдельного изобразительного мотива и его последующее укрупнение были взяты у Фернана Леже, некоторое время прожившего в Нью-Йорке.

Декупажи («вырезки») Матисса с их элементарными формами и яркими красками вполне соответствовали будущей эстетике поп-арта. В 50-е гг. происходит новое «открытие» искусства модерн.

Пописты демонстративно отказались от «условности» живописи и рисования на плоскости, вышли в пространство. Они гордятся тем, что забросили традиционные палитры и кисти, взяв в руки распылитель и автогенный аппарат.

Традиционная живопись рассматривалась как «банальность». От нее остались только «кустовые» небрежные удары кистью с краской на некоторых «ассамбляжах» и «объектах». Механизация творческого процесса приводит к тому, что крупные лидеры поп-арта работают со своими бригадами, которые занимаются реализацией замысла их предводителя.

Интерес к упрощенной символике, рекламной броскости образов, несомненно, идет из этого источника. Китч, графика заборов и граффити вагонов «подземки» естественным образом дополняли арсенал средств, к которым обращались художники авангарда 50—60-х гг.

Ранние произведения поп-арта выполнялись в техниках коллажа или традиционной живописи с элементами коллажа. Среди первых программных для П. работ, получивших хрестоматийную известность, были коллажи Э.Паолоцци «Я была игрушкой богатого мужчины» (1947, Лондон, Тэйт-галлери) и Р.Хэмилтона «Что собственно делает сегодня наш домашний очаг иным и столь привлекательным?» (1956, Тюбинген, Кунстхалле). На первом изображена в жеманной позе красотка легкого поведения со стандартной манекенной улыбкой в окружении этикеток и надписей субкультуры; на втором представлен интерьер обывательского дома с обнаженной стандартной красоткой на стандартном диване и обнаженным же культуристом с теннисной ракеткой в руках в окружении предметов обихода: телевизора, магнитофона, мягкой мебели, увеличенной обложки для комиксов, служанки с пылесосом и его рекламы, эмблемы Форда, а за окном хорошо виден кинотеатр с изображением Эла Джолсона в «Певце из джаза».

Образ реального мира вытеснен скоплением фиктивных имиджей масс-культуры. Выбирая метод коллажа, автор демонстрирует свою " непричастность" к созданному образу, так как он сознательно фиксировал готовые изображения, не интерпретируя их.

Элементы изображения — вырезки из рекламных проспектов и популярных журналов. В обеих работах присутствует девиз нового направления — словечко " POP"." Готовые" изображения стали популярны в среде художников. Вскоре возникло новое направление, яркими представителями которого в Англии были Э.Паолоцци, Питер Блейк, Ричард Смит, Патрик Колфилд, Питер Филлипс, Аллен Джонс и Джеральд Лэнг.

Питер Блейк -английский художник, принадлежащий первому поколению британских мастеров живописи поп-арта. После 1950 начал создавать коллажи с почтовыми открытками, фотографиями, иллюстрациями актеров и поп-артистов, комбинируя их с геометрическими формами блестящих цветов. В отличие от других художников эпохи поп-авангарда представлял в своих картинах реально живописные образы. Он разработал обложку знаменитого на весь мир диска Битлз «Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band». В 1967 году обложка этой пластинки стала своеобразной вехой, верстовым столбом пластиночно - оформительского дела.

В дальнейшем используемые материалы и техника создания поп-произведений существенно расширяются и усложняются. В традиционную живопись активно внедряются инородные элементы — обломки гипсовых изображений, предметы повседневной действительности, фотографии, детали машин и т.п. Появляются поп-скульптуры, объекты, ассамбляжи, инсталляции, в которых используются самые различные материалы, в том числе и в большом количестве вещи, бывшие в употреблении, то есть содержимое мусорных ящиков, помоек и свалок. Часто создаются композиции из упаковочного картона, тары потребительских товаров и т.п. материалов.

Выставочные залы Европа и США стали похожи на выставки поделок самодеятельных кружков народных умельцев и изобретателей. Критика относилась к такому искусству по-разному, одни говорили о вырождении искусства или, на худой конец, обновленной форме натурализма, другие говорили о новом этапе в развитии искусства, называя поп-арт " новым реализмом " или " сверхреализмом". Многие отмечали на Международных эстетических конгрессах депрофессионализацию многих современных художников.

Демократизм поп-арта критики отмечали в том, что зритель может стать героем произведения, если он входит внутрь него, присаживается на нем отдохнуть или видит свое отражение в зеркале, то есть принимает участие в той игре, которую ему предлагают.

Поп-арт нужно принимать как реальность и отдать должное изобретательности создателей произведений этого направления современного искусства, ведь для создания конструкций использовались новые достижения науки и техники. Искусство поп-арта тесно переплеталось с искусством торговой рекламы, ставшей неотъемлемой частью американского образа жизни. Реклама броско и навязчиво пропагандирует товарный стандарт. Как и в рекламе, главными сюжетами поп-арта стали автомашины, холодильники пылесосы, фены, сосиски мороженое, торты, манекены и.д. Некоторые громкие имена художников помогали сбывать товар.

Художники не ограничиваются только статическими произведениями — они создают поп-артистские действа — хэппенинги, энвайронменты и т.п. акции.

Зачинателями поп-арта в Америке считаются Роберт Раушенберги Джеспер Джонс. В дальнейшим когорту американских поп-артистов пополнили такие фигуры, как Э.Уорхол, P Лихтенштейн, К.Ольденбург, Д.Дайн, Т.Вессельман, Дж.Розенквист, Ж.Сигал, Э.Кинхольц и др. Из европейских мастеров (имевшего во Франции название «Нового реализма») наибольшую известность приобрели Арман (Арманд Фернандес), Ники де Сен-Фаль, Христо, О. Фальстрём.

Джеспер Джонс - один из первых художников использовавший для сюжета картины государственный символ - флаг, работа " Флаг". На ней точно изображён флаг США. Позже создал работу " три флага ", здесь изображенны три флага США, находящиеся один на другом.

Для Т. Вессельмана характерна поэтизация идеализированно-рекламной эротичности женского тела. Его композиции состоят обычно из плоскостного упрощенно-силуэтного изображения обнаженных женских фигур часто в откровенно сексогенных позах на постели или в ванной, выполненного яркими масляными или акриловыми красками (иногда с элементами коллажа), в сочетании с некоторыми конкретно-предметными фрагментами интерьера. Например, «Большой американский акт № 54» (1964) представляет собой живописно-коллажное изображение в спальне обнаженной женской фигуры в позе готовности к сексуальному акту, органично объединенное с композицией из реальных элементов интерьера смежной со спальней комнаты: реальной батареи водяного отопления, телефона на стене, стола и стула у реального окна с реальными гардинами. В таком же духе выполнены многие другие его работы.

Р. Лихтенштейн - это один из весёлых художников. Делал полумеханическим способом картины на холсте в духе журнальных комиксов — увеличивая их в масштабе.Как предположение взятое из контекста, так и эти картинки кажутся не особенно умными. Но в них художник говорит о любви, человеческих отношениях. Выполнив работы тонами одного цвета художник укрепляет иллюзию, что бы это возвысило рисунок.

Подобно ему работал и Е. Вархоп, его композициях многочисленные повторения изображений жестяных бутылок COCA COLA, портреты Элвиса Пресли. Таким образом, он обратил внимание на сформировавшиеся стреотипы и символы. В своих произведения он использует символ демократии - Coca cola или М. Монро - символ сексуальности и красоты.

Характерный прием попистов — использование имитации материалов. Так создается новое «сотрудничество» материалов и образов. Муляжи «еды» у Ольденбурга сделаны из гипса, картона, покрытых акрилом.

К.Ольденберг создавал объекты и инсталляциииз самых различных материалов. Здесь и сочетания реальных предметов с раскрашенными гипсовыми муляжами (как правило, скоропортящихся продуктов питания — кусков мяса, овощей, хлеба); и антропоморфные композиции из фигур, вырезанных из упаковочного картона; и инсталляции из самых разнообразных предметов, частично расписанных маслом; это и серия мягких надувных предметов обихода: унитаз, пишущая машинка, телефон-автомат, пылесос и т.п.; это, наконец, целые интерьеры комнат, воспроизведенные в натуральную величину из реальных вещей в пространстве музея (например, «Спальня» в Музее современного искусства во Франкфурте и подобные интерьеры в других музеях мира).

Э. Уорхол создавал шелкографические серии на основе фотографий Мерилин Монро, отдельных фрагментов ее лица (губ, глаз), долларовых купюр, бутылок колы и т.п. Уорхолу принадлежат слова, что поп-арт означает " любить вещи". Он стал кумиром промышленников, подняв изображение товаров до уровня икон. Для создания своих картин Уорхол использовал консервные банки бутылки кока-колы, потом и денежные купюры. Подписанные им банки консервов раскупались моментально. Такое радение торговцы щедро вознаграждали. За рекламу консервов Кэмпбелла и стал известен как " парень " Кэмпбелл—супа". Эндри Уорхен стал экспериментировать и в кино, он отснял более 100 фильмов. Большинство многочасовых фильмов было не возможно смотреть. Например фильм " Сон" длился более 6-ти часов. Был просто снят спящий человек. Зато в таком фильме из-за частой рекламы не потеряешь нить происходящего, - замечал его создатель.

Корифеем поп-арта был американец Роберт Раушенберг. Он сочетал живописную технику с созданием объектов и инсталляций из самых различных материалов (как правило, недолговечных, обиходных) — так называемую «комбинированную живопись». На выставке в Нью-Йорке в 1963г. он рассказывал о создании своей первой картины " Постель". Он проснулся ранним майским утром, полный желания принятся за работу. Желание было, но не было холста. Пришлось пожертвовать стеганным одеялом - летом можно обойтись и без него. Попытка забрызгать одеяло краской не дала желаемого эффекта: сетчатый узор стеганного одеяла забирал краски. Пришлось жертвовать подушкой - она давала белую поверхность, необходимую для выделения цвета. Других задач художник перед собой не ставил. Раушенберг создает так называемые " комбинированные картины", сочетая вещественные вставки с живописью в манере абстрактного экспрессионизма.

Художники поп-арта выражали типичные постмодернистские идеи: отсутствие личностного начала в творчестве, сведение произведения к простой комбинации готовых элементов. Таким образом, они пытались работать " в прорыве между жизнью и искусством".

Поп-арт многое перенял от " живописи действия", по крайней мере ее негативные установки. Одним из произведений Раушенберга являлся рисунок абстракциониста де Кунинга, стертый новоявленным автором. Сегодня 10 картин этого общепризнанного мэтра современного искусства экспонируются в Эрмитаже, будучи подаренными музею самим художником.

Д. Дайн развешивает по верхнему краю пустого холста слегка подкрашенные столярно-слесарные инструменты.

Дж. Розенквист пишет яркими, часто ядовито режущими глаз синтетическими красками огромные многометровые композиции, набранные из иллюзорно выписанных элементов, фрагментов, символов научно-технического прогресса XX в.

Ж. Сигал находил эстетическое в создании муляжей, используя для их создания живую натуру. Облепляя человека мокрым гипсом, он создавал форму для отливки. Белые гипсовые фигуры, отлитые из этих форм затем размещаются в будничной среде, рядом с машинами, стойками кока-колы в баре, в приемной химчистки, в окружении витрин. Одна из композиций Сигала называется " Химчистка", для создания которой использованы гипс, неоновое освещение, краски и другие средства. Главное в его деле, считает сам Сигал, выбрать и зафиксировать наиболее выразительное движение, можно раскрыть подлинную сущность явления. Задача состоит в том, чтобы достойно показать человека, хотя его фигуры в большинстве случаев не столько вызывают положительные эмоции, сколько шокируют зрителя, порождая дискомфортные ощущения.

Пространственные группы из белых гипсовых фигур-муляжей людей в натуральную величину как бы документируют действительность. С некоторыми его фигурами можно было даже посидеть за одним столом. Как выражались художники, «они концентрируют в одном месте хронологически и топографически случайное». Так, произведением может стать улица города, если ее, вместе с автомашинами и прохожими, рассматривать как объект искусства.

Некоторые работы Сигала и особенно композиции, ассамбляжи, инсталляции Э.Кинхольца с антропоморфными фигурами, собранными из обломков и деталей технических приборов и машин, имеют жутковатый абсурдно-сюрреалистический характер.

В них с особой силой выявляется абсурдность и бессмысленность той «идеальной» повседневности современного массового общества, которую идеализирует американская государственная машина и романтизировали некоторые ранние поп-артисты; с экспрессивной пронзительностью выражена в некоторых из них внутренняя экзистенциальная опустошенность человека этого общества.

Сформировавшаяся ветвь поп искусства: гиперреализм - направление постмодернизма, целенаправлен на фотогрофическое воспроизведение банальной ежедневности.

Хило Чен - современный американский художник. Работает в жанре гиперреализма, пишет картины в стиле ню и флористику: цветы и цветочные натюрморты. Профессиональное мастерство Чена отмечается критиками в превосходной степени. Тона кожи обнаженных моделей в его картинах кажутся более реальными, чем в жизни. Рассматривая его картины, возникает ощущение, что можно дотронуться этих женщин, которые, в свою очередь в большинстве своем, не обращают никакого внимания на зрителя.

Уилл Коттон - американский живописец. Используемые предметы в его работах - торты, кремы и обнаженные женщины, часто в комбинации. Пейзажи - зимние ландшафты с пышными домами, изготовленными из вафель, безе и крема. В своей студии Коттон держит мощную профессиональную духовку и сам непосредственно готовит сладкие модели для своих картин.

Джон де Андреа - известный американский скульптор - гиперреализма. Его выполненные в натуральную величину манекеноподобные обнаженные фигуры (“Умирающий галл”, “Влюбленные”, “Сидящая янтарная блондинка”), воспроизводящие роденовские позы — своего рода китчевые антигерои, пародирующие идолов коммерческой рекламной красоты. Их цветущая плоть контрастирует с внутренней пустотой моделей, состоящих в антипигмалионовских отношениях со своим создателем (“Автопортрет со скульптурой”). Являясь не только музейными, выставочными экспонатами, но и модными атрибутами современных деловых интерьеров, натуралистически детализированные “ню” рассчитаны на эстетический шок.

Люсьен Фрейд, внук Зигмунда Фрейда, - покоритель вершин арт-рынка, самый дорогой в мире художник из ныне живущих. (В мае 2008 Роман Абрамович, пополнявший коллекцию для своего будущего музея современного искусства, заплатил 33, 6 миллионов долларов на аукционе Кристи в Нью-Йорке за картину «Спящая социальный инспектор»). Его работы отличает какая-то архаичная серьезность отношения к миссии художника, призванного запечатлеть крики души и страдания увядающей плоти, заставляющего зрителя рыдать и ужасаться. Все это идет вразрез с основной тенденцией современного искусства, где художник давно согласился быть одним из рабочих мировой индустрии развлечений и изготовителем предметов роскоши.

Гай Джонсон - американский художник. Один из столпов и основателей фотореализма, яркий представитель поп-арта и гиперреализма.

Рафаэлла Спенс - английский художник. Работает в жанре фотореализма (гиперреализма), создает фотореалистические пейзажи.

Бернардо Торренс — испанский художник - гиперреалист. Объекты его картин, это прежде всего мужчины и женщины, оторванные от непосредственной среды, и в этом смысле они схожи образам персонажей средневековых этических пьес. В работах Торренса очевидна жесткая контурность и многозначительность образов, которые всегда являлись знаками испанского реализма. Этот канон в испанском искусстве был установлен в семнадцатом столетии художниками Сурбараном, Риберой, Веласкесом.

Своеобразным ответвлением поп-арта явился хепенинг (от англ. — происшествие) — определенная форма действий, акций, когда* художники стремятся завлечь зрителей в хитроумную игру, контуры сценария которой намечены приблизительно. … Это продолжение симультанных декламаций дадаистов, скандальных выступлений футуристов, эпатирующих выходок сюрреалистов, «живописи телом» Ива Клейна и разбрызгиванием красок «внутри» холста Дж. Поллока. Хепенинг появился вначале в США, потом распространился в ФРГ, Италии и Японии. Пописты интерпретируют хепенинг как «коллаж фактов, предметов и жестов в пространстве». Хепенинг трудно описать и даже снять на пленку. В рассказе и съемке появятся невольно структурность, последовательность, а хеппенинг на самом деле — стихия, непредсказуемость, импровизация. Тут соединены пантомима, клоунада, приемы экспрессионистического театра, восточный символический ритуал.

Хепенинг — ближайший родственник поп-арта, поп-арт — это «застывший» («замороженный») хепенинг, а хеппенинг это «активный» («действенный») поп-арт. История хепенинга, как и поп-арта, начинается в 50-е г.

Фактически хепенинг - это ассамбляж из нетрадиционных живописных и скульптурных форм, внутри которых, в организованном хаосе, движутся люди, создавая «искусство событий». Результат творчества - в самом процессе. Творческое начало должно проявиться у всех «игроков». Для всех — это выход энергии, пробуждение неожиданных эмоций, проверка своей реакции на непредсказуемые события. Коллаж вещей и людей в пространстве напоминает еще об одном явлении авангарда, об инвайроменте (от англ, «inviroment») — о переживании среды, созданной на основе «ручного» или индустриального творчества. В хепенинге ассамбляж размещается «вокруг» человека, инвайромент создает эффект «актуализации» пространства, которое рассматривается как искусственное «окружение». Такая среда влечет человека к своему пересозданию.

«Джанк-арт» (jank-art) мог бы дополнить гамму применяемых средств; абсурдное сочетание разных вещей и объектов, как правило, имеющих бросовый характер: хлам, старье и т.п.

Стрессовое поведение публики в контексте «случайного» должно было вести к перестройке связей между людьми, между человеком и вещью.

Другим движением стал «флюксус» («fluxus») — показ свободной игры форм, «истечения» творческой энергии. «Флюксус» не связан ни с каким конкретным направлением; главное — создать при использовании своего тела, пространства и вещей парадоксальную ситуацию, не мотивированную логикой обыденного существования.

У поп-арта имелся дух массовости, вовлекаемости, почему он и покорил так много людей и так много стран. Его структура была преднамеренно открытой, завлекающей. И думается, именно поп-арт явился первым большим течением авангарда, который был социализирован, вживлен в общество, и общество приняло его в конечном итоге как «своего», он стал стилем 60-х гг. Поп-арт вошел в кино, в рекламу, из которой сам первоначально исходил, в моду, в поведенческий тип жизни. Преднамеренная неряшливость в одежде, ее разностильность, хождение в джинсах и использование рекламных пластиковых пакетов в качестве сумок и портфелей. Время поп-арта еще не закончилось.

Поп-арт фактически подвел черту под традиционными видами изобразительного искусства, доведя их до логического завершения, и открыл путь принципиально новым типам художественных практик, осваивающих самые различные пространства с помощью всего множества визуально воспринимаемых форм, предметов и способов неутилитарной деятельности современного художника. В частности, он подготовил почву для концептуализма и постмодернизма.