Тема 3. Музыкальная культура Средневековья

Средневековье – наиболее длительная культурная эпоха в истории Западной Европы. Она охватывает девять столетий – с VI по XIV век. Это было время господства католической церкви, которая с первых шагов являлась покровительницей искусств. Церковное слово (молитва) в разных странах Европы и в различных социальных слоях было неразрывно связано с музыкой: звучали псалмы, гимны, хоралы – сосредоточенные, отрешенные мелодии, далекие от повседневной суеты.

Также по заказу церкви возводили величественные храмы, украшали их скульптурами и красочными витражами; благодаря покровительству церкви архитекторы и художники, скульпторы и певцы посвящали себя безраздельно любимому искусству, т. е. католическая церковь поддерживала их с материальной стороны. Таким образом, самая значительная часть искусства вообще и музыкального, в частности, находилась под ведением католической религии.

Церковное пение во всех странах Западной Европы звучало на строгом латинском языке и для того, чтобы еще более усилить единство, общность католического мира, папа Григорий I, вступивший на престол в начале IV века, собрал воедино все церковные песнопения и предписал для исполнения каждого из них определенный день церковного календаря. Собранные папой мелодии получили название григорианских хоралов, а певческая традиция, основанная на них, называется григорианское пение.

В мелодическом смысле григорианский хорал ориентирован на октоих – систему восьми ладов. Именно лад часто оставался единственным указанием на то, как нужно исполнять хорал. Все лады составляли октаву и были модификацией античной трихордной системы. Лады имели только нумерацию, понятия «дорийский», «лидийский» и проч. исключались. Каждый лад представлял соединение двух тетрахордов.

Григорианские хоралы идеально соответствовали своему молитвенному назначению: неторопливые мелодии складывались из незаметно перетекающих друг в друга мотивов, мелодическая линия была ограничена по тесситуре, интервалы между звуками были небольшими, ритмический рисунок был также плавным, строились хоралы на основе диатонического звукоряда. Григорианские хоралы исполнялись одноголосно мужским хором и обучались такому пению преимущественно в устной традиции. Письменные источники григорианики являются образцом невменной нотации (специальные значки, стоявшие над латинским текстом), однако такой тип нотной записи указывал только приблизительную высоту звука, обобщенное направление мелодической линии и совсем не касался ритмической стороны и поэтому считался сложным для прочтения. Певцы, исполнявшие церковные хоралы не всегда были образованы и обучались своему ремеслу в устной форме.

Григорианский хорал стал символом огромной эпохи, которая отразила в нем свое понимание жизни и мира. Смысл и содержание хоралов отражали представление средневекового человека о сущности бытия. В этом смысле Средние века часто называют «юностью европейской культуры», когда, после падения античного Рима в 476 году, племена варваров, галлов и германцев вторглись в Европу и начали строить свою жизнь заново. Их вера в христианских святых отличалась безыскусностью, простотой и мелодии григорианских хоралов базировались на том же принципе естественности. Некоторая монотонность хоралов отражает представление средневекового человека о пространстве, которое ограничивается полем его зрения. Также и представление о времени было связано с идеей повторяемости и неизменности.

Григорианское пение, как господствующий музыкальный стиль, к IX веку окончательно утвердилось на всей территории Европы. Тогда же в музыкальном искусстве произошло величайшее открытие, оказавшее влияние на всю его дальнейшую историю: ученый-монах, итальянский музыкант Гвидо из Ареццо (Аретинский) изобрел нотную запись, которой мы пользуемся и по сей день. Отныне и григорианский хорал можно было спеть по нотам, и он вступил в новую фазу своего развития.

С VII по IX век понятия «музыка» и «григорианский хорал» существовали нераздельно. Изучая мелодику хоралов, средневековые музыканты и певчие хотели украсить их, но изменять церковное пение не разрешалось. Выход был найден: над хоральной мелодией на равном удалении от всех ее звуков был надстроен второй голос, который в точности повторял мелодический рисунок хорала. Мелодия казалась утолщенной, удвоенной. Такие первые двухголосные сочинения получили названия органумов, так как нижний голос, в котором звучал хорал, назывался vox principalis (основной голос), а верхний, присочиненный – vox organalis (дополнительный голос). Звучание органумов вызывало ассоциации с акустикой храма: оно было гулким, глубоким. Далее, на протяжении XI-XIII веков, двухголосие выросло до трех- (triptum) и четырехголосия.

Ритмические формы органумов - пример модусной (модальной) ритмики. Их шесть: ямб (l ¡), трохей (хорей) (¡ l), дактиль (¡. l ¡), анапест (l ¡ ¡.), спондей (¡. ¡.), тритрахий (l l l).

Помимо церковного искусства, с развитием европейских городов и экономики, в Средние века произошло рождение нового искусства. Простые люди (горожане, крестьяне) часто видели в своих поселениях бродячих актеров и музыкантов, которые танцевали, разыгрывали театрализованные представления на разные темы: об ангелах и Пресвятой Богородице или о чертях и адских муках. Это новое светское искусство пришлось не по вкусу аскетическим служителям церкви, которые находили в легкомысленных песнях и представлениях происки дьявола.

Расцвет средневековых городов и феодальных замков, интерес к светскому искусству, который охватывал все сословия, привели к появлению первой профессиональной школы светской поэзии и музыки – школы трубадуров, которая возникла на юге Франции в XII веке. Аналогичные немецкие поэты и музыканты назывались миннезингерами (мейстерзингерами), северофранцузские – труверами. Будучи авторами стихов, поэты-трубадуры выступали одновременно и как композиторы, и как певцы-исполнители.

Музыка песен трубадуров выросла из поэзии и подражала ей своей простотой, шутливостью, беззаботностью. Содержание таких песен обсуждало все жизненные темы: любовь и разлуку, наступление весны и ее радости, веселую жизнь странствующих студентов-школяров, шалости Фортуны и ее капризный нрав и др. Ритмичность, четкое членение на музыкальные фразы, акцентность, периодичность – все это было свойственно песням трубадуров.

Григорианское пение и лирика трубадуров – два самостоятельных направления в средневековой музыке, однако, при всей их контрастности, можно отметить и общие черты: внутреннее родство со словом, склонность к плавному, витиеватому голосоведению.

Вершиной раннего многоголосия (полифонии) стала школа Нотр-Дам. Музыканты, принадлежавшие к ней, работали в Париже в соборе Парижской Богоматери в XII-XIII веках. Им удалось создать такие многоголосные структуры, благодаря которым музыкальное искусство стало более самостоятельным, менее зависимым от произнесения латинского текста. Музыка перестала восприниматься как его поддержка и украшение, она теперь предназначалась специально для слушания, хотя органумы мастеров этой школы по-прежнему исполнялись в церкви. Во главе школы Нотр-Дам стояли профессиональные композиторы: во второй половине XII века – Леонин, на рубеже XII-XIII веков – его ученик Перотин.

Понятие «композитор» в эпоху Средневековья существовало на втором плане музыкальной культур и само слово происходило от «компонировать» - т.е. сочетать, создавать нечто новое из известных элементов. Профессия композитора появилась лишь в XII веке (в творчестве трубадуров и мастеров школы Нотр-Дам). Например, найденные Леонином правила композиции уникальны потому, что, начав с глубокого исследования музыкального материала, созданного до него, композитор сумел впоследствии сочетать традиции строгого григорианского пения со свободными нормами искусства трубадуров.

Уже в органумах Перотина был придуман способ продления музыкальной формы. Так, музыкальная ткань расчленялась на короткие мотивы, построенные по принципу подобия (все они представляют довольно близкие варианты друг друга). Перотин передает эти мотивы из одного голоса в другой, создавая нечто вроде мотивной цепочки. Пользуясь такими сочетаниями и перестановками, Перотин позволил органумам разрастись по масштабам. Звуки григорианского хорала, помещенные в голос cantus firmus, располагаются на большом расстоянии друг от друга – и это также способствует расширению музыкальной формы. Так возник новый жанр – МОТЕТ; как правило, это трехголосное сочинение, получившее распространение в XIII веке. Красота нового жанра заключалась в одновременном сочетании разных мелодических линий, хотя они, по сути, являлись вариантом, дублировкой, отражением основного напева – cantus firmus. Такие мотеты назывались «упорядоченными».

Однако большей популярностью у публики пользовались мотеты, которые, в противоположность мотетам на cantus firmus, утрировали принципы разноголосия: некоторые из них даже сочинялись на разноязыкие тексты.

Средневековые мотеты могли быть как духовного, так и светского содержания: любовного, сатирического и т.п.

Раннее многоголосие существовало не только как вокальное искусство, но и как инструментальное. Для карнавалов и праздников сочинялась танцевальная музыка, песни трубадуров также сопровождались игрой на инструментах. Были популярны и своеобразные инструментальные фантазии, похожие на мотеты.

XIV век в западноевропейском искусстве называется «осенью» Средневековья. В Италию уже пришла новая эпоха – Возрождение; уже творили Данте, Петрарка, Джотто – великие мастера раннего Ренессанса. Остальная Европа подводила итоги средних веков и ощущала рождение новой темы в искусстве – темы индивидуальности.

Вступление средневековой музыки в новую эпоху было ознаменовано появлением трактата Филиппа де Витри «Ars Nova» - «Новое искусство». В нем ученый и музыкант пытался обрисовать новый образ музыкально-прекрасного. Название этого трактата дало имя и всей музыкальной культуре XIV века. Отныне музыка должна была отказаться от простых и грубых звучаний и устремиться к мягкости, очарованию звука: вместо пустых, холодных созвучий Ars antiqua предписывалось использовать полные и певучие созвучия.

Рекомендовалось оставить в прошлом и однообразный ритм (модальный) и пользоваться вновь открытой мензуральной (измерительной) нотацией, когда короткие и длинные звуки относятся друг к другу как 1: 3 или 1: 2. Таких длительностей много – максима, лонга, бревис, семибревис; каждая из них имеет свое начертание: более длинные звуки не заштриховываются, более краткие изображаются черным цветом.

Ритм стал более гибким, разнообразным, можно использовать синкопы. Менее строгим стало ограничение на использование иных, кроме диатонических церковных ладов: можно употреблять альтерации, повышения, понижения музыкальных тонов.