Оскар Кокошка (01.03.1886-22.02.1980)

Австрийский художник и драматург чешского происхождения, крупнейшая фигура австрийского экспрессионизма в литературе и изобразительном искусстве. По отцу Кокошка принадлежал к роду известных пражских ювелиров. В 1903—1909 учился в Венской школе искусств и ремесел, среди его преподавателей был Густав Климт. В 1908 его работы были представлены в экспозиции художников-модернистов, близких к Климту. Постановка драмы Кокошки «Убийца, надежда женщин» (1907) на Венской сцене вызвала скандал (в 1921 Пауль Хиндемит написал оперу на ее основе). К этому периоду относятся портреты венских знаменитостей.

В 1910 он сблизился в Берлине с экспрессионистской группой «Штурм», познакомился с Кандинским. В 1911—1913 пережил бурный роман с известной венской красавицей Альмой Малер, на тот момент — вдовой знаменитого композитора и дирижера Густава Малера. Ей же посвящена его работа «Невеста ветра», которую считают его лучшим произведением. В ней в фантастических образах художник раскрыл свою любовную связь с Альмой И хотя эта «роковая женщина» так и не вышла замуж за Кокошку, она полностью подчинила себе все его чувства. Когда же она настояла на разрыве, художник выполнил ее копию в натуральный рост и никогда с ней не расставался. «Невеста ветра» была написана за год до того, как Альма окончательно отвергла Кокошку, и печальное выражение его лица говорит о том, что он понимает: их любовь обречена. Удовлетворенная, она спит, а тело Кокошки, мятущегося духом и, увы, нелюбимого, служит ей постелью и опорой. Оно на глазах разрушается, пока вихрь несет обоих по небу.

Картина представляет водоворот красок и форм, которые с трудом удерживаются рядом под натиском могучей страсти. Порыв, что поднял любовников высоко над землей и должен символизировать высокую природу их любви, неминуемо обрушит обоих на земную твердь. Изображая такую силу чувств, Кокошка должен бы ясно показать свою близость с Альмой. Однако на деле тема трактуется совсем иначе: изменчивость образов заставляет предположить обратное — любовь прошла.

Кокошка участвовал в Первой мировой войне, был ранен в 1915 на Галицийском фронте, пережил плен, признан врачами психически нестабильным. В 1916 Кокошка познакомился с Гофмансталем и Рильке. Впечатления от войны вошли в драму «Иов» (1917). Его сочинения были изданы под названием " Четыре драмы" (1919). Основная тема этих драм (" Орфей и Евридика"; " Горящий шиповник", 1911; " Убийца, надежда женщин", 1907; " Иов", 1917) - взаимоотношения мужчины и женщины, уничтожающих друг друга в отчаянной борьбе.

Этому исключительному явлению взаимного уничтожения полов Кокошка придает универсальное значение, видя в их взаимоистреблении залог гибели мира. Пессимизм его имеет свой особый смысл: неминуемая гибель вселенной является для него источником самоумиротворения и самоутешения. Кокошка по существу представитель той части мелкой буржуазии, которая мирится со своей деградацией, считая ее неизбежной.

В 1919—1924 Кокошка был профессором Дрезденской Академии художеств. По его драме «Орфей и Эвридика» (1919) написана опера Эрнста Кшенека. В 1922 и 1932 работы художника представлялись на Венской Биеннале. О них отрицательно отозвался Муссолини, которого поддержали в этом пронацистские власти в Вене (в 1937 картины Кокошки фигурировали на известной пропагандистской выставке «Дегенеративное искусство», организованной нацистами).

В 1934 Кокошка переехал в Прагу, в 1938, после Мюнхенского соглашения — в Великобританию, в 1946 получил британское гражданство. С 1947 жил в Швейцарии. После окончания Второй мировой войны его работы были представлены в 1945 на выставке в Вене вместе с полотнами Климта и Шиле, в 1947 его экспозиция с успехом прошла в Берне, в 1952 на Венской Биеннале ему был отведен отдельный зал. В 1952—1963 Кокошка преподавал в летней Академии изобразительных искусств в Зальцбурге. В 1955, 1959 и 1964 его работы были представлены на кассельской выставке «Документа».
В 1960-е годы выступал также как сценограф (" Волшебная флейта" Моцарта, 1964, и др.), работал художником-оформителем на телевидении (" Росмерхольм", по драме Ибсена, 1961).

В 1981 большие ретроспективные выставки работ Кокошки прошли в Лондоне и Нью-Йорке, в 1986 — в нью-йоркском Музее Соломона Гуггенхайма.

Драматургия Оскара Кокошкистала одним из характерных примеров расширения возможностей драматургического искусства, тенденции, особенно ярко проявившей себя в начале XX века. Новаторская роль его драматургии обусловлена во многом тем, что Оскар Кокошка относился к той категории художников, кому одной сферы искусства было недостаточно для самовыражения.

Литературная биография Кокошки разделяется на два четко очерченных периода: в 1900-1910-ые годы, сначала в Вене, а затем в Берлине, где он сотрудничал с журналом «Штурм», он создает интересные и самобытные произведения - пьесы и стихотворения в прозе. Вновь Кокошка обращается к «самовыражению в слове» лишь почти полвека спустя, в 1950-1970-х годах, когда им были написаны ряд рассказов и драма «Комениус» (1972).
Драматургическое наследие Оскара Кокошки практически неизвестно русским читателям и зрителям. Между тем его драматургия занимает значительное место в ряду важнейших явлений искусства XX века.

В художественном творчестве Кокошки тоже явно прослеживается эволюция стиля и интересов. До Первой мировой войны он рисовал, главным образом, портреты, которые замечательны глубиной проникновения во внутренний мир модели. Стиль художника этого периода характеризуется тонкой трактовкой форм и свободой от описательного реализма. Однако постепенно в его манере стал проявляться больший интерес к технике живописи. Но при этом сохранялось и тонкое восприятие модели. В 1920-е годы Кокошка считался одним из наиболее одаренных немецких экспрессионистов. В этот период он обратился к пейзажу, который стал его любимым жанром. Интровертный характер его ранних произведений теперь уступил место работам, в которых импульс черпался извне; в них использовались смелые пластические природные формы, вылепленные пастозными мазками в ярких тонах. Во время Второй мировой войны в творчестве Кокошки наступило временное затишье, но затем последовали работы, в полной мере сохранявшие экспрессивность и гораздо более тонкие по цвету и рисунку.

Клее Пауль (1879-1940)

Клее Пауль (1879-1940) - швейцарский живописец и график, которого с полным правом можно назвать пионером модернизма. Свое кредо он сформулировал в начатом в 1918 году сочинении " Творческое вероисповедание": на первом плане должно стоять не максимально точное отображение реальности, а ее индивидуальное восприятие. " Новое искусство формирует не предметы, а ощущения по отношению к предметам. Художник воспроизводит не саму природу, а скорее закон природы", - записал Клее в своем дневнике в июне 1905 года. Таким образом, он описывал существенный принцип своего творчества. Клее сам придумывал невидимые, но органически возможные формы. Созданные им картины с чисто визуальной точки зрения поддаются совершенно различным толкованиям.

Долгое время господствовало мнение, что абстрактные художники отвернулись от природы, не придают ей большого значения. Этому утверждению никто так не противоречит, как Пауль Клее, отличавшийся глубочайшей привязанностью к природе. В основу всех его работ заложены наблюдения природы, будь то ландшафт, ботаника, космос... Одному приятелю, художнику и педагогу, он советовал: " Изучайте естественные пути Создателя, возникновение, функции и формы. Это - наилучшая школа. Исходя из природы, вы, быть может, придете к собственным формам". Пауль Клее интересовался естественными науками, изучал сложные математические взаимосвязи. Исходя из убеждения, что между природой и искусством существует тесная связь, Пауль Клее создавал свою графику и рисунки. Маслом он стал писать лишь в поздние годы.
Источник своего творчества Клее видел в инстинктивных ощущениях. Произведения Клее вырастали подобно, например, растениям. Они не осуществлялись в обычном смысле слова, а постепенно образовывались из первоначального хаоса.

Пауль Клее родился 18 декабря 1879 года в Мюнхенбукзе под Берном в Швейцарии. Его отец родом из Тюрингии, предки матери - из Франции и Швейцарии. Отец и мать были музыкальными педагогами. Атмосфера в доме была насыщена музыкой, и в семь лет мальчик начал учиться играть на скрипке. Рисовать учила его бабушка по материнской линии. В девятнадцать лет Клее уже учился в Мюнхене у Хайнриха Книрра, а осенью 1900 года его приняли в академический класс Франца фон Штука. Путешествуя по Европе, Клее не только знакомился с произведениями классических художников, но и создавал свои офорты. В 1906 году он женился на пианистке и педагоге Лили Штумпф и поселился с ней в Мюнхене. В том же году впервые выставил свои офорты. Его живописью на стекле никто особо не интересовался. Спустя четыре года у Пауля Клее в Берне состоялась первая персональная выставка рисунков, офортов и акварелей. Резонанс на нее был слабый, что расстроило художника.
В том же году, когда Клее было уже тридцать лет, он написал свою первую картину маслом. Работать с масляными красками ему было трудно, он делал многочисленные эскизы, но оставался неудовлетворенным результатом. В 1911 году Клее вступил в мюнхенское объединение " Синий всадник".

В 1914 году Клее едет в Париж, и в его жизни наступает перелом. После длительных бесед с друзьями - Василием Кандинским и Францем Марком - Пауль Клее начал ощущать доверие к собственной колористике. " Это смысл счастливой минуты: я и цвет едины. Я - художник", - записал он в дневник. Клее начал показывать свои работы на многочисленных выставках, и, при всей неоднозначности их восприятия, появились ценители его творчества.

В 1920 году его пригласили в Веймар, где он стал педагогом в " Баухаузе" - Высшей школе строительства и художественного конструирования, а в 1931 году он стал профессором Дюссельдорфской академии. В 1933 году национал-социалисты вынудили его уволиться, а его искусство было объявлено " вырожденным". Клее эмигрировал в Берн, где в 1935 году заболел склеродермией - смертельным кожным заболеванием. 29 июня 1940 года в 60-летнем возрасте он умер. В последние годы жизни в работах смертельно больного художника появилась глубокая печаль («Страх», 1934 г.; «Смерть и пламя», 1940 г.; «Мрачное путешествие на корабле», 1940 г.).

Клее всегда верил, что изобразительное искусство «не передаёт только видимое, а делает зримым тайно постигнутое». Эксперимент Клее обращен к созданию формаций чистой видимости, в каждой из которых, как в своей естественной среде, проявляется способ видения, не зависящий от видящего. Видимость эта дофигурна, допространственна, современна. Иначе говоря, первая ошибка в восприятии полотен Клее может заключаться в том, что мы пытаемся созерцать их, соотнося с той пространственной рамкой, которой, как нам представляется, мы владеем. Клее же открывает другие рубежи живописи, — может быть, даже то, что можно назвать не-живописью в живописи, но не в смысле отрицательного значения частицы " не", а в смысле позитивном, утверждающем живопись там, где она не-живопись — где она становится живописью. Изображение освобождается от функций репрезентации, теряет свою, и без того хрупкую, исчезающую связь с изображаемым. В поле изобразительных знаков и их " случайных" геометрий вступают не вещи, не бытие или мир отраженный, а силы, становления сил. Словно повторяя слово в слово формулу Ницше, Клее утверждает: "...становление более важно, чем бытие". Нашему глазу, плывущему в пространстве созерцания, предстоит столкновение с прозрачной стеной, на которой ему не за что зацепиться, — реальность изображаемого дематериализована и само изображение если еще и может представлять собой
материальный след, то лишь полностью освобожденный от созерцающего тела, — абсолютно инертный след. Клее определяет задачу: "...избегать массивного использования материального (дерево, металл, стекло и т.д.) в пользу использования идеальных данных (линия, тон, цвет), которые не являются затрагиваемыми вещами".

Творчество Пауля Клее с равным основанием относят к главным художественным течениям XX в. — экспрессионизму, кубизму, сюрреализму, абстракционизму. Но в то же время можно утверждать, что оно не принадлежало целиком ни к одному из них.

Арсений Тарковский.
ПАУЛЬ КЛЕЕ