Живопись послевоенного десятилетия (1945-1956).

В первые послевоенные годы быстро шло восстановление экономики, и главной темой искусства являлся пафос героического труда, а также воспевания «Великой Победы».

В живописи этих лет широкое распространение получил исторический, «историко-революционный» жанр.

В 1950 году коллективом авторов (Борис Иогансон и находившиеся под его руководством несколько других художников) была создана масштабная картина «Выступление В. И. Ленина на III съезде комсомола» о выступлении в 1920 году в здании Ленкома. Эта картина стала одной из эталонных.

Владимир Серов, «наследник» Бродского, решал ленинскую тему по-другому. В 1950 им написана картина «Ходоки у Ленина» — историческое событие приобрело жанровый характер, оттенок натуралистичности, фотографичности.

Георгий Мелихов взял сюжет для своих картин из другой эпохи. Его «Молодой Тарас Шевченко у художника К. П. Брюллова» (1947) — картина традиционного плана, с тщательной проработкой, вниманием к историческим деталям, подбором колорита.Патриотические чувства, рождённые Великой Отечественной войной, всколыхнули интерес к родной истории вообще.Эта война тоже превращалась в историческое явление. Благодаря этому исторический и бытовой жанр сближались. Такова, например, картина Юрия Непринцева «Отдых после боя» (1951) о Василии Теркине.

Борис Неменский продолжает тему, начатую им во время войны («Мать», 1945) полотнами в той же тональности. Он пишет «Сестры наши» (1956), воссоздающий эпизод войны. Одним из самых значительных произведений послевоенного времени на сюжет войны считалась картина«ВозвращениеВладимира Костецкого (1947).

В то же время появилась нашумевшая картина «Письмо с фронта» Александра Лактионова. Её осуждали за инсценировку, фигуры называли «искусственно поставленными в нужных местах и позах». Однако «популярность картины говорила о жажде конкретного, трогательно-духовного, которую испытывали люди, только что пережившие войну».Тема «мирного труда», мирной жизни, также пользовалась особым вниманием.Такова, например, картина «Хлеб» кисти Татьяны Яблонской (1949): «энергичная по манере живопись выявляет приподнято поэтическое состояние людей, работающих на колхозном току». В том же русле — другие картины художницы конца 1940-х — начала 1950-х гг. Пластов опять является заметной фигурой в живописи этого периода — в частности, картина «На колхозном току» убедительно выражает наполненность трудового ритма, слаженность людей в труде, их духовное единство в нерасторжимой связи каждого и всех с землей, как бы породившей их». Аналогичное настроение — в его картине «Ужин тракториста» (1951). Чуть позже Пластов пишет «одну из наиболее ярких и этапных произведений советской живописи» — «Весна»: здесь изображен открытый предбанник деревенской «чёрной» бани, где обнаженная девушка одевает девочку.Пейзаж лирического направления получил новые импульсы в своем развитии. Так, Сергей Герасимов писал подмосковные пейзажи, небольшие по размеру, скромные, но убедительные и конкретные в характеристике среднерусской природы, лиричные и личностные в выражении настроения времени («Зима», 1959; «Пейзаж с рекой», 1959; «Весна», 1954). При этом в лирический образ природы непременно вторгаются элементы эпические, которые своеобразно выявляют в лирическом строе идею патриотизма.Творчество пейзажиста старшего поколения Василия Мешкова показательно — «Сказ об Урале» (1949), «Кама», «Просторы Камы» (1950). В своих картинах он охватывает широкие просторы, подчеркивает величавую суровость природы. Ту же тягу к монометаллизму обнаруживает Сарьян («Колхоз села Кариндж в горах Туманяна»).Георгий Нисский работает над пейзажем в ином плане. Он осваивает новую динамику, новый «тип» природы, преображенной энергией, трудом современного человека.

Главные мотивы его картин — железнодорожные пути, линии автострад и высоковольтных передач, самолёты, вид земли с неба, морские порты, яхты, водохранилища. В большинстве его пейзажей основой композиции является движение, быстрое и активное, развивающееся в решительных монументальных ритмах; применяются неожиданные острые ракурсы, причудливые развороты пространства, сопоставления больших цветовых плоскостей (обычно по принципу контраста). Цветовая гамма — сдержанная, холодноватая, серо-стальная с яркими цветовыми акцентами. Из ярких работ этого периода — «Белорусский пейзаж».

Павел Корин в этот период продолжает выступать как яркий портретист. Он создаёт портреты людей творческого труда: «Коненков» (1947), «Сарьян» (1956), «Кукрыниксы» (1957). Человеческие характеристики здесь выходят скупые, но всегда точные, острые; живопись остается лаконичной и суровой, четко выровнен силуэт фигуры, подобрана особая цветовая гамма, подчеркнут жест.

50 Роль С. Мамонтова в развитии русского искусства конца XIX – начала XX

Крупный промышленник, меценат, деятель в области русского искусства, театра и музыки Савва Иванович Мамонтов родился 15 октября (по старому стилю 3 октября) 1841 года в Ялуторовске Тобольской губернии, ныне Тюменской области в богатой купеческой семье.

Учился в Петербургском горном институте, затем на юридическом факультете Московского университета. Успешно продолжая отцовское дело железнодорожного строительства, С.Мамонтов создал крупное состояние, разбогатев на железнодорожном строительстве. Был главным акционером общества Московско Ярославско Архангельской железной дороги, Товарищества Невского механического завода и общества Восточно Сибирских чугуноплавильных заводов.

Несколько лет жил в Италии, где занимался пением, изучал живопись. Он пел как оперный певец, был талантливым скульптором, художником, увлекался изготовлением майолики.

В 1870 1890 годах его подмосковное имение Абрамцево стало центром художественной жизни; здесь собирались виднейшие русские художники (И. Е. Репин, М. М. Антокольский, В. М. Васнецов, В. А. Серов, М. А. Врубель, М. В. Нестеров, В. Д. и Е. Д. Поленовы, К. А. Коровин) и музыканты (Ф. И. Шаляпин и другие).

При поддержке Саввы Мамонтова были созданы художественные мастерские, развивавшие традиции народного творчества и ремёсел.

В 1885 году он основал на свои средства Московскую частную русскую оперу (существовала до осени 1904 года), пропагандировавшую творчество передовых деятелей русского музыкального искусства, утверждавшую новые принципы в оперно театральном искусстве, реалистический тип оперного спектакля.

Савва Мамонтов являлся основателем и строителем крупнейших железнодорожных магистралей России (от Ярославля до Архангельска и Мурманска и от Донецкого угольного бассейна до Мариуполя), основателем Мытищенского вагоностроительного завода, занимался добычей железной руды и выплавкой чугуна.

Он был гласным Московской городской думы, почетным и действительным членом Общества любителей коммерческих знаний, председателем Дельвиговского железнодорожного училища, основателем пяти коммерческих и промышленных училищ в разных частях Российской империи и, наконец, кавалером ордена Владимира 4 й степени. Он был также автором книги " О железнодорожном хозяйстве России".

В начале 1990 х годов С.Мамонтов задумал создать конгломерат связанных между собой промышленных и транспортных организаций. Он приступил к реконструкции взятого у казны Невского судостроительного и механического завода в Петербурге, приобрел Николаевский металлургический завод в Иркутской губернии. Эти предприятия должны были обеспечить транспортными средствами Московско Ярославско Архангельскую железную дорогу, директором правления которой он был, и продолжить ее строительство, что позволило бы энергичнее осваивать Север. Из за нехватки финансовых вложений, связанных с промышленным кризисом в 1899 году С.Мамонтов разорился.

С.И. Мамонтов умер 6 апреля 1918 года после длительной болезни в Москве в доме у Бутырской заставы. Похоронен в Абрамцеве у Спасской церкви.

51 «Бубновый валет»- наиболее яркие представители и их художественные позиции.

«Бубновый валет» - это группа русских художников – авангардистов, оформившаяся в 1910 – 1912 годы на базе одноимённой московской выставки 1910 года, на следующий год преобразовавшаяся в общество со своим уставом.

Выставка эта проходила на Воздвиженке пользовалась огромным интересом публики и сопровождалась шумихой в прессе, печатавшей множество карикатур, и язвительных репортажей о ней. Ещё до своего открытия «Бубновый валет» одним своим именем вызывал единодушное негодование московских ценителей искусства.

На самом деле, название объединения обозначает старинное французское толкование карты бубновый валет - «мошенник», «плут» и принадлежит М. Ф. Ларионову, который, по-видимому, имел в виду именно эту негативную трактовку. Название эпатировало и привлекало публику.

Художники, прошедшие школу Серова и Коровина, захотели большей свободы — соединить модный тогда кубизм с традицией русского народного творчества. Их идеей, по истине революционной, стала мысль о том, что картины предназначены не для тонких ценителей и критиков, а для всех. Стало быть, преобладающие жанры - натюрморты, простые, как вывески в продуктовых лавках, а также портреты, пейзажи, народные картинки, похожие на лубок.

Обратившись к эстетике постимпрессионизма, фовизма и кубизма, а также к приёмам русского лубка и народной игрушки, бубнововалетовцы решали задачи выявления материальности натуры, построения объёмной формы на плоскости с помощью цвета, передачи «вещественности» натуры, её фактурной осязаемости.

Исходный принцип их искусства составлял утверждение предмета в противовес пространственности. В связи с этим изображение неживой натуры – натюрморт – выдвигалось на первое место. Наиболее характерные представители этого объединения (П.П. Кончаловский, А.В. Куприн, А.В. Лентулов, И.И. Машков, А.А. Осмеркин, В.В. Рождественский, Р.Р. Фальк) стремились выявить первозданную «вещность» мира, подчеркивая пластические, фактурные свойства цвета, момент красочной лепки форм. Отсюда – своеобразная «натюрмортность» их искусства, даже если речь и не шла о натюрмортах как таковых.

Примитивистская тенденция, связанная с ассимиляцией стилистики детского рисунка, вывески, лубка и народной игрушки проявилась в творчестве Михаила Фёдоровича Ларионова (1881-1964 гг.), одного из основателей «Бубнового валета» именно ему принадлежит идея названия этого объединения. Вообще стиль вывесок очень прельщает " Валетов". В период с 1907 по 1912 гг. Ларионов писал картины, основанные на творческой переработке образно-пластического строя различных видов фольклорного искусства; молодой художник стал инициатором целого направления в русском искусстве – неопримитивизма (цикл

Парикмахеры (1907 г.) и другие сценки провинциального быта). Ещё одним из организаторов общества «Бубновый валет» был Лентулов Аристарх Васильевич (1882 – 1943 гг.). С середины 10-х годов важным компонентом изобразительного стиля «Бубнового валета» стал футуризм, одним из приёмов которого был «монтаж» предметов или их частей, взятых из разных точек и в разное время, и именно этом приёмом характеризовались многие известные работы Лентулова (Отдыхающий солдат, 1910 г., ГТГ), Особую известность получили его образы старинной церковной архитектуры, претворенные в феерически - праздничные и в то же время подспудно - катастрофические зрелища, –храмы здесь как бы рассыпаются, или, напротив, созидаются из красочной стихии (Василий Блаженный). Говоря о художниках, основавших общество «Бубновый валет» нельзя не упомянуть имя такого известного русского авангардиста как Кончаловский Пётр Петрович (1876 – 1956 гг.). Начиная свой творческий путь в «Бубновом валете», Кончаловский довольно быстро сделал себе имя натюрмортами, пейзажами и портретами, близкими аналитическому кубизму и фовизму; этим произведениям (Сиенский портрет, Сухие краски, 1913 г.) свойственны грубовато - предметная фактура и драматическая сила красок. Куприн Александр Васильевич (1880–1960гг.), русский художник - живописец из круга «Бубнового валета». В работах его раннего периода доминируют напряжённые красочные контрасты, натура воспринимается как бы осязательно - предметно и в то же время достаточно отчуждённо (Натюрморт с синим подносом, Завод, Натюрморт с воблой,).

Машков Илья Иванович (1881 – 1944 гг.) был одним из наиболее значительных и в то же время самых характерных живописцев круга «Бубнового валета». Уже в ранних произведениях Машкова проявилось его

замечательное умение строить форму цветом – плотным, сильным, выразительно раскрывающим материальную плоть мира. Известные его «парадные натюрморты» со «снедью московской» – Хлебы и Мясо и дичь (оба – 1924 г., ГТГ) – воспринимались как красочные символы сравнительного благополучия и сытости, наступивших в годы НЭПа.

После перехода в 1916-1917 гг. наиболее значительных художников из числа умеренных (Кончаловский, Машков, Лентулов, Фальк и др.) в объединение «Мир искусства», «Бубновый валет» прекратил свое существование, оставив заметный след в истории не только русского авангарда, но и мирового художественного искусства. Они оказали большое влияние на развитие изобразительного искусства в России и стали одним из ярчайших явлений русского авангарда.

52 «Союз русских художников». История создания, наиболее яркие представители.

Основополагающим мотивом для создания абсолютно нового, независимого общества живописцев в начале ХХ века стала все более усиливавшаяся напряженность в противоречивых взаимоотношениях старшего и молодого поколений художников. Молодые живописцы желали отойти от драматической повествовательной картины–диалога, к которой тяготели члены Товарищества передвижников, и создать глубоко одухотворенный пейзаж–настроение.

После нескольких лет сложных пространственно–живописных поисков и обретения стилевой направленности, в результате участия в экспозициях «Мир искусства» под руководством С.П. Дягилева, а также благодаря «Выставке 36–ти художников», в 1903 году был образован самостоятельный коллектив «Союз русских художников».

У истоков новой выставочной организации стояли московские и петербургские живописцы, члены–учредители и инициаторы общества А.Е. Архипов и А.М. Васнецов, М.А. Врубель и М.В. Нестеров. В разные годы к «СРХ» примыкали самые лучшие живописцы и ведущие графики эпохи модерна, известные скульпторы и искусствоведы: А.Н. Бенуа и В.А. Серов, К.Ф. Юон и К.А. Коровин, князь П.П. Трубецкой и А.С. Голубкина, и многие, многие другие.

Это сближало группу с передвижниками. «Союз..» возник в 1903г. и участниками его первых выставок были Врубель, Серов, Борисов-Мусатов.

И. Э. Грабарь (1871 – 1960) В его пейзажах поэзия русской природы открывается в неожиданных цветовых сочетаниях. В картине «Мартовский снег» интенсивно переживание красок весеннего мартовского пейзажа, пористая, взрыхленная фактура как будто имитирует поверхность тающего мартовского снега, а ритм вибрирующих мазков напоминает струение весенних вод. Именно в этих пейзажах впервые в русском искусстве возникает метод дивизионизма, то есть разложение цвета на спектрально чистые цвета палитры. Главной темой художников «Союза..» становится живописное явление, уловленные в природе особая игра и сочетание цветов, образующие оригинальный колористический эффект. К этой же группе примыкал и Малявин.

К. Ф. Юон (1875 – 1958) Своеобразием творческого облика отличается творчество этого художника. Он сплавляет бытовой жанр с архитектурным пейзажем. Живописуя красочные панорамы старой Москвы и древних русских городов, художник как бы инкрустирует их сценами обычной уличной жизни. Национально-русский колорит, который искали художники «Союза..»прежде всего ассоциируется с красками зимы и ранней весны. Один из лучших пейзажей Юона – «Мартовское солнце» 1915 г. Это сочная, свободная живопись, но в отличие от «придуманности» сюжетов мирискусников, Юон передает непосредственные натурные впечатления.

А. А. Рылов (1870 – 1939) В картине «Зеленый шум» 1904 г. главное – дуновение свежего ветра, разносящего грозные тучи, весело треплющего ветви берез, вздувающего паруса. Само название произведения напоминает атмосферу предреволюционной России.

Ученики И.И. Левитана и В.Д. Поленова, И.Е. Репина и В.А. Серова, примыкавшие к учрежденному в 1903 году легендарному объединению, продолжали высокие реалистические традиции и художественные заветы своих непревзойденных учителей–передвижников. Члены сообщества и экспоненты выставок «СРХ» (1903–1923) В.В. Переплетчиков и А.Е. Архипов, Ф.А. Малявин и Б.М. Кустодиев, С.А. и К.А. Коровины, А.П. Рябушкин и К.Ф. Юон привнесли уникальные индивидуальные черты, обогатили полихромную палитру красочного слоя, наделив работы сияющим светом.

Во второй половине XX века связующим звеном явились художники большой картины, среди которых мы видим имена А.А. Пластова и А.М. Грицая, В.Г. Цыплакова, В.Ф. Стожарова и Н.П. Федосова, а также братьев С.П. и А.П. Ткачевых, В.М. Сидорова и многих других. Для произведений мастеров, объединенных общей любовью к России, характерна красочность, свежесть, праздничность колорита, понимаемая как светоносность.

53 «Голубая роза», история создания, наиболее яркие представители, значение.

Самым крупным художественным образованием после " Мира искусства" и " Союза русских художников" явилась " Голубая роза". Под этим названием в 1907 г. в Москве состоялась выставка, объединившая группу молодых художников, недавних учеников Московского училища живописи, ваяния и зодчества - последователей Борисова-Мусатова.

Выставка «Голубая роза открылась 18 марта 1907 г. в Москве. В залах, декорированных серебристо-серыми и нежно-голубыми тканями, разместились живописные и графические работы четырнадцати художников — П. Кузнецова, П. Уткина, Н. Сапунова, М. Сарьяна, С. Судейкина, Н. Крымова, А. Арапова, А. Фонвизина, Н. и В. Милиоти, Н. Феофилактова, В. Дриттенпрейса, И. Кнабе и Н. Рябушинского. Здесь же располагались скульптурные работы А. Матвеева и П. Бромирского. В начале XX в. их объединило глубокое увлечение идеями символизма. Некоторые из них сотрудничали в московских символистских журналах «Весы» и «Золотое руно». Но самым сильным было влияние В. Э. Борисова-Мусатова. Именно отталкиваясь от его живописного стиля, молодые художники-символисты определили главную задачу своего творчества: погружение в мир тончайших, неуловимых чувств, затаённых и сложных внутренних ощущений, которые невозможно объяснить словами.

Название выставки и объединения, а также стилистика работ участников тесно связаны с эстетикой символизма. Голубой цвет — цвет неба, воды, бесконечного пространства — как бы олицетворял поэтическую мечту и реальность, тоску и надежду.

Деятельность " Голубой Розы" была довольно длительной, хотя выставка с таким названием (1907) оказалась единственной. Название с той поры перешло к художественному движению, связанному с творчеством участвовавших в знаменитой выставке мастеров.

Замечательная страница в истории московского символизма - раннее творчество армянского живописца Мартироса Сергеевича Сарьяна (1880—1972). Он мог прекрасно демонстрировать тонкость ощущений и символистскую недоговорённость, как, например, в работе «Озеро фей» (1906 г.), которая построена на типичной для «Голубой розы» игре холодных тонов.

В работах Николая Николаевича Сапунова (1880—1912) переплетаются элементы символизма и примитивизма. Его полотно «Карусель» (1908 г.), казалось бы, типичная примитивистская «ярмарочная картинка». Однако лёгкие короткие мазки, сложные соединения чистых (т. е. не смешанных на палитре) красок заставляют вспомнить утончённую манеру французских мастеров.

Гораздо сильнее ностальгические настроения чувствуются в творчестве Сергея Юрьевича Судейкина (1882 —1946). Действие картин художника, в частности работы «В парке» (1907 г.), разворачивается, как правило, в английских парках, среди густой листвы и теряющихся в ней лёгких беседок. Уединяющиеся в лодках и в аллеях парка влюблённые пары словно растворяются в нежной воздушной дымке, их крошечные фигурки становятся органичной частью природы. Рассеянный сумрачный свет придаёт этим «сценам времён сентиментализма» ощущение мечтательности и острой тоски по несбыточному.

Выставка «Голубая роза» не привела к созданию прочного художественного объединения московских символистов. Но её название позднее превратилось в метафору, определяющую основные черты их стиля: камерность, тягу к отражению тончайших ощущений, богатство и гибкость цветовой палитры, чуткое внимание к передаче света. Живопись этих художников создала особый мир мечтаний и видений, пронизанный мягкой, но хрупкой радостью, а порой столь же мягкой ностальгической грустью.