Студопедия

Главная страница Случайная страница

КАТЕГОРИИ:

АвтомобилиАстрономияБиологияГеографияДом и садДругие языкиДругоеИнформатикаИсторияКультураЛитератураЛогикаМатематикаМедицинаМеталлургияМеханикаОбразованиеОхрана трудаПедагогикаПолитикаПравоПсихологияРелигияРиторикаСоциологияСпортСтроительствоТехнологияТуризмФизикаФилософияФинансыХимияЧерчениеЭкологияЭкономикаЭлектроника






Искусство Древней Греции






Искусство Древней Греции — период в истории европейского искусства, охватывающий время примерно с 1050 года до н. э. до эпохи Римской империи.

Периодизация древнегреческого искусства

предшествующий период — Эгейское искусство (Крито-Микенское искусство) — ХХХ в. до н.э. — XII в. до н.э.

Ахейско-минойское искусство

Геометрический период («Гомеровская Греция») — ок.1050 г. до н.э.—VIII в. до н.э.

Протогеометрика (Субмикенский период) — ок.1050 г. до н.э.— ок. 900 г. до н.э.

Геометрика (расцвет) — ок.900 г. до н.э.— ок. 750 г. до н.э.

Поздний геометрический период (Депилон) — ок.750 г. до н.э.— нач. VII в. до н.э.

Архаический период — VII в. до н.э.— нач. V в. до н.э.

Ранняя архаика — нач. VII в. до н.э. — 570-е гг. до н.э.

Зрелая архаика — 570-е гг. до н.э. — 525-е гг. до н.э.

Поздняя архаика — 525-е гг. до н.э. — 490-е гг. до н.э.

Классический период — V в. до н.э.— сер. IV в. до н.э.

Ранняя классика («Строгий стиль») — 1-я пол. V в. до н.э.

Высокая классика — 2-я пол. V в. до н.э.

Поздняя классика — IV в. до н.э.

Эллинистический период — сер. IV в. до н.э. — I в. до н.э.

Характеристика периодов

Эпоха геометрики

Эпоха получила название по виду вазописи.

Для древнегреческой культуры этого периода характерна связь с культурой ахейцев и, через них — с крито-микенским искусством. Несмотря на то, что поселения и ремесленные центры остаются на тех же географических местах (например Микены, Аргос), прямым продолжением эгейской культуры геометрику считать нельзя.

В этот период идет процесс ученичества, базирующегося на эгейском и древневосточном наследии. Новые племена, пришедшие на полуостров, начинают заново, используя то, что было оставленно на занятых территориях предшественниками. В архитектуре эллины геометрического периода начинают с нуля — с сырцового кирпича (предшествующему периоду была свойственна циклопическая кладка). Мегарон эволюционирует из дворца в храм: на месте старых мегаронов появляются новые греческие святилища, повторяющие их типологию. Постройки, сырцово-деревянная архитектура, с перекрытиями вальмового типа, как правило, прямоугольные, узкие и вытянутые, могли раскрашиваться.

Храм Аполлона Карнейского на о.Фера — создан на основе существовавшего ранее мегарона.

Храм Артемиды Орфии в Спарте. Храм Аполлона в Фермосе (Ферме).

Постепенно развивается типология храма: уже есть и наос, и пронаос.

Лучше всего представлена живопись, давшая название периоду. Её стиль отталкивается от геометризированности, свойственной поздней эгеике. В протогеометрике начинает использоваться инструменты — циркуль, линейка. В расцвет геометрики превалируют в основном закрытые сосуды, вся поверхность которых покрывается геометрическим орнаментом. Начинают формироваться специфически греческие черты: регистровость росписи, а также узоры — меандры, зубцы, треугольники, волны, сетки.

Поздняя геометрика

Эпоха поздней геометрики получила название «депилонской» по сосудам, найденным у Депилонских ворот в Афинах. Начинают делать ленточные вставки на наиболее ответственных чертах, использовать большие фигуративные композиции, появляются изображения геометризированных животных. Улучшается качество гончарных изделий, появляются крупные формы. Центры — в Аргосе, Беотии, Аттике. Росписи осуществляются с использованием коричневого лака (наследие ахейцев). В поздний период начинают добавлять пурпур и белила. В рисунках появляется т.н. ковровое решение.

Изображения человека выполняются практически по древнеегипетскому канону. Очень любят изображение коней. Появляется лащение поверхности ваз — проходят жидким разбавленным лаком, получая розовато-золотистый цвет. Направлению свойственна рафинированная стилистика, повышенная тектоничность, замечательное пропорционирование.

Крупных скульптур не сохранилось. Малые формы принято разделять на несколько стилей:

стиль «тулово» — массивные статуэтки, камень, терракота, расписаны в геометрическом стиле

стиль «вытянутых конечностей» — металл, большая привязанность к реальным пропорциям.

Архаический период (VII - VI вв. до н.э.)

7 в. до н.э.— нач. 5. в. до н.э. Во время архаического периода сложились наиболее ранние формы древнегреческого искусства — скульптуры и вазописи, которые в более поздний классический период становятся более реалистичными. С поздним архаическим периодом связаны такие стили вазописи, как чернофигурная керамика, возникшая в Коринфе в 7 в. до н. э. В керамике постепенно появляются элементы, нехарактерные для архаического стиля и заимствованные из Древнего Египта — такие, как поза «левая нога вперёд», «архаическая улыбка», шаблонное стилизованное изображение волос — так называемые «волосы-шлем». В эпоху архаики формируются основные типы монументальной скульптуры — статуи обнажённого юноши-атлета (курос) и задрапированной девушки (кора).

Скульптуры изготавливаются из известняка и мрамора, терракоты, бронзы, дерева и редких металлов. Эти скульптуры — как отдельно стоящие, так и в виде рельефов — использовались для украшения храмов и в качестве надгробных памятников. Скульптуры изображают как сюжеты из мифологии, так и повседневную жизнь. Статуи в натуральную величину неожиданно появляются около 650 г. до н. э.

Классический период (5 в. до н.э.— сер.4. в. до н.э.)

Почти все постройки в этом периоде — дорического стиля, сначала тяжёлого и малоизящного, но потом делающегося более лёгким, смелым и красивым. Из храмов этой эпохи, находившихся в самой Греции, можно указать на храм Геры в Олимпии, храм Зевса в Афинах. Дорический стиль, продолжая быть господствующим, делается легче в своих формах и смелее в их сочетании, ионический же стиль входит все в большее и большее употребление, и, наконец, постепенно получает право гражданства и стиль коринфский. В собственной Греции храмы становятся более благородными и гармоничными как по общему своему характеру, так и по пропорциональности отдельных частей; в малоазийских колониях зодчие заботятся о роскоши материала, форм и украшений; Вместо известкового камня и песчаника для построек употребляется мрамор, доступный более тонкой обработке и потому способствующий большей деликатности и изяществу орнаментировки.

Эллинизм

Можно выделить 3 периода эллинизма как целостной системы: 1) 334—281 гг. до н. э.— образование империи Александра Македонского и ее распад в результате войн диадохов; 2) 280 г. до н. э.— середина II в. до н. э.— период зрелости эллинизма развивался в последнее столетие существования. 3) Середина II в. до н. э. — 30 г. до н.э. — период упадка эллинизма и его гибели.

Искусство древней Греции

Греция как бы тонет в окружающих ее морях. Лишь узким перешейком соединена она с Европой. Синяя морская вода изрезала берега и пробила в скалах множество глубоких причудливых бухт.

Территория Греции невелика, неплодородная почва может прокормить лишь небольшое население. Но в историю греческий народ вошел как один из самых великих, ибо вклад древних греков в мировую культуру неоценим.

Древние греки были удивительно талантливым, веселым и жизнерадостным народом. Они любили танцы, музыку, спорт. Они создали великолепные легенды о богах и героях — мифы, которыми мы зачитываемся и поныне, построили первые в мире театры, заложили основы философии, оставили потомкам эпические поэмы, замечательные произведения архитектуры, скульптуры, а также живописи; к сожалению, последние почти не дошли до нас.

Время не пощадило и архитектуру древних греков. Сохранилось всего несколько руин. Но и по этим руинам, полным непередаваемой красоты и величия, можно судить об искусстве древнегреческих зодчих. Правда, это исключительно храмы, театры и другие общественные здания. Жилой дом греки не считали предметом искусства. Они презирали роскошь в одежде и домашней обстановке. Их белые, крытые черепицей дома были очень скромны и даже не имели окон на улицу.

Архитектура ранних греческих храмов отличалась суровостью. Достаточно посмотреть па храм Посейдона в Пестуме (начало V в. до н. э.), чтобы почувствовать мощь тесно стоящих приземистых колонн с нависшими тяжелыми капителям и массивными каменными балками, которыми перекрыты колонны.

Со временем пропорции меняются: колонны становятся более стройными, расстояние между ними увеличивается, а капители и балки уменьшаются. От этого архитектура приобретает большую легкость и приветливость, здания как бы наполняются светом и воздухом.

Вершина греческой архитектуры - Парфенон - храм богини Афины Парфенос (Девы), построенный в V в. до н. э. зодчими Иктином и Калликратом в Афинах, самом богатом и знаменитом из греческих городов. О нем даже сложили поговорку: «Если ты не был в Афинах — ты верблюд, если был и не восхитился — осел». Здание Парфенона поставлено, как и большинство греческих храмов, на возвышенной и укрепленной части города — Акрополе. Его беломраморный силуэт четко вырисовывается на фоне неба. На первый взгляд Парфенон очень прост — мраморный четырехугольник, окруженный невысокими дорическими колоннами, которые почти вдвое ниже колонн московского Большого театра. И все-таки здание бесконечно величественно. Его секрет в исключительной ритмичностии гениальной соразмерности частей. Пропорции Парфенона рассчитаны так, что человек, приближаясь к нему, чувствует себя выше, шире в плечах: греки стремились к тому, чтобы архитектура вселяла в человека бодрость и внушала уверенность в себе.

Лучшие памятники древнегреческой скульптуры также были созданы в V в. до н. э. Но до пас дошли и более ранние произведения - статуи VII — VI вв. до н. э. Они симметричны: одна половина тела — зеркальное отражение другой. Скованные позы, вытянутые руки прижаты к мускулистому телу. Ни малейшего наклона или поворота головы, но губы раскрылись в улыбке. Улыбка словно изнутри освещает скульптуру выражением радости жизни.

В V в. до н. э. скованность исчезает, фигуры обретают движение, пропорции — красоту, лица — одухотворенность. Вот, например, статуя «Дискобол» (V в. до н. э.; Рим). Ее автор, великий скульптор Мирон, изобразил прекрасного юношу в момент, когда тот замахнулся тяжелым диском. Его захваченное движением тело изогнуто и напряжено, как готовая развернуться пружина. Под упругой кожей отведенной назад руки взбугрились тренированные мускулы. Пальцы ног, образуя надежную опору, глубоко вдавились в песок.

Полны напряженной жизни и статуи Поликлета, хотя, в отличие от своего современника Мирона, Поликлет любил изображать атлетов не во время упражнений, а в состоянии покоя. Взять хотя бы «Копьеносца» (или «Дорифора», V в. до н. э. Этот могучего сложения человек полон чувства собственного достоинства. Он стоит неподвижно перед зрителем. Но это не статичный покой древнеегипетских статуй. Как человек, умело и легко владеющий своим телом, копьеносец чуть согнул одну ногу и переместил тяжесть корпуса на другую. Кажется, что пройдет мгновение и он сделает шаг вперед, повернет голову, гордый своей красотой и силой. Перед нами человек, свободный от страха, гордый, сдержанный, воплощение достоинств воина и гражданина. Статуи Мирона и Поликлета были отлиты из бронзы, но до нас дошли лишь мраморные копии с древнегреческих оригиналов, сделанные римлянами.

Величайшим ваятелем своего времени греки считали Фидия, украсившего мраморной скульптурой Парфенон. Лучше всего сохранилась мраморная лента рельефа фриза длиной 160 м. На ней изображено шествие. Вот группа отважных всадников на горячих лошадях. Девушки в длинных одеждах подгоняют жертвенных быков. Идут женщины с пальмовыми ветвями — символом мира. Важно шествуют старцы, спокойные и благородные. Все они направляются в храм богини Афины — Парфенон.

Скульптура Парфенона сильно пострадала. А самая знаменитая из статуй Фидия - «Афина Парфенос» погибла еще в глубокой древности. Она стояла внутри храма и была несказанно прекрасна. Голова богини с невысоким гладким лбом и округлым подбородком, шея и руки были сделаны из слоновой кости, а волосы, одежда, щит и шлем были вычеканены из листов золота. Богиня в образе прекрасной женщины — олицетворение Афин.

V в., до н.э. был временем высшего расцвета искусства Древней Греции. Искусство этого времени именуют искусством высокой классики.

Прекрасные произведения искусства были созданы и в IV в. до н.э. - в период поздней классики. В это время работали такие великолепные мастера скульптуры, как Скопас, Пракситель и Лисипп. Каждый из них имеет свои особые качества. Скопас трагичен, экспрессивен и страстен. Пракситель, напротив, утончен, его герои изящны, подчас изнежены. Последнего мастера поздней классики — Лисиппа в большей мере, чем его предшественников, интересует внутренний мир человека.

В дальнейшем греческое искусство претерпевает большие изменения, разрушается его прежняя гармоничность.

В конце IV в. до н.э., со времени завоеваний Александра Македонского, в истории Греции наступает новый период — период так называемого эллинизма. Он длится до I в. до н. э. Эллинистическое искусство — это синтез древнегреческого и восточного искусства. Оно распространяется на обширной территории, захватывая Грецию, Египет, Малую Азию, Северное Причерноморье, Среднюю Азию и другие страны.

Многие произведения эпохи эллинизма связаны с традициями высокой классики, выработанными лучшими мастерами Древней Греции в V в. до н. э. Достаточно назвать такие шедевры мировой пластики, как статуи Нике Самофракийской или Афродиты (Венеры) Милосской (II в. до н. э.); знаменитые рельефы Пергамского алтаря (II в. до н.э.). Эти рельефы продолжают героическую линию греческого классического искусства. Иногда скульпторы эпохи эллинизма обращались и к жанровым сюжетам, подчеркивая бытовые подробности и детали.

Многого достигла в эпоху эллинизма и архитектура. Архитекторы разрабатывали планы городов, уделяя немалое внимание частным жилищам.

Искусство эллинизма — важный этап в истории мировой художественной культуры: оно оказало очень большое влияние на формирование искусства в Древнем Риме.

О́ пера

О́ пера (итал. opera — дело, труд, работа; лат. opera — труды, изделия, произведения, мн.ч. от opus) — жанр музыкально-драматического искусства, в котором содержание воплощается средствами музыкальной драматургии, главным образом посредством вокальной музыки. В опере cоединены музыка, слово и сценическое действие, причем музыке, как правило, отводится преобладающая роль. Литературная основа оперы — либретто. В этом музыкальном жанре слиты в единое целое поэзия и драматическое искусство, вокальная и инструментальная музыка, мимика, танцы, живопись, декорации и костюмы.

Композитор часто пишет оперу на сюжет, заимствованный из литературы, например «Руслан и Людмила», «Евгений Онегин».

Возникла в Италии на рубеже 16 и 17 веков. В ходе исторической эволюции выработаны разнообразные оперные формы: ария, речитатив, вокальный ансамбль, хоры, оркестровые номера (увертюра, антракты). Иногда опера включает балетные сцены, разговорный диалог, мелодраму. Разновидности оперы: историко-легендарная, героико-эпическая, народно-сказочная, лирико-бытовая и др. Некоторые виды оперы тесно связаны с определенной национальной культурой и эпохой — итальянская опера-сериа(серьезная), опера-буффа(комическая), французская большая опера, опера-комик, лирическая опера, немецкая и австрийская зингшпиль, английская балладная опера. Первые русские оперы появились во второй половине 18 века. Классические произведения оперного жанра в России возникли в 19 веке, тогда же национальные оперы были созданы на Украине, в начале 20 века — в Азербайджане, Армении, Грузии.

Зарождение оперы

Важнейший предшественник оперы — итальянская интермедия. Жанр оперы сложился в творчестве флорентийских музыкантов и поэтов конца 16 в., объединенных стремлением возродить античный род выразительного сольного пения с простым инструментальным сопровождением. Первыми настоящими операми были представления («драмы на музыке») пасторального содержания, которые разыгрывались при дворах флорентийских вельмож. Среди них — «Дафна» композитора Якопо Пери (1561-1633) и поэта Оттавио Ринуччини (1562-1621) (поставлена в 1598, утрачена) и «Эвридика» тех же авторов (поставлена в 1600; первая опера, музыка которой сохранилась полностью).

Первая опера

Вскоре новый «драматический стиль» (итал. stile rappresentativo) утвердился и при других итальянских дворах. Первой оперой, поставленной вне Флоренции, был «Орфей» К. Монтеверди (Мантуя, 1607). В 1630-х годах опера начала терять статус аристократического развлечения. Первый общественный оперный театр открылся в 1637 в Венеции. Для новой венецианской аудитории были предназначены как сложные, психологически насыщенные поздние оперы Монтеверди («Возвращение Улисса на родину», 1640, «Коронация Поппеи», 1642), так и произведения весьма популярного в то время Ф. Кавалли (1602-1676), основанные на пафосных мифологических либретто и изобилующие выразительными речитативами и изящными, подвижными, разнообразными по форме ариями.

Формирование оперного жанра в Италии

В 1660-х годах установилась схема оперной арии из трех разделов (ABA или ABB). Aрии заняли в опере господствующее положение, вытеснив ариозо; с другой стороны, речитативы утратили мелодичность и по характеру декламации приблизились к речи. Сюжеты стали более разнообразными, их развитие — более интенсивным и энергичным. Важное место в спектаклях отводилось ярким зрелищным эффектам. Венецианский оперный стиль, представленный творчеством Кавалли, Дж. Легренци (1626-1690), А. Сарторио (1630-1680), К. Паллавичино (1640-1688) и других, распространился по всей Италии и окрестным странам. Большое значение для его популяризации имела деятельность странствующих трупп. С 1650 такие труппы начали действовать в Неаполе, и вскоре этот город стал главным соперником Венеции как центра оперного искусства. Около 1700 по всей Италии утвердился более или менее единый оперный стиль, самыми известными образцами которого являются оперы А. Скарлатти, созданные и поставленные в Неаполе между серединой 1680-х и началом 1700-х годов. Каждая из них nостоит из трех актов. Перед началом первого акта исполняется инструментальная увертюра — в терминологии того времени «симфония» (sinfonia), складывающаяся из трех разделов: двух быстрых по краям и медленного в середине. Внутри актов речитативы чередуются с ариями, причем последние почти всегда выдержаны в трехчастной форме ABA (так называемая ария da capo). Дуэты и ансамбли для большего числа солистов редки. Последний акт завершается «хором» (итал. coro), a котором участвуют все персонажи.

Опера в других странах Западной Европы

Развитие оперы во Франции — стране, где танец традиционно преобладал над пением, пошло по несколько иному пути. Французская опера раннего барокко, представленная прежде всего так называемыми лирическими трагедиями любимого композитора Людовика XIVЖ. Б. Люлли, — это относительно короткий спектакль на героический или мифологический сюжет. В такой опере пять актов, и она непременно включает торжественные сцены с хорами и балетом, не имеющие прямого отношения к сюжету и призванные отразить величие короля. Как во Франции, так и в Германии конца 17 в. широко ставились итальянские оперы. Немецкие композиторы этого и более позднего времени писали также оперы на итальянские тексты. Вместе с тем, после 1678 года, когда в Гамбурге открылся оперный театр, в Германии умножилось число опер на немецком языке. Ведущим гамбургским оперным композитором начала 18 в. был Райнхард Кайзер (1674-1739). Для гамбургского театра были написаны также и первые оперы Г. Ф. Генделя. В ранних английских операх с разговорными диалогами (так называемых семи-операх) преобладало французское влияние. Выдающийся образец барочной английской оперы без разговорных диалогов — «Дидона и Эней» Г. Перселла, поставленная в 1689 силами учениц школы девочек в Челси. Соединив в рамках трех небольших актов лирику, юмор, мрачную фантастику и высокую трагедию, Перселл создал уникальное произведение, насыщенное неподдельным драматизмом и полностью свободное от условностей как французской, так и итальянской оперы.

Опера-сериа

В Италии начала 18 в. возникла реакция на схематизм, преувеличения и нелепые условности, характерные для оперных либретто второй половины 17 в. Новый импульс развитию жанра дало творчество либреттиста А. Дзено. После 1720 начатую им реформу оперы-сериа завершил П. Метастазио.Его либретто — выразительная иллюстрация рационализма 18 в. Конфликты и недоразумения, напряженные внутренние противоречия в них непременно разрешаются торжеством разума, а добродетель вознаграждается, причем часто благодаря акту великодушного самоотречения со стороны монарха или бога. Музыка опер-сериа организована согласно устойчивому набору правил: драматическое действие разворачивается в речитативах, тогда как эмоции персонажей выражаются посредством арий. На протяжении большей части 18 в. композитор в опере не был ведущей фигурой. Создателями большинства оперных спектаклей были музыканты и поэты, состоявшие на службе в театрах; они широко использовали чужую музыку и непременно учитывали требования ведущих певцов-солистов, прежде всего кастратов и сопрано, чье бельканто служило главной приманкой для публики.

Дальнейшее развитие оперного жанра

Несколько позднее новый вызов условностям оперы-сериа был брошен со стороны «низких» форм музыкальной культуры. Параллельно «серьезной» опере существовали и развивались такие незатейливые, простонародные жанры, как опера-буффа (в Италии), комическая опера, или комедия с ариеттами (во Франции), балладная опера (в Англии), зингшпиль (в Германии). С течением времени они начали существенно влиять на оперу-сериа, которая эволюционировала в направлении более свободной и гибкой трактовки стандартных сюжетных ходов и музыкальных форм. Строгая схема арии da capo подверглась значительным модификациям; появились совершенно новые разновидности арии; возросло значение речитатива с оркестровым сопровождением (итал. recitativo accompagnato) и хора. В конечном счете наступило фактическое слияние итальянских и французских стилистических черт.

Влияние Глюка

Главными этапами этого эволюционного процесса стали оперные реформы Т. Траэтты, Н. Йоммелли и особенно К. В. Глюка. Принципы глюковской реформы изложены в его предисловии к изданию партитуры оперы «Aльцеста» (1767) и сводятся в основном к следующему: музыка должна выражать содержание поэтического текста; следует избегать оркестровых ритурнелей и особенно вокальных украшений, которые лишь отвлекают внимание от развития драмы; увертюра должна предвосхищать содержание драмы, а оркестровое сопровождение вокальных партий — соответствовать характеру текста; в речитативах должно быть подчеркнуто вокально-декламационное начало, то есть контраст между речитативом и арией не должен быть чрезмерным. Большая часть этих принципов воплотилась в первой и лучшей из реформаторских опер Глюка «Орфее и Эвридике» (1762, Вена). Речитативы с оркестровым сопровождением, ариозо и арии не разделены в этой опере резкими границами, а отдельные эпизоды — в том числе танцы и хоры — объединены в крупные сцены со сквозным драматическим развитием. В отличие от сюжетов опер-сериа с их запутанными интригами, переодеваниями и побочными линиями, сюжет «Орфея» апеллирует к простым человеческим чувствам.

На рубеже 18 и 19 веков

Важное значение для истории оперы имела и реформа венецианского драматурга К. Гольдони и его соотечественника, композитора Б. Галуппи — создателей более сложной и богатой разновидности оперы-буффа, известной под жанровым наименованием веселая драма. Высший синтез оперы 18 в. был достигнут в зрелом (начиная с «Идоменея», 1781) творчестве В. А. Моцарта.

К началу 19 в. даже «серьезная» опера перестала быть искусством для богатой и высокородной аудитории и сделалась достоянием широкой публики. На волне этого процесса «демократизации» возникла и расцвела опера спасения, представленная, в частности, произведениями Л. Керубини и оперой Л. ван Бетховена «Фиделио» (1805). Вкусами широкой публики был предопределен и расцвет французского романтического жанра grand opera с захватывающими сюжетами, колоритной оркестровкой и масштабными хоровыми сценами. В Германии особой популярностью пользовались оперы на сказочные и фантастические сюжеты (К. М. фон Вебер, Г. А. Маршнер и др.).

Расцвет оперы

В итальянских серьезных операх первоe трети 19 в., в том числе и произведениях Дж. Россини, Г. Доницетти, В. Беллини, сохраняются некоторые условности 18 в., прежде всего отчетливое разграничение на речитативы и вокальные номера (так называемая номерная структура) и примат бельканто над театральной достоверностью. В лучших зрелых операх Доницетти и, особенно, в творчестве раннего Дж. Верди намечается тенденция к более дифференцированной обрисовке характеров и к большей связности и динамике в развитии драматического действия. В зрелых операх Р. Вагнера принцип разделения речитатива и арии заменен так называемой бесконечной мелодией и высокоразвитой системой лейтмотивов. В своих последних операх «Отелло» (1887) и «Фальстаф» (1893) от номерной структуры отказывается и Верди; его примеру следуют представители веризма во главе с Дж. Пуччини. Тенденция к большей гибкости формы и психологически правдивой передаче эмоций и страстей присуща и французской опере того времени («комическая опера» «Кармен» Ж. Бизе, лирические драмы Ж. Массне и К. Дебюсси.

Новые оперные школы

В 19 в. на востоке Европы сложились новые значительные оперные школы — русская, чешская, позднее также польская, венгерская и др. На ранних этапах становления они опирались на национальную историю и фольклор и в то же время активно ассимилировали западноевропейский опыт. Это новое течение породило ряд шедевров, среди которых выделяется «Борис Годунов» М. П. Мусоргского. В 20 в. способность традиционных оперных форм к обновлению и развитию была убедительно доказана творчеством таких композиторов, как Р. Штраус, Л. Яначек, А. Берг, С. С. Прокофьев, Д. Д. Шостакович, Б. Бриттен, И. Ф. Стравинский (примечательны его «Похождения повесы» — ироничный опыт воскрешения номерной оперы в духе 18 в.) и др. Вместе с тем в 20 в. возникло множество новых жанров музыкально-театрального искусства, в т. ч. камерная опера, рок-опера, различного рода экспериментальные и синтетические формы.

Практически каждая опера начинается увертюрой — симфоническим вступлением, которое в общих чертах знакомит слушателя с содержанием всего действия.

 

В Россию опера была завезена в 1736 году итальянскими оперными труппами и вскоре стала важной частью развлечения для русского императорского двора и аристократии. Многие иностранные композиторы, такие как Бальдассаре Галуппи, Джованни Паизиелло, Джузеппе Сарти, Доменико Чимароза и другие были приглашены в Россию для создания новых опер, в основном на итальянском языке. Одновременно некоторые отечественные композиторы, такие как Максим Березовский и Дмитрий Бортнянский были направлены за границу для обучения и совершенствования в оперном жанре. «Цефал и Прокрис» — первая опера на русском языке, написанная итальянским композитором Франческо Арая в 1755 году. В развитие оперы на русском языке внесли несомненный вклад русские композиторы Василий Пашкевич, Евстигней Фомин и Алексей Верстовский.

 

Однако, фактическое рождение русской оперы пришло в XIX веке с Михаилом Глинкой и его великими операми «Жизнь за царя» и «Руслан и Людмила». После него в XIX веке в России были написаны такие оперные шедевры, как «Русалка» и «Каменный гость» Александра Даргомыжского, «Борис Годунов» и «Хованщина» Модеста Мусоргского, «Князь Игорь» Александра Бородина, «Евгений Онегин» и «Пиковая дама» Петра Чайковского, а так же «Снегурочка» и «Садко» Николая Римского-Корсакова. Эти произведения отражали рост русского национализма в художественной сфере, как часть более общего движения славянофильства.

В XX веке традиции русской оперы развивались многими композиторами, включая Сергея Рахманинова с его работой «Франческа да Римини», Игоря Стравинского создавшего оперы «Мавр», «Похождения повесы», Сергея Прокофьева со своими операми «Любовь к трём апельсинам», «Огненный ангел», «Обручение в монастыре» и «Война и Мир». Дмитрий Шостакович со своими операми «Нос» и «Леди Макбет Мценского уезда» стал глубоким новатором в данной области. После распада Советского Союза современная опера на некоторое время почти исчезает из репертуаров российских театров. Вместе с тем некоторые российские композиторы начинают ставить оперы за рубежом, такие как Альфред Шнитке, Эдисон Денисов.

Разновидности оперы

 

Исторически сложились определённые формы оперной музыки. При наличии некоторых общих закономерностей оперной драматургии все её компоненты в зависимости от типов оперы толкуются различно.

Большая опера (фр. grand-opé ra, ранее фр. tragedie lyrique — лирическая трагедия) — возникла во Франции после Великой французской революции из элементов серьёзной и комической опер и сменившая лирическую трагедию в качестве главенствующего направления в музыкальном театре XIX века. Для большой оперы типичны монументальность, драматизм, красочность и декоративность, изобилие сценических эффектов. Большие оперы создавались главным образом на исторические сюжеты, включали развитые массовые сцены. В них использовались большие исполнительские составы — оркестр, хор, балет.

Комическая опера — имеет разные направления в зависимости от страны, где она зародилась. В каждой стране сохранялись некоторые формальные особенности комического оперного жанра. В Италии это опера-буффа, во Франции опера-комик, в Германии и Австрии зингшпиль, в Испании тонадилья, в Англии балладная опера. Опера комедийного содержания охарактеризована новыми тенденциями музыки в оперной драматургии, связанными с запросами новой, более демократичной аудитории, с новым кругом сюжетов и образов в эпоху Просвещения. Данный жанр отличается разговорными диалогами, речитативами, упрощённой ариозностью и динамичными ансамблями, близостью к колоритному народному тематизму, детальными и несложными характеристиками персонажей. В комической опере, немецкой и французской, между музыкальными номерами допускается диалог.

Романтическая опера — музыкально-драматическое произведение, написанное на романтический сюжет, зародившееся в Германии в начале XIX века.

Опера-балет (фр. opera-ballet) — музыкально-театральный жанр, зародившийся во Франции на рубеже XVII-XVIII веков и характерный для придворного театра периода барокко. Оперы-балет красочны и декоративны, состоят обычно из ряда картин, сюжетно почти не связанных, в которых развитые танцевальные сцены сочетаются с ариями, речитативами, ансамблями и другими оперными формами.

Опера спасения (фр. opé ra de sauvetage) — получила особое развитие в годы революции, поднимает темы борьбы с тиранией, разоблачения духовенства, прославляет верность, преданность. Этот новый героико-бытовой жанр синтезирует возвышенную героику и бытовой реализм, черты комической оперы и героической трагедии. Опера спасения проложила путь романтической опере XIX веке.

Оперетта (итал. operetta, уменьшит. от итал. opera — маленькая опера) — появилась от комической оперы, получив особенное распространение во второй половине XIX века. Смысл термина «оперетта» с течением времени менялся. С XVII века до середины XIX века — небольшая опера. В современном понимании оперетта — один из видов музыкального театра, музыкально-сценическое представление, в котором вокальные и хореографические номера чередуются разговорными сценами, а основу музыкальной драматургии составляют формы массово-бытовой и эстрадной музыки. В оперетте используются и специфические оперные формы — арии, ансамбли, хоры, но они обычно более просты и тоже выдержаны в песенно-танцевальном характере. Родственная опере с разговорными диалогами, оперетта отличается от неё общедоступностью музыки. В истории музыкального театра принято говорить о «парижской», «венской» и «неовенской» оперетте как об определённых национально-исторических разновидностях оперетты, обладающих устойчивыми жанрово-стилевыми особенностями. Как самостоятельная разновидность музыкального театра, отличающаяся от комической оперы, оперетта сложилась во Франции в 50-60-е года XIX века, в эпоху Второй империи.

Оперы для детского исполнения — оперы Бенджамина Бриттена: «Маленький трубочист», «Ноев ковчег»; оперы Льва Конова: «Король Матиуш Первый», «Асгард», «Гадкий утёнок», «Кокинвакасю».

Опера-сериа (итал. opera seria — серьёзная опера) — жанр итальянской оперы, возник в конце XVII века в творчестве композиторов неаполитанской оперной школы. Этому жанру характерны исторически-мифологические и легендарно-сказочные сюжеты при ясно выраженном разделении функций слова и музыки. Простые эмоции в обычных для них ситуациях представлены в развитых, завершённых, часто виртуозных ариях. К середине XVIII века назрел эстетический кризис оперы-сериа, где музыка передавала лишь немногие стороны драмы. Это привело к характерным для эпохи творческих исканий итальянских композиторов, которые стремились усилить в опере-сериа роль драматизированного речитатива в драматических кульминациях, углубить выразительность пения, расширить функции оркестра. В XIX веке этот жанр утратил первоначальный смысл и практически вышел из обихода, преобразовавшись в полукомическую оперу.

Опера-семисериа (итал. opera semiseria — полусерьёзная опера) — жанр, совмещающий в себе стили оперы-сериа и оперы-буффа. Полукомический жанр зародился в Италии в последние десятилетия XVIII века на основе французской оперы спасения, получившей развитие в годы Великой французской революции. Черты же её проступали уже в оперном искусстве XVII века. В XIX веке Опера-семисериа постепенно исчезает, прекратив своё дальнейшее развитие.

Семиопера, также семи-опера (англ. semi-opera, от лат. semi- «полу-», букв. «полуопера») — форма английской барочной оперы XVII века, в которой сочетаются устная драма, вокальные мизансцены, говек и симфонические произведения. Это жанр в котором отдельные музыкальные номера или интермедии чередуются в них с диалогами. Одним из приверженцев семиоперы считается английский композитор Генри Пёрселл. Прекратила своё существование в XVIII веке.

Элементы оперы

Опера — это синтетический жанр, объединяющий в едином театральном действии различные виды искусств: драматургию, музыку, изобразительное искусство (декорации, костюмы), хореографию (балет).

В состав оперного коллектива входят: солист, хор, оркестр, военный оркестр, орган. Оперные голоса: (женские: сопрано, меццо-сопрано, контральто; мужские: контратенор, тенор, баритон, бас).

Оперное произведение делится на акты, картины, сцены, номера. Перед актами бывает пролог, в конце оперы — эпилог.

Части оперного произведения — речитативы, ариозо, песни, арии, дуэты, трио, квартеты, ансамбли и т. д. Из симфонических форм — увертюра, интродукция, антракты, пантомима, мелодрама, шествия, балетная музыка.

Характеры героев наиболее полно раскрываются в сольных номерах (ария, ариозо, ариетта, каватина, монолог, баллада, песня). Различные функции в опере имеет речитатив — музыкально-интонационное и ритмическое воспроизведение человеческой речи. Нередко он связывает (сюжетно и в музыкальном отношении) отдельные законченные номера; часто является действенным фактором музыкальной драматургии. В некоторых жанрах оперы, преимущественно комедийных, вместо речитатива используется разговорная речь, обычно — в диалогах.

Сценическому диалогу, сцене драматического спектакля в опере соответствует музыкальный ансамбль (дуэт, трио, квартет, квинтет и т. д.), специфика которого даёт возможность создавать конфликтные ситуации, показывать не только развитие действия, но и столкновение характеров, идей. Поэтому ансамбли зачастую появляются в кульминационных или заключительных моментах оперного действия.

Хор в опере трактуется по-разному. Он может быть фоном, не связанным с основной сюжетной линией; иногда своеобразным комментатором происходящего; его художественные возможности позволяют показать монументальные картины народной жизни, выявить взаимоотношения героя и масс (например, роль хора в народных музыкальных драмах М. П. Мусоргского «Борис Годунов» и «Хованщина»).

В музыкальной драматургии оперы большая роль отведена оркестру, симфонические средства выразительности служат более полному раскрытию образов. Опера включает также самостоятельные оркестровые эпизоды — увертюру, антракт (вступление к отдельным актам). Ещё один компонент оперного спектакля — балет, хореографические сцены, где пластические образы сочетаются с музыкальными.

Оперный театр

 

Оперными театрами называют здания музыкальных театров, специально предназначенные для показа оперных постановок. В отличие от театров под открытым небом, здание оперного театра оснащено большой сценой с дорогостоящим техническим оборудованием, включая оркестровую яму и зрительный зал в один или несколько ярусов, располагающихся друг над другом либо оформленных в виде лож. Данная архитектурная модель оперного театра является основной. Крупнейшими по количеству мест для зрителей зданиями оперных театров мира являются Метрополитен Опера в Нью-Йорке (3 800 мест), Опера в Сан-Франциско (3 146 мест) и Ла-Скала в Италии (2 800 мест).

Оперные голоса

Во времена зарождения оперы, когда ещё не было изобретено электронное усиление звука, техника оперного пения развивалась в направлении извлечения достаточно громкого звука, способного перекрыть звучание сопровождающего симфонического оркестра. Мощность оперного голоса благодаря слаженной работы трёх компонентов (дыхания, работы гортани и регулирования резонирующих полостей) достигала 120 дБ на расстоянии одного метра.

Певцов, в соответствии с оперными партиями, классифицируют по типу голоса (текстура, тембр и характер). Среди мужских оперных голосов различают: бас, баритон, тенор, контр-тенор, а среди женских: контральто, меццо-сопрано, сопрано. Существует и более детальное деление голосов, например в сопрано выделяют: колоратурное сопрано, лирическое, драматическое и так далее.

Интересные факты

За последние 5 оперных сезонов с 2007/08 по 2011/12 было дано 104 тысячи представлений 2588 оперных произведений.

Самыми популярными оперными композиторами за тот же период стали Верди, Моцарт и Пуччини — 3020, 2410 и 2294 представления соответственно.

Из 1200 композиторов, чьи произведения ставились за последние пять сезонов, 640 являются нашими современниками. Наиболее популярным композитором из ныне живущих и живших недавно является Бенджамин Бриттен, занимающий 13-е место. Самой популярной женщиной-композитором является финка Кайя Саариахо.

Пять самых популярных опер — Травиата, Богема, Кармен, Волшебная флейта и Тоска.

Страной с наибольшим количеством оперных представлений является Германия — 7778. За ней следуют США (1849), Австрия (1429), Франция (1278) и Италия (1244). Россия — на 9-м месте (556 представлений).

Самым оперным городом является Берлин — там в сезоне 2011/12 прошло 569 представлений. За ним следует Вена, Лондон, Париж и Прага. Москва — на 7-м месте, 349 представлений.

Балет

Бале́ т (фр. ballet, от итал. ballo — танцую) — вид сценического искусства; спектакль, содержание которого воплощается в музыкально-хореографических образах. В основе классического балетного спектакля лежит определённый сюжет, драматургический замысел, либретто, в XX веке появился бессюжетный балет, драматургия которого основана на развитии, заложенном в музыке. Основными видами танца в балете являются классический танец и характерный танец (к характерным танцам относятся народные и национальные танцы, переработанные для исполнения в балетном спектакле). Немаловажную роль играет пантомима, с помощью которой актёры передают чувства героев, их «разговор» между собой, суть происходящего. В современном балете широко используются другие техники танца, а также элементы гимнастики, акробатики, восточных единоборств и т. п.

История

Зарождение балета

В начале — как объединённая единым действием или настроением танцевальная сценка, эпизод в музыкальном представлении, опере. Заимствованный из Италии, во Франции расцветает как пышное торжественное зрелище — придворный балет. Началом балетной эпохи во Франции и во всём мире следует считать 15 октября 1581 года, когда при французском дворе состоялось представление зрелища, которое принято считать первым балетом — «Комедийный балет королевы» (или «Церцея»), поставленное итальянским скрипачом, «главным интендантом музыки» Бальтазарини де Бельджозо. Музыкальную основу первых балетов составляли придворные танцы, входившие в старинную сюиту. Во второй половине XVII века появляются новые театральные жанры, такие как комедия-балет, опера-балет, в которых значительное место отводится балетной музыке, и делаются попытки её драматизировать. Но самостоятельным видом сценического искусства балет становится только во второй половине XVIII века благодаря реформам, осуществлённым французским балетмейстером Жан Жоржем Новерром. Основываясь на эстетике французских просветителей, он создал спектакли, в которых содержание раскрывается в драматически выразительных образах.

Дальнейшее развитие балета

Русский балет

В России первый балетный спектакль состоялся 8 февраля 1673 г. при дворе царя Алексея Михайловича в подмосковном селе Преображенское. Национальное своеобразие русского балета начало формироваться в начале XIX века благодаря деятельности французского балетмейстера Шарля-Луи Дидло. Дидло усиливает роль кордебалета, связь танца и пантомимы, утверждает приоритет женского танца. Настоящий переворот в балетной музыке произвёл Пётр Ильич Чайковский, который внёс в неё непрерывное симфоническое развитие, глубокое образное содержание, драматическую выразительность. Музыка его балетов «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик» обрела наряду с симфонической возможность раскрывать внутреннее течение действия, воплощать характеры героев в их взаимодействии, развитии, борьбе. Начало XX века ознаменовалось новаторскими поисками, стремлением преодолеть стереотипы, условности академического балета XIX века…

Танец модерн

 

Танец модерн — направление в танцевальном искусстве, появившееся в начале XX века как результат ухода от строгих норм балета, в пользу творческой свободы хореографов.

От балета отталкивался свободный танец, создателей которого интересовала не столько новая техника танца или хореография, сколько танец как особая философия, способная изменить жизнь. Это возникшее в начале XX века движение (родоначальницей пластического балета считается Айседора Дункан) служило истоком многих направлений современного танца и дало импульс реформе самого балета.

Изначально балетные термины были заимствованы из Италии, но уже в XVIII веке балетная лексика и названия танцевальных движений (различных pas, temps, sissonne, entrechat и т. д.) основывались на грамматике французского языка. Большинство терминов прямо обозначает конкретное действие, производимое при выполнении движения (вытягивать, сгибать, открывать, закрывать, скользить и т. п.), некоторые указывают на характер выполняемого движения (fondu — тающий, gargouillade — журчащий, gala — торжественный), другие — на танец, благодаря которому они возникли (pas бурре, pas вальса, pas польки). Существуют также термины, в название которых заложен некий визуальный образ (например, кошки — pas de chat, рыбки — pas de poisson, ножниц — pas de ciseaux). Особняком стоят такие термины, как entrechat royale (по легенде, авторство этого прыжка принадлежало Людовику XIV, в честь которого он и был назван «королевским») и sissonne, изобретение которого приписывается Франсуа де Руасси, графу Сиссонскому, жившему в XVII веке.

Балет как искусство

В своей эволюции балет всё больше приближается к спорту, теряя по дороге драматургическое значение роли, порой опережает в технике, но отстаёт в содержании.

В комплексном обучении профессионала — артиста необходимо знание музыкальной культуры, истории, литературы и сценарной драматургии. В то же время с семи лет дети проходят гимнастическую подготовку, потому как балеты прошлого, сохранившиеся до наших дней, технически усовершенствовались, а балет модерн на классической основе, например балет Форсайта, требует серьёзной физической подготовки, так балерина Сильви Гиллем начинала свой творческий путь именно с гимнастики.

Старинные балеты имели возвышенную эстетику, иногда ставились на античные сюжеты, например постановка Шарля Дидло «Зефир и Флора»

Михаил Фокин был великолепен в романтическом стиле

В XVIII — XIX веках артист мог быть одновременно актёром и танцовщиком, так как особого развития физических возможностей не требовалось.

 

В конце XIX века и в начале XX века театральные школы разделились, но в репертуаре многих театров одновременно были драмы, балетные дивертисментные отделения и оперетты. Так например, кроме постановок в Большом, Касьян Голейзовский ставил балетные спектакли в «Летучей мыши» и в «Мамонтовском театре миниатюр», среди которых была постановка «Les Tableaux vivants», означающая «ожившую картинку», так как Голейзовский в первую очередь был художником. Это явление развивается в современном балете, как «ожившая картина»[2], «ожившая фотография» и «ожившая скульптура»[3][4]. Для того, чтобы поставить, сначала нужно увидеть, нарисовать и слепить.

«Музыкально ожившие» картины родились из серии «заграничных» рисунков Виктора Гартмана, увиденных в 1874 году на выставке Модестом Мусоргским, который в память о друге написал для фортепиано знаменитую сюиту — серию музыкальных картин — «Картинки с выставки», изданную в 1886 году, в редакции Н. А. Римского-Корсакова и многократно оркестрованную.

Известный балетный номер «Баба Яга», поставленный Леонидом Якобсоном на оркестрованный музыкальный номер М. П. Мусоргского, стал неотъемлемым эстетическим нюансом всех концертных программ.

 

«Танцевально ожили» «Картинки с выставки» и в 1963 году, когда Ф. В. Лопухов поставил балет на сцене театра Станиславского.

Таким образом, живопись ожила сначала музыкально, затем пластически.

 

Оперетта

Оперетта – это музыкально театральный жанр. Само слово «оперетта» в переводе с итальянского языка означает «маленькая опера». Уже из перевода становится понятно, что от обычной оперы оперетта практически не отличается. Это такое же сочетание вокальной и инструментальной музыки и театрального представления. Оперетта носит легкий, развлекательный характер, она никогда не может быть трагедией, чаще всего оперетта - это пародия. Хоть в оперетте присутствуют арии, дуэты, сцены хора и сольные партии отдельных инструментов, исполняют они несложные партии, чаще всего танцевального или песенного характера.

Главное отличие оперетты от оперы – танец. Если в опере мы никогда не сможем увидеть танец, то в оперетте каждое действие обязательно должно заканчиваться танцем. Как правило, кордебалет (группа танцоров) показывает самый популярный танец своего времени, таким образом, можно сразу определить в какое время и в какой стране была написана оперетта. Еще одно отличие маленькой оперы от ее «старшей сестры» - все вокальные партии написаны в песенно- куплетном жанре. Это связано с развлекательным характером оперетты, куплетные песни гораздо легче воспринимаются слушателями.

Происхождение

Истоки оперетты уходят в глубь веков. Уже в экстатических античных мистериях в честь бога Диониса, которые считаются прообразом европейской драмы, можно выявить некоторые жанровые признаки оперетты: сочетание музыки с пантомимой, танцем, буффонадой, карнавалом и любовной интригой.

 

Заметное влияние на общую эволюцию оперетты оказала греческая комедия, в частности пародийные комедии нравов Аристофана и Менандра, а также римская комедия Плавта и Теренция; затем комедийные персонажи в средневековых моралите, мистериях и мираклях.

Вслед за возникновением серьёзной оперы около 1600 года появился такой новый музыкально-театральный жанр, как интермеццо. «Служанка-госпожа» (1733) Дж. Перголези — образец комической оперы, который послужил моделью для последующих произведений. Успех «Служанки-госпожи» в Париже и порождённые им споры побудил Ж. Ж. Руссо к развитию этого жанра на французской сцене. Его «Деревенский колдун» (1752) — один из трёх источников, лежащих в основе opé ra-comique, французской комической оперы. Двумя другими источниками были комедии-балеты Мольера и Ж. Б. Люлли и водевили, ставившиеся в народных ярмарочных театрах.

Французская оперетта

Официальным днем рождения оперетты считается 5 июля 1855. В этот день Жак Оффенбах открыл свой маленький театр «Буфф-Паризьен» в Париже, на Елисейских полях. В течение последующих двадцати лет он написал и поставил в театре 89 оперетт, среди которых:

«Орфей в аду» (1858)

«Женевьева Брабантская» (1859)

«Прекрасная Елена» (1864)

«Парижская жизнь» (1866)

«Великая герцогиня Герольштейнская» (1867)

«Перикола» (1868)

«Принцесса Трапезундская» (1869)

«Разбойники» (1869)

«Мадам Аршидюк» (1874)

Оффенбах был превосходный театральный композитор — динамичный, жизнерадостный, блестящий и элегантный. Хотя близкие к жанру оперетты постановки случались и до него (например, у Флоримона Эрве), но, по общему признанию, именно он создал оперетту как художественное целое и определил важнейшие признаки жанра.

Хотя среди последователей Оффенбаха во Франции были люди выдающихся дарований, их произведения пользовались меньшим успехом. Тем не менее отдельные французские оперетты стали классикой жанра. Среди них:

«Дочь мадам Анго» — Шарль Лекок, 1872

«Жирофле-Жирофля» — Шарль Лекок, 1874

«Маскотта» — Эдмон Одран, 1880

«Корневильские колокола» — Робер Планкетт, 1877

«Рип ван Винкль» — Робер Планкетт, 1882

«Мадемуазель Нитуш» — Флоримон Эрве, 1883

«Маленькие Мишу» — А. Мессаже, 1897

«Вероника» — А. Мессаже, 1897

Английская оперетта

Расцвет английской оперетты связан прежде всего и главным образом с 14 плодами сотрудничества У. Гильберта и А. Салливана. Сатирический талант Гильберта в сочетании с изяществом музыки Салливана породили такие популярные произведения, как:

«Суд присяжных» (1874)

«Фрегат ее величества „Пинафор“» (1878)

«Пираты Пензанса» (1880)

«Микадо» (1885)

«Гвардеец» (1888)

«Гондольеры» (1889)

За Гильбертом и Салливаном последовали Э. Джерман (1862—1936) с его «Весёлой Англией» (1902) и С. Джонс (1869—1914), автор «Гейши» (1896).

Венская оперетта

Иоганн Штраус

Венская классическая оперетта начинается с Иоганна Штрауса, чей дар к созданию проникновенных, благородных мелодий проявился в 479 произведениях.

 

Штраус впервые обратился к музыкально-театральному жанру в возрасте 46 лет (как говорят, по совету Оффенбаха), будучи уже всемирно известным композитором, автором бессмертных вальсов. После двух успешных, но не слишком выдающихся опытов («Индиго и сорок разбойников», 1871, и «Римский карнавал», 1873) Штраус создал настоящий шедевр, высочайшее достижение в жанре оперетты — «Летучую мышь» (1874). Оперетта была закончена в 42 дня и вскоре стала воплощением обаяния, веселья и радости жизни в «доброй старой Вене».

Среди остальных оперетт Штрауса наибольшим успехом пользовались «Веселая война» (1881), «Ночь в Венеции» (1883) и «Цыганский барон» (1885). После смерти Штрауса появилось несколько новых оперетт, музыка которых взята из его вальсов и малоизвестных постановок; среди них самой удачной стала «Венская кровь» (1899, компоновка и обработка Адольфа Мюллера [1]).

Другие венские оперетты XIX века

Франц фон Зуппе

Карл Миллёкер

Карл Целлер

Карл Цирер

 

Франц фон Зуппе начал писать оперетты даже раньше, чем Штраус (1860). В истории оперетты остались несколько его самобытных произведений романтического стиля:

«Прекрасная Галатея» (Die schö ne Galathee, 1865)

«Фатиница» (Fatinitza, 1876)

«Боккаччо» (Boccaccio, 1879)

«Донна Жуанита» (Donna Juanita, 1880)

Замечательны также инструментальные сочинения Зуппе. Особенно популярна увертюра к оперетте «Лёгкая кавалерия» (1866).

Другим классиком венской оперетты XIX века был великолепный мастер мелодии Карл Миллёкер. Лучшие из его оперетт:

«Диана» (Diana, 1867)

«Дюбарри» (Grä fin Dubarry, 1879; новая редакция: Die Dubarry, 1931)

«Нищий студент» (Der Bettelstudent, 1882)

«Гаспароне» (Gasparone, 1884)

«Вице-адмирал» (Der Vizeadmiral, 1886)

«Бедный Ионафан» (Der arme Jonathan, 1890)

 

Карл Целлер, последний из венских классиков XIX века, написал относительно немного оперетт, но две из них стали чрезвычайно популярны:

«Продавец птиц» (Der Vogelhä ndler, 1891)

«Мартин-рудокоп» (Der Obersteiger, 1894)

Кроме перечисленных классиков, в жанре венской оперетты работало немало композиторов меньшего таланта, из творчества которых в золотой фонд оперетты вошло только одно удачное произведение или даже один-единственный номер. В наши дни забыты оперетты хорвата Ивана Зайца (1832—1914), хорошо принятые в Вене и Загребе в 1860-е и 1870-е годы. Из оперетт Карла Михаэля Цирера (1843—1922) вспоминают в основном только «Бродягу» (Die Landstreicher, 1899), хотя одно время он считался достойным соперником Иоганна Штрауса-младшего. Творцом одной оперетты остался и Рихард Хойбергер (1850—1914), автор «Бала в опере» (Der Opernball, 1898). Прочно забыт Генрих Рейнхардт (Heinrich Reinhardt, 1865—1922), чьи оперетты охотно ставились на русской и других сценах в начале XX века («Милашка-красотка» и «Карлсбадская фея»). Однако лучшие номера из забытых оперетт продолжают исполняться. Сюда же стоит, наверно, отнести и берлинца Виктора Голлендера (1862—1940), автора вальса «Качели» («Тихо и плавно качаясь»), без которого не обходится ни одна российская постановка «Веселой вдовы».

Франц Легар

Оперетта начала XX века — это, конечно, прежде всего Франц Легар. В музыкальном отношении легаровское творчество — вершина жанра оперетты. По глубине, выразительности, мелодическому богатству Легар не имеет себе равных в оперетте; его произведения, особенно поздние, вполне сравнимы с лучшими образцами оперного искусства.

Основные шедевры Легара:

«Весёлая вдова» (1905) — одна из наиболее часто исполняемых оперетт во всем мире.

«Граф Люксембург» (1909)

«Цыганская любовь» (1910)

«Ева» (1911)

«Там, где жаворонок поёт» (1918)

«Голубая мазурка» (1920)

«Фраскита» (1922)

«Паганини» (1925)

«Царевич» (1926)

«Фридерика» (1928)

«Страна улыбок» (1929)

«Джудитта» (1934)

Имре Кальман

Музыка Имре Кальмана не имеет равных в оперетте по своей праздничности, «нарядности», отточенности мелодики и оркестровки. В то же время его считают виртуозным мастером «грустного лирического вальса», не свойственного Штраусу, но присутствующего в самых ранних опереттах Кальмана.

Лучшие оперетты Кальмана:

«Осенние манёвры» (1908)

«Цыган-премьер» (1912)

«Королева чардаша (Сильва)» (1915)

«Голландочка» (1920)

«Баядера» (1921)

«Марица» (1924)

«Принцесса цирка» (1926)

«Герцогиня из Чикаго» (1928)

«Фиалка Монмартра» (1930)

«Дьявольский наездник» (1932)

Другие немецкие оперетты XX века[править | править исходный текст]

Одновременно с Легаром в Австрии и Германии работало около двух десятков композиторов, чьи произведения можно отнести к венской оперетте. Некоторые из них внесли свой вклад в классику жанра.

Оскар Штраус

Лео Фалль

Эдуард Кюннеке

Пал Абрахам

 

Оскар Штраус (1870—1954)

«Грёзы вальса» (1907)

«Шоколадный солдатик» (1908, по пьесе Бернарда Шоу)

«Последний вальс» (1920)

 

Лео Фалль (1873—1925)

«Принцесса долларов» (1907)

«Мадам Помпадур» (1922)

«Роза Стамбула» (1916)

 

Эдуард Кюннеке (1885—1953)

«Кузен ниоткуда» (1921, иногда: Кузен из Батавии)

«Леди Гамильтон» (1926)

 

Пал Абрахам (1892—1960)

«Виктория и её гусар» (1930)

«Бал в Савойе» (1932), великолепный букет романтических мелодий: вальс, танго, фокстрот, пасодобль и другие.

Как и в XIX веке, многие композиторы остались в истории как авторы одной-двух удачных оперетт. Среди них:

Пауль Линке (Paul Lincke, 1866—1946)

«Фрау Луна» (Frau Luna, 1899); марш «Berliner Luft» из этой оперетты стал гимном Берлина

Эдмунд Эйслер (Edmund Eysler, 1874—1949)

«Золотых дел мастерица» (Die gold’ne Meisterin, 1927)

Вальтер Колло (Walter Kollo, 1878—1940)

«Однажды в мае» (Wie einst in Mai, 1913)

«Мариэтта» (Marietta, 1923)

Роберт Штольц (Robert Stolz, 1880—1975)

«Гостиница „Белая Лошадь“» (Im weiß en Rö ß l, 1930), совместно с Ральфом Бенацки (Ralph Benatzky, 1884—1957); многие номера из этой великолепной оперетты стали песенной классикой

«Два сердца в такт» (Zwei Herzen im Dreivierteltakt, 1933)

Виктор Якоби (1883—1921)

«Ярмарка невест» (Leá nyvá sá r, 1911)

Нико Досталь (Nico Dostal, (1895—1981)

«Кливия» (Clivia, 1933)

«Моника» (Monika, 1937)

Фред Раймонд (Fred Raymond, 1900—1954)

«Голубая маска» (Maske in Blau, 1937)

Национальные оперетты[править | править исходный текст]

Национальный подъём, наблюдавшийся во второй половине XIX века, особенно на окраинах Австро-Венгрии и Российской империи, затронул и оперетту — стали создаваться произведения на основе национального фольклора.

К венгерским национальным опереттам можно отнести «Там, где жаворонок поёт» Легара и «Графиня Марица» Кальмана. Замечательную венгерскую музыку написал Йенё Хуска, автор оперетты «Баронесса Лили» (Lili bá ró nő, 1919).

К категории национальных оперетт можно отнести и произведения итальянских композиторов начала XX века, хотя их музыка менее самобытна и смыкается с венской опереттой. Карло Ломбардо (Carlo Lombardo, 1869—1959, известен под псевдонимом «Leon Bard») написал «Герцогиню Фру-Фру из Табарина» (La duchessa del Bal Tabarin, 1917) и «Страну колокольчиков» (Il Paese dei campanelli, 1923). Несколько удачных оперетт есть у Джузеппе Пьетри (Giuseppe Pietri, 1886—1946). Во второй половине XX века в Италии пользовались успехом оперетты Марио Коста (Mario Costa, 1904—1995). Несколько оперетт написал Руджеро Леонкавалло.

 

В Испании надо отметить оперетты (сарсуэлы) каталонца Амадео Вивеса (Amadeo Vives, 1871—1932). Чешский композитор Оскар Недбал написал «славянскую оперетту» «Польская кровь» (1913) по сюжету повести А. С. Пушкина «Барышня-крестьянка».

Первые оперетты на всём Востоке написал в 70-х годах XIX века классик армянской музыки Тигран Чухаджян (1837 — 1898): «Ариф» (1872, сюжет навеян «Ревизором» Гоголя), «Кёса кёхва» («Плешивый староста», 1873), Леблебиджи («Продавец гороха», 1875, постановка на советской сцене — «Карине»).

Другой национальной опереттой Российской империи стала музыкальная комедия С. С. Гулак-Артемовского «Запорожец за Дунаем» (1863, на украинском языке). Официально она именовалась комической оперой, хотя и по стилистике, и по наличию обширных диалогов это типичная оперетта — красочно-лиричная, весёлая, основанная на украинской народной мелодике. Следующей стала азербайджанская музыкальная комедия «Аршин мал алан», Узеира Гаджибекова (1913). В 1919 году яркое национальное произведение появилось в Грузии — оперетта Виктора Долидзе «Кето и Котэ» (с 1924 года шла в Москве).

Оперетта в России

До XX века оригинальной русской оперетты практически не было. В это время отечественная сценическая музыкальная комедия в России развивалась в жанре водевиля, ее основным автором был драматург, музыкальные же номера (танцы и куплеты) носили прикладной, вставной характер, в отличие от оперетты, они не столько служили развитию действия, сколько иллюстрировали его.

Более редкую разновидность музыкальных спектаклей того времени составляли т. н. «мозаики», музыкальная партитура которых была собрана из популярных произведений — романсов и эстрадных песен («Русские романсы в лицах» и «Цыганские песни в лицах» Куликова; «Хаджи-Мурат» Деккер-Шенка; «Змейка» Шпачека; «Ночь любви» Валентинова и др.).

В 1859 году французская труппа в Михайловском театре впервые в России представила оперетту Оффенбаха (это был «Орфей в аду»). С 1865 года постановкой оперетт занимаются многие российские театры, включая императорский Александринский.[2] В оперетте выступали такие знаменитые актёры, как В. А. Лядова, К. А. Варламов, В. Н. Давыдов, П. А. Стрепетова, В. Ф. Комиссаржевская, К. С. Станиславский и другие.[2]

Особое место занимал цыганский музыкальный театр. В 1880-х и 1890-х годах цыганской труппой Николая Ивановича Шишкина было поставлено две оперетты, имевшие большой успех и потому показываемые в течение многих лет: «Дети лесов» и «Цыганская жизнь». Эта же труппа участвовала в опереттах «Цыганский барон» и «Цыганские песни в лицах» наряду с основными актёрами театров.

Российские композиторы на рубеже XIX—XX веков также иногда обращались к оперетте, но это были лишь единичные попытки. В целом национальная оперетта в России начала XX века находилась в зачаточном состоянии.

Советская оперетта, 1917—1945

Основоположниками советской оперетты считаются композиторы Н. Стрельников и И. Дунаевский.

Николай Михайлович Стрельников в разработке своих оперетт следовал в основном традициям венской школы — как в музыке, так и в сюжетных линиях, создавая своеобразные мелодрамы-буфф. Среди его оперетт:

«Холопка» (1929); самая известная его оперетта. Легко заметить, что по сюжетной линии и музыкальной структуре она близка к написанной тремя годами ранее «Принцессе цирка» Кальмана.

«Чайхана в горах» (1930).

 

Дунаевский, в отличие от Стрельникова, совершил революцию жанра. Взамен канонов венской школы он создал своеобразный национальный вариант американского мюзикла, ориентированный в музыке на массовую песню, а в либретто — на идеологические шаблоны того времени.

Его первые оперетты «И нашим, и вашим» (1924), «Карьера премьера» (1925) были близки к водевилю, следующая же, «Женихи» (1927), ознаменовала поворот к новой, советской опереточной стилистике. Она обладала ярко выраженной сатирической и пародийной направленностью, высмеивая традиционных для того времени отрицательных персонажей — нэпманов и обывателей, заодно пародируя неовенскую оперетту (в частности, «Веселую вдову» Легара). В оперетте «Ножи» (1928) сатирическая линия была дополнена лирической и изображением новых положительных героев.

Использование Дунаевским в оперетте массовой песни впоследствии стало одним из важнейших выразительных средств музыкальной драматургии советской оперетты. На этих принципах построены самые известные оперетты Дунаевского — «Золотая долина» (1937), «Вольный ветер» (1947), «Белая акация» (1955), «Сын клоуна». Многочисленные кинокомедии с музыкой Дунаевского были по существу киноопереттами и отличаются той же стилистикой.

 

Эмоциональность, юмор, зрелищность, прекрасная музыка сделала советскую оперетту одним из самых популярных жанров театрального искусства.

Серьёзным событием в истории жанра стало появление в 1937 году оригинальной и очень весёлой оперетты «Свадьба в Малиновке» Б. Александрова, посвящённой гражданской войне на Украине. Эта оперетта широко шла на советской сцене.

Во время Великой Отечественной войны в репертуаре советских театров оперетты появлялись произведения на патриотическую т


Поделиться с друзьями:

mylektsii.su - Мои Лекции - 2015-2024 год. (0.085 сек.)Все материалы представленные на сайте исключительно с целью ознакомления читателями и не преследуют коммерческих целей или нарушение авторских прав Пожаловаться на материал