Музыкальная культура Германии I половины 19 века (общественная деятельность Мендельсона, открытие в 1843 году консерватории).

Якоб Людвиг Феликс Мендельсон-Бартольди - немецкий композитор, дирижер и пианист. Одновременно с композиторской деятельностью началась и просветительская деятельность Мендельсона. В 1829 году под его управлением было исполнено в Берлине одно из монументальных произведений Баха " Страсти по Матфею", тогда забытое и не исполнявшееся в течение ста лет. Этим исполнением музыка Баха была вызвана к новой жизни, что сыграло важную роль в дальнейшей истории немецкого музыкального искусства. С 1835 года стал руководителем концертов " Гевандхауза" в Лейпциге. Благодаря руководству Мендельсона, который был замечательным дирижером, эти концерты приобрели особое значение в музыкальной жизни Германии и европейскую известность. Деятельность Мендельсона в Лейпциге была поразительна по своему размаху и интенсивности. В 1843 году он основал там первую в Германии консерваторию и привлек к работе в ней лучших немецких музыкантов, в том числе Шумана.

Мендельсон создал множество произведений, ставших этапными в истории музыкального романтизма. В музыке Мендельсона течет живая струя пленительной мелодии, коренящейся в немецкой народной песне и бытовой музыке. Именно со столь излюбленным в городах Германии домашним музицированием в значительной степени связана музыка Мендельсона, особенно " Песни без слов"; хотя они прямо предназначены для игры в интимном семейном кругу, их значение гораздо шире; лучшие из них являются замечательными образцами фортепьянной музыки, воплощающими различные образы - интимно-лирические, жанровые, пейзажные и т. д. Жанрово-пейзажные образы проникают и в крупные произведения Мендельсона - симфонии, увертюры, концерты (среди них знаменитый скрипичный концерт). Большое место в музыке Мендельсона занимают также образы светлой фантастики. Лирическая направленность творчества Мендельсона дала повод приписывать его произведениям элементы некоторой сентиментальности. Однако этой чертой характеризуется скорее творчество последователей Мендельсона, чем его собственное. Полное собрание сочинений Мендельсона издано в 1874-1876 годах в Лейпциге (36 томов).

ИНСТРУМЕНТАЛЬНЫЕ КОНЦЕРТЫ МОЦАРТА (КЛАВИРНЫЕ, СКРИПИЧНЫЕ, ФЛЕЙТОВЫЕ)

Хотя сыновья Баха, особенно Карл Филипп Эмануэль и Иоганн Кристиан, сыграли важную роль в развитии концерта во второй половине 18 в., на новую высоту подняли жанр не они, а Моцарт. В многочисленных концертах для скрипки, флейты, кларнета и других инструментов, а особенно в 23 клавирных концертах Моцарт, обладавший неистощимой фантазией, синтезировал элементы барочного сольного концерта с масштабностью и логичностью формы классической симфонии. В поздних фортепианных концертах Моцарта ритурнель превращается в экспозицию, содержащую ряд самостоятельных тематических идей, оркестр и солист взаимодействуют как равноправные партнеры, в сольной партии достигается небывалая ранее гармония между виртуозностью и выразительными задачами.

В клавирной музыке Моцарта отражены черты нового исполнительского стиля, связанного с переходом от клавесина к фортепьяно. Сочинения для клавира, главным образом концерты для фортепьяно с оркестром дают представление об исполнительском искусстве самого Моцарта с присущей ему блестящей виртуозностью и вместе с тем одухотворённостью, поэтичностью, проникновенностью, изяществом. Моцарта называли первым виртуозом своего времени. Надо учитывать, Моцарт имел дело с еще сравнительно несовершенным инструментом, еще не вполне одержавшим верх в соперничестве со старыми клавесином и клавикордами, отличавшимися отрывистым и слабым звуком. В пределах возможностей этого инструмента Моцарт стремился к максимальной певучести как исполнитель и как композитор.

Всё творчество Моцарта, в том числе концерты, можно поделить на несколько периодов. Некоторые исследователи говорят о " великом стилевом перевороте". Тут уже абсолютная строгость, новые формы - соединение контрапункта и свободного голосоведения, особо красочная гармония, таинственная глубина образов. Тогда же меняется характер орнаментики, мелизмов, которые в фортепианных концертах первого венского периода ещё не совсем оторвались от типа украшений 18 века. Она становится более весомой, приближается к Баховской.

Целостность, ясность, светоносность и красота сочетаются в музыке Моцарта с глубоким драматизмом. Возвышенное и обыденное, трагическое и комическое, величественное и грациозное, вечное и преходящее, общечеловеческое и индивидуально-неповторимое, национально-характерное предстают в сочинениях Моцарта в динамичном равновесии и единстве. В центре художественного мира Моцарта - человеческая личность, которую он раскрывает как лирик и одновременно как драматург, стремясь к художественному воссозданию объективной сущности человеческого характера.

Есть у Моцарта такие allegretto, трио - тонкие, лёгкие, воздушные, упоительно-прелестные, бесконечно поэтичные, в то же время с космизмом, ощущением вселенной. Эти образы показывают, насколько выше Моцарт играющего 18 века.

Начиная с 17 лет у Моцарта часто прорываются безумная скорбь, безграничное отчаяние, в последние же 5 лет скорбь делается устойчивым элементом его творчества. Грандиознейший фортепианный концерт c-moll (какая тональность!) - страдание, и не одного человека, а целого мира.

Концерт №20 d-moll написан через некоторое время после " Дон Жуана". Моцарт окончательно стал самим собой - в его музыке появились трагические ноты, сильные контрасты, диссонирующие звучности. В " Дон Жуане" и после него Моцарт - не просто молодой человек, умеющий радоваться жизни и принимать ее дары, но зрелый ум, размышляющий о жизни и смерти, о границах свободы и расплате за то, что " все позволено". Инструментальным отражением Дон Жуана был концерт для фортепиано ре минор. Здесь та же тональность ре минор, те же контрасты, та же жажда любви и та же светлая печаль. Это минорный Моцарт, который во многом не совпадает с мажорным; это Моцарт-поэт, притаившийся под маской Моцарта-актера - здесь меланхолический Моцарт играет самого себя…

В год смерти был написан концерт B-dur Мажор - и одновременно глубокая скорбь, безнадёжность, а в Largetto - как будто яркое солнце, всё неподвижно в сиянии, и чувствуется присутствие смерти. Кантилена, песня любви и страсти будто всплывает и тут же гаснет в отчаянии. Такой пессимизм характерен для последнего периода творчества Моцарта. Очень похожий всплеск ужаса и скорби в очаровательной кантилене в Романсе концерта d-moll.

Моцартовские фортепианные концерты можно сравнить по силе воздействия с симфониями Бетховена. Как и бетховенские симфонии, каждый концерт - особый мир с громадным содержанием, многоохватывающие поэмы массой эпизодов. Но от симфоний концерты отличаются своей объективностью: каждый из них - развёртывающаяся сама собой эпопея, в них действуют силы мира и жизни, игра сил - мрачных и светлых, таинственных и прелестных, бесконечное разнообразие моцартовских эпизодов. Кстати многотемность концертов Моцарта - одна из стилевых его особенностей и часто подчёркивается исследователями. Бетховен настолько ценил концерты Моцарта, что писал к ним каденции. Концерты первого венского периода - наименее оцененная по достоинству область, скрывающая широкие перспективы, но вот последние (C-dur, c-moll, A-dur, Es-dur, d-moll) - признанные колоссальные музыкальные памятники, и каждый из них - вершина творчества Моцарта.

ИНСТРУМЕНТАЛЬНЫЕ КОНЦЕРТЫ БЕТХОВЕНА (5 ДЛЯ Ф-НО, 1 СКР-Й)

Бетховен, который качественно изменил многие традиционные элементы жанра, явно рассматривал манеру и метод моцартовского концерта как идеал.

Бетховенский скрипичный концерт ре мажор (op. 61) начинается развернутым оркестровым вступлением, где основные идеи представлены в чеканной форме сонатной экспозиции. Начальная тема имеет маршеобразный вид, что типично для классического концерта, а у Бетховена данное качество подчеркнуто важной ролью литавр. Вторая и третья темы более лиричны и экспансивны, но в то же время сохраняют благородную изысканность, заданную первой темой. При вступлении солиста, однако, все изменяется. В результате неожиданного поворота на первый план выходят второстепенные мотивы оркестровой экспозиции, поданные в блестящей фактуре солирующего инструмента: каждый элемент переосмысливается и заостряется. Затем солист и оркестр соревнуются в развитии разных тем, а в репризе повторяют основной тематический материал как партнеры. Ближе к концу части оркестр замолкает, чтобы дать возможность солисту выступить с каденцией – протяженной импровизацией, цель которой продемонстрировать виртуозность и изобретательность солиста (в нынешнее время солисты обычно не импровизируют, а играют записанные каденции других авторов). Каденция по традиции заканчивается трелью, после которой следует оркестровое заключение. Бетховен, однако, заставляет скрипку напомнить лирическую вторую тему (она звучит на фоне спокойного оркестрового аккомпанемента) и после этого постепенно переходит к блестящему заключению. Вторая и третья части в концерте Бетховена связаны коротким пассажем, за которым следует каденция, причем подобная связка еще ярче оттеняет сильный образный контраст между частями. Медленная часть основана на торжественной, почти гимнической мелодии, которая дает достаточно возможностей для ее искусной лирической разработки в сольной партии. Финал концерта написан в форме рондо – это подвижная, «игровая» часть, в которой простая мелодия, своей «рубленой» ритмикой напоминающая о народных скрипичных наигрышах, перемежается с другими темами, хотя и контрастирующими с рефреном рондо, но сохраняющими общий танцевальный склад.