Обрядовые и театральные маски

Первоначальные формы грима возникли на основе «магической» раскраски тела и обрядовой маски. А это не что иное, как религиозное представление – тотемизм (буквально, его род) – это вера в родство между человеком (родом) и предметом (эмблемы деревянные или каменные), животными и растениями и анимизм (от латинского «анимус» – дух, душа) – это вера в бесплотные, нематериальные существа. Это начальные формы религии. Существуют памятники с изображением получеловека-полуживотного или человека с головой зверя, птицы и т.д.

В тотемических плясках использовались маски животных. Например, папуасская охотничья церемония – это целый спектакль. Готовилась сцена (вроде сцены) с занавесом. На празднествах давались представления о добре и зле. Все это существовало при родовом строе.

В более позднее время этим стали заниматься шаманы. Шаманизм – это своеобразная форма театра. Шаманы изгоняли злых духов с помощью маски и головного убора. Подобного рода театрализация есть и мистерия «иам» – это ряд пантомимических плясок, исполняемых монахами, ламами (лама – небесный, высший). Исполнители надевали огромные маски с искаженными, страшными гримасами человеческих лиц (по цвету буровато-коричневые).

В Индонезии на острове Бали и сейчас играется представление – «баронкекот» – это имя главного действующего лица мифического животного баронга. У баронго огромная голова (маска) чудовища. Эта голова может двигаться, раскрывать рот и щелкать нижней челюстью.

А на острове Ява шут надевал полумаску без нижней челюсти.

Позднее в Индонезии возник театра без масок – «театр человека и актера» (топенг – ванг). Он родился на базе обряда почитания предков (человек преображается в своего предка, топенг – лицо умершего).

Древнегреческий театр. В Древней Греции маски появились у жрецов, которые изображали богов. Сначала у них лица раскрашивались из винограда (делалось это в сельских обрядовых плясках) в честь бога Диониса, покровителя виноградарства и скотоводства. Позднее эти маски стали компонентом древнегреческого театра. Вначале маска имела магическое значение – человек считал, что характер маски переходит на ее носителя. Потому жрец, надевавший маску бога Диониса, как бы отождествлялся с этим богом. Но маска оставалась в театре еще, потому что она придавала лицу актера монументальность, объемность и т.д.

Трагическую маску изобрел Феспис. Он изготовил ее из деревянного футляра, который прикрывал всю голову в виде шлема. А Эсхил впервые раскрасил маску.

Позднее маски стали делать из загипсованного полотна. В полотне делались отверстия для глаз и рта. Были маски кожаные, из клееного папируса и деревянные, которые изнутри для прочности покрывались медью (а так же для резонанса).

Источником сведений о масках является каталог «Поллукса» (II в н.э.). «Поллукс» – это театр. В этом каталоге 44 мужских, 25 женских масок (8 трагических, 17 комических).

Трагические – с высоким лбом и искаженным страданием лицом.

Комические были уродливы (большой до ушей рот, приплюснутый нос и высокий лоб), были еще гротесковые, комические (фантастические) использовались в сельских праздниках.

В комедиях Аристофана использовались индивидуальные маски – вместо волос змеи, коровьи рога, лошадиная голова и т.д. – это карикатуры на общественных деятелей. Были и полумаски, которые закрывали часть лица.

Двуликие маски и трехликие маски актер на глазах у зрителя передвигал в нужную сторону, таким образом, преображаясь в того или иного героя.

В сатирической драме хор выступал в масках с козлиными бородами и рогами.

Наряду с масками внедрялся и театральный грим.

Древнеримский театр. Римский театр появился тоже из культовых обрядов народных празднеств. Религиозный обряд постепенно превратился в предмет забавы, а актер стал шутом. Римские актеры мало использовали маски, больше полумаски. И только в I в. до н.э. они стали их применять, чтобы усилить звучание голоса, так как увеличивались размеры театров. В римском театре маска окончательно стала предметом сцены, а не культовой принадлежностью. Только в представлениях ателаны (I в. до н.э.) сохранились четыре типовые маски – Макк, Буккон, Пап, Доссен.

Вскоре аристократы запретили ношение масок. Маски стали заменяться гримом и париками, что вошло в противоречие со стилем рисского спектакля, основанным на греческом театре. И позже маски были возвращены на сцену (62 г. до н.э.). Плавт в своих комедиях использовал маски обжоры простака, не чужд был и непристойностей.

Индийский театр. Индийский театр очень древний. Там же и истоки грима, масок, раскраски лица – первобытный строй. И по сей день там отдельные племена поклоняются своим тотемам: дикому гусю, ястребу, ящерице и т.д. – одна из форм народного театра Северной Индии.

Муз – танцевальная драма, персонажи – злые и добрые демоны, герои животные, враги и друзья героев. Главное все в красочных масках.

В индийских мистериях (мальборских) чтобы лицо превратить в маску без мимики, на лицо накладывают несколько слоев рисового клейстера, а после засыхания делают раскраску нужного типажа. А эти типажи – мифологические образы из индийского эпоса («Рамаяна» и «Макбахарата»). Типажи разделяются на группы:

I группа – герои и добрые, например, Рамаяна. Грим их состоит из:

1) пяти параллельных полос рисовой пасты от одного уха до другого,

2) тон общий лица зеленый,

3) глаза обведены красной краской (сурьмой). Белый тон выражает богатство и счастье.

II группа персонажей – отрицательные (Равана и Камса, Нарака и др.) – это враги богов. Грим:

1) общий тон зеленый, кроме скул, которые окрашиваются красным цветом,

2) полосы ведутся вокруг подбородка, на верхней губе и под глазами. Полос пять. На носу большая шишка.

III группа – типы лесных жителей – полузвери. Грим: жесткая борода белого или красного цвета (из конопляных волокон).

IV группа – демоны женского пола. Грим – черный цвет общего тона, изо рта торчат белые клыки.

V группа – отшельники, святые мудрецы, богини, царицы. Грим: накладывают рисовую пасту на лицо, затем надевают конопляные длинные бороды.

Существует много легенд о возникновении театра в Индии. Одна из них гласит, что бог Брахма, исполняя просьбу бога Индры, создал священную книгу драматургии «Натья-Шастра» – «Трактат об искусстве актера», где были изложены данные о гриме и костюме, даны цвета головных уборов, формы украшений, позы движения, приемы актерской игры. Приемы индийского театра разделяются на реалистические (Лохадхарми) и условные (Натьядхарма).

Народные театры шли в пышных декорациях и костюмах, с большим количеством бутафории. Обязательна музыка. А перед спектаклем совершалась религиозная церемония, которая должна была обеспечить успех актерам. После молитвы руководитель труппы рассказывал зрителям об авторе спектакля, о времени и месте действия. Актеры должны были в совершенстве владеть искусством танца, жеста, языка, грима. Они должны были быть образованными в истории, мифологии. Все детали костюма и грима были канонизированы. Исполнители божеств накладывали грим, где преобладал оранжевый тон. Актер, изображавший солнце или бога Брахму использовал золотые краски. А исполнитель Ганга и Гималаев использовал белый цвет. Исполнители же ролей демонов и карликов надевали на лицо маски, а на голову рога оленя, барана, буйвола. Богу Нага (бог змей) на парике делали хохолок, как у кобры. В гриме представителей высшей касты – брахманов и кшатриев (воинов) преобладал красный цвет, у шундр (слуг) тон темно-синий. Исполнители царей покрывали лицо нежно-розовой краской. Тон у добрых людей накладывался темно-коричневый. Мудрецы и отшельники накладывали лиловый тон и у них была большая борода. Монахи были с бритыми бородами. С актерами обязательно работал гример, хорошо знавший сюжет, характер персонажа, его касту, к которой он принадлежал.

Символом индийского театра стал театр Катхакали. Катхакали – это пантомимическая драма с танцами и пением. Для нее характерен сложный язык жестов, виртуозность движений, красочность костюмов и грима. Грим здесь происходит от масок демонов богов, характерных для древнего индийского театра. С помощью красок и масок лица актеров превращались в маску без мимики. Очень сложен сам процесс гримирования актеров этого театра, Гримирование начиналось с раннего утра. Гример растирал краски, разводил их маслом, перемешивал, разливал по баночкам и оставлял до вечера. За несколько часов до вечера актер в белой набедренной повязке ложился на землю (специальное место), ему делали массаж лица, тела. Лицо его размечали черным карандашом. Гример покрывал нижнюю часть лица толстым слоем клейкой рисовой пастой от одной скулы до другой. После затвердения этого слоя наносился еще один слой, пока не образовывался серебристый ободок. После полного подсыхания лицо окаймляли белой полосой, зеленой, черной или красной.

Зеленый цвет – это цвет счастья. Он сопутствовал богам и царям.

Актер во время многочасового гримирования не мог раскрыть рот, шевельнуть щекой иначе нанесенная рисовая маска треснет.

Актеры, исполнявшие женские роли, красили лицо желтой краской и на нее наклеивали блестки слюды, сильно подкрашивали брови и глаза. А перед самым выходом на сцену этим актерам пускали в глаза сок цветка, от которого глаза краснели и становились выразительными.

В гриме отрицательных персонажей преобладал символический рисунок. Например, на кончике носа и на лбу делали белые круглые шишки по форме гриба. А из углов рта торчали два клыка (белые), над бровями рисовали синие и красные дугообразные полосы. На голову надевали огромный лохматый парик и головной убор 80 см высотой (тиара), напоминающий храм в миниатюре. На пальцы надевали длинные серебряные когти.

Демонов раскрашивали черными красками от ноздрей вверх, от верхней губы к глазам наносились белые полосы. Губы красили в черный цвет. На подбородок прикрепляли бороду красного цвета.

Красками служили растительные вещества из листьев, цветков, их растирали и смешивали с маслом и красителями. Иногда использовалась рисовая пудра в чистом виде (богини, царицы, святые и мудрецы). Кроме лица гримировались ладони рук и стопы ног. Отшельникам гримировали верхнюю часть тела полосами из пепла сажи. Все бороды были огромными (из конопли, кукурузы, стеблей риса). Из этих же самых растений состояли и парики, кроме того, они могли быть натуральными и из волокон растений.

Большой вклад в развитие индийского театра внес Рабиндранат Тагор – писатель, поэт, актер, режиссер, ученый.

Китайский грим. По древним памятникам письменности нам известно, что еще в II тысячелетии до н.э. существовали песенно-плясовые представления. Во время моления духам представления исполняли жрецы – шаманы. В VIII – V вв. до н.э. певцы и танцоры уже были при дворах императоров. Возникновение классического китайского театра считается VIII в. н.э.

Каждая роль в китайском театре выдержана в строгих традициях: особые жесты, походка, мимика, грим, костюм (до мельчайших подробностей). Полное отсутствие женщин в качестве исполнителей ролей.

Раскраска грима, условное изображение характеров с определенным психологическим ходом. В гриме присутствовала символика.

В китайском театре насчитывалось около 70 основных типов раскрашивания лица актера. Главное здесь раскраска лица (симметрия и ассиметрия): симметрия – для положительных типов, ассиметрия – для отрицательных. Для ролей положительных (мужские, женские, комические роли) характерен слабый грим, где присутствуют однотонные краски. Для «чоу» (комические) – обязательна бабочка на носу; для «мо» (второстепенные роли) и «цзин» (военные) – сложное сочетание красок – черный, белый, красный цвет, дополнительно – золотой, серебряный, фиолетовый, зеленый, желтый, красный.

Это психологический комплекс: белый и красный – положительная характеристика, но как только к ним добавлялись черные тона к белому, например, а к красному – белый, то образ становится отрицательным.

Для каждого героя китайской истории характерна своя раскраска грима.

Общий тон для женских ролей – белила. Щеки и веки сильно нарумянены, губы раскрашены. Глаза и брови подведены черной краской.

В древнем китайском театре существовали парики, бороды, брови делались из хвостов тибетских яков. Они были пяти цветов: белая борода – честность, черная – неподкупность. Белая и черная так же передавали возраст.

Краски были безвредны, разводились на воде, а чтобы блестели, добавляли растительное масло. Общий тон (белый или черный) был жидкий, накладывали пальцами и ладонями. Для разрисовки и подводки применяли заостренные палочки и кисточки.

Грим смывали горячей водой с мылом. В каждом театре существовал и существует свой канон грима, свои рецепты гримирования, рисунка, технология изготовления масок, париков и бород. Это хранилось в специальной книге в тайне и строго охранялось.

Японский театр Но и Кабуки. Театр «но» – это театр самураев (дворянство). Он сформировался во второй половине XIV в. Его каноны черпались из культовых обрядов, легенд, героических сказаний, романов, основанных на буддизме. Все родилось из храмовых представлений. Декорации условные, бутафория скромна, мало актеров.

Ведущий актер выступал в маске. Маски были постоянными. У каждого персонажа своя маска (их было 250). Остальные актеры играли без грима и масок. Маски были: мальчиков, юношей, учеников, жрецов, мужские, женские, злых духов, призраков, стариков, старух, демонов, полуживотных, богов, героев, обезьян, птиц, змей, лягушек, лисиц и др.

В фарсах лисица выступает как главный персонаж и как священное животное.

Женщинам в этом театре в древности доступ был запрещен, даже за кулисы. Строжайше было запрещено дотрагиваться до костюмов и масок. Запрещалось это и посторонним. Голыми руками дотрагиваться до маски можно было только через бумагу (как чистый материал). Маски крепятся с помощью двух шнурков с двух сторон и завязываются на затылке. Под маску прокладывают небольшие ватные подушечки. Выражение маски «меняется» от светового освещения.

В театре используют и парики: для стариков – белого цвета, для красавиц – черного, для благородных дам – парики гладкой прически с пробором, сзади волосяные пряди завязывали шнурком, для демонов – парики из длинных красных нитей. Они покрывают спину и даже волочатся, для духов и привидений – длинные черные парики, божества и существа чрезвычайной силы и мужества – длинные парики белого цвета.

Представления в театре Но и по сей день устраиваются по знаменательным событиям. Ранее считалось посещение спектаклей этого театра большой честью.

Театр Кабуки зародился в середине 16 века. В древние времена в Японии был обычай у женщин накладывать толстый слой грима. «Для чего ты на щеки румяна и черной краской покрасила зубы. Для того чтобы показать свою преданность любимому» (отрывок из древней пьесы).

Грим в этом театре маскообразный и символический. Герой наносил общий белый тон с красными линиями. Злодей наносил синий или коричневые линии. Грим в этом театре наносился актерами прямо на сцене по ходу действия. При тусклом свете все эти линии при малейшем освещении оживали и двигались как жилы, а сейчас при электричестве все это утрачено, но традиции бережно сохраняются.

Один из главных приемов гримирования – подтягивание наружного края век. Морщины на лбу разглаживали подтягиванием кожи во все стороны у наружного края глаз. Затем на голову надевали шапочку, а к ней крепили парик. Лицо покрывали свинцовыми красками. Грим маскообразный с применением париков и бород, характерных причесок – яра-атима (обратный лоб).

Власти всегда стремились лишить привлекательности актеров-исполнителей и заставляли лбы брить. Актеры прибегли к хитрости – одевали на лоб шарфы, маленькие парчовые шапочки, шелковые повязки, которые издали казались волосами. И лишь позднее стали применять парики, которые отличаются громоздкостью и длиной волос.

Грим в Кабуки разработан по амплуа. Существует система символики цвета и маски. Положительные герои накладывали белый общий тон, отрицательные – красный общий тон с синими полосами. Самым распространенным методом нанесения красок считается метод кумадори. Это резкие линии разные по цвету, форме, рисунку. Они усиливают естественные линии на лице. Здесь явно сказывается влияние китайского театра с их масками демонов, духов и символической направленностью.

Основные цвета – красный, синий, черный, дополнительные – лиловый, коричневый, золотой. Иногда линии кумадори наносят на руки и ноги актера.

Существует древний обычай – дарить зрителям отпечаток маски кумадори на тонкий прозрачной бумаге или материи.

Актеры, исполняющие женские роли полностью покрывают лицо белой краской, а также руки, спину, шею. На голову надевают повязку. Красные линии на лице означают доброту, справедливость, силу чувств. Алые и черные – чары колдовства, божественное происхождение. Сини линии обозначают страх, неуверенность в себе, фантастичность и сверхъестественность.

Актеры гримируют себя часами. Это очень сложный и длительный процесс. После облачения в костюм актеры надевают парики – это медные обручи по объему головы, обклеенные шелком. К остову прикрепляются волосяные пряди. В париках используются как натуральные волосы, так и растительные нити, а так же шел и шерсть животных. В театре Кабуки имеется несколько сот видов париков, которые делятся на мужские и женские. Женские роли в театре исполняются молодыми актерами. Актер этого театра должен иметь хорошую подготовку в различных видах театрального искусства и готовить себя к театру с детства.

Итальянский театр дель-арте и его грим. Этот театр возник в середине 50-х годов 16 века. Это веселое зрелище.

Маски зародились в народных карнавалах. Маски делались из картона, кожи или клеенки. Лицо закрывали полностью или частично. Маски в основном носили комические персонажи. Помимо масок были амплуа, когда полагалось вместо маски обсыпать лицо мукой, рисовать углем бороду, усы и брови. Часто вместо маски приклеивали нос с огромными очками. Актеры, игравшие влюбленных, масок не носили. Маска – это тип социальный. Актер играл всю жизнь одну маску (типаж). Насчитывалось 100 масок. Северный вариант – Панталоне, Доктор, Бригелла и Арлекин. Южный вариант – Ковелло, Пульчинелла, Тарталья и Капитан.

Три группы масок:

1) маски слуг (дзанни),

2) маски господ (буффонная группа): Панталоне, Доктор, Капитан, Тарталья, Монах,

3) грим влюбленных (без масок)

На севере главные две маски дзанни Бригелла и Арлекин, на юге – Пульчинелла – он носил полумаску с большим крючковатым носом; Доктор – черная маска, покрывавшая только лоб и нос, щеки нарумянены. Первоначально эти маски подражали античным с открытым ртом (дыра). Затем маски стали полумасками, и рот оставался открытым.

Французский театр. Французский классицизм повлиял на развитие всего европейского театра. Строгий канон – голос, мимика, жест, «облагороженная природа». Исполнители подражали светским манерам. Театру во Франции присуще патетика, поэтичность, пластичность, выразительность. Актеры носили парики и костюмы французских аристократов, и римские стилистические одежды. Грим – беление, припудривание, чрезмерное подведение глаз, бровей, губ (как в Древнем Египте).

Во времена Французской революции все поменялось Актер Г. Пальма (пьесы Мольера, Шекспира) впервые появился перед публикой с голыми руками и не напудренными волосами. Играя Брута, он постриг волосы (как на бюсте). Г. Пальма впервые использовал грим для усиления характера образа. Он автор портретных гримов.

Жирный грим впервые использовал актер Лейпцигского театра (середина 18 века).

Театр и грим в России. Старейшим «театром» в России являются игрища лицедеев-скоморохов. Несмотря на запреты, скоморошество росло.

Расцвет был в 16-17 вв. скоморошьи потехи происходили даже в Александровской слободе, где по приказу царя Алексея Михайловича исполнялся ритуал монастырской жизни, а во время пиров придворные рядилсь в маски и плясали вместе со скоморохами.

Затем был период, когда скоморохи показывали свои представления в Потешном чулане в Потешной палате. Скоморохов стали звать актерами. При Петре I (нач. 17 в.) выступления скоморохов заменили на маскарадные представления-шествия (40 тыс. человек). Маскарадные фигуры: Бахус, Нептун, Сатир и т.д.

В 18 веке бытовали всевозможные театры: придворный, школьный и т.д.

В середине 18 века был создан профессиональный театр с участием самородка Федора Волкова. Именно при нем и зародился профессиональный грим. Большую роль в формировании профессиональной школы грима сыграли актеры Малого театра А.П. Ленский и П.А. Лебединский. Они изучили грим прошлого и обосновали его теорию. Их труды были первыми в России учебниками по гриму (учебник П.А. Лебединского «Грим»).

Первый жирный грим в России (сер. 19 века) стал делать гример Малого театра К. Шиловский-Лошивский.

А.П. Ленский говорил, что у актера должна быть своя манера гримировки с учетом особенности лица, он предостерегал от шаблона в гриме. Он был очевидцем того, как гримировался В.В. Самойлов. Простой жженой пробкой он делал себе характерный грим. Он играл Растаковского в «Ревизоре». И даже не накладывал серовато-желтоватый тон (характерный для стариков). Пудра, пробка и больше ничего! Он говорил: «Молодость и старость, батенька, не в коже, а в глазах».

Развитие грима связано с историей МХАТа. Здесь достигались великолепные гримы своих персонажей. Станиславский играл Обновленского в спектакле «Рубль» А.Ф. Федотова. Парикмахер в спешке приклеил ему один ус чуть выше второго. От этого выражение лица приобрело плутоватость, что стало изюминкой роли. Затем Станиславский нарисовал и одну бровь выше другой. И герой его получился выраженный мошенник.

Каждый новый период работы над спектаклем в художественном театре характерен поиском новых методов в работе над внешним оформлением образа. Благодаря МХАТу к гриму стали относиться как к одному из ванных компонентов сценического образа. Именно в этом театре родилось понятие «стиль грима». Художники-гримеры совместно с художниками-постановщиками, режиссерами, актерами кропотливо изучили произведения искусства, костюмы разных эпох, делали зарисовки, эскизы гримов. Огромную роль в повышении роли грима сыграли гримеры Гремиславские – гримеры МХАТа. Грим менялся и меняется вместе с формами самого театрального искусства и других искусств – живописи и драматургии. Так спектакли, решенные в манере кубизма, футуризма, экспрессионизма, конструктивизма, требовали новых форм грима. Это проявилось в постановке режиссеров В.Э. Мейерхольда (1874-1940), А.Я. Таирова (1885-1950), Е.Б. Вахтангова (1863-1922), который привел к объединению всего внешнего сценического пространства (грим, костюм) с художественным оформлением спектакля. Теперь грим и костюм стали составлять единое композиционное целое. Е.Б. Вахтангов был против перенесения на сцену натуралистической правды. Он был за праздничную атмосферу на сцене. Это ярко проявилось в его постановке сказки К. Гоцци «Принцесса Турандот». Спектакль был решен красочно, в манере театра импровизации дель-арте. Таким же был и грим.

Для париков, бород использовались тесьма, ленты, мочало, шарфы и другие повседневные вещи. Все это подчеркивало не только фантазию, но и тонкую иронию.

Большой вклад в развитие гримировального искусства внес великий певец Федор Шаляпин. Он обладал великим даром художника, скульптора и применял это в работе над образами.