Вторая главная идея Авангарда II – открытие «нового звука». 7 страница

Додекафония (от греч. «додека» − «двенадцать» и «фоне» − «звук») указывает на то, что в основе музыкального произведения лежит последовательность из двенадцати звуков. Такая последовательность называется серия (отсюда второе название метода − серийная техника).

Создавая серию, композитор должен выполнить основные следующие условия:

1. Звуки в серии не могут повторяться. Это индивидуальная последовательность двенадцати различных звуков, охватывающая все ступени хроматического звукоряда.

2. Основная серия имеет три модификации: а) инверсию, в которой все интервалы основной серии строятся в противоположном направлении; б) ракоход, в котором звуки основной серии проходят в обратной последовательности − от конца к началу; в) ракоход инверсии, в котором звуки инверсии проходят в обратной последовательности.

3. Основная серия и ее три модификации строятся от всех звуков хроматической гаммы. В результате возникает так называемый квадрат − 48 родственных серий, из которых 47 являются вариантами основной формы.

4. Квадрат, полностью или частично используемый, является строительным материалом для мелодики произведения (при горизонтальном расположении серии или ее отрезков) или для его гармонии (при вертикальном расположении отрезков серии). Возможно смешанное расположение серий, часть отрезков которых расположена горизонтально, часть − вертикально. Возможно и одновременное прохождение разных отрезков одной серии, а также разных серий одного квадрата.

5. Каждая избранная серия квадрата должна проводиться точно, ни один ее звук не может повториться раньше, чем прошли все остальные.

Такой рациональный способ творчества не мешает, однако, додекафонным произведениям нести в себе страстную эмоциональность и пронзительную яркость звуковых красок, свойственные экспрессионизму. Более того, додекафония позволила найти новые мелодические и гармонические нюансы, способные передавать сложнейшие состояния психики человека, неосознанные предчувствия и неясные ошушения. Основные принципы додекафонной системы сформировались в творчестве Арнольда Шёнберга (сам Шёнберг называл свой метод «композицией на основе двенадцати соотнесенных лишь между собой тонов»). Важную роль в развитии метода сыграли также Альбан Берг и Антон Веберн.

Дягилев Сергей Павлович (1872-1929) – выдающийся деятель русского и западно-европейского театра, блестящий организатор, первый балетный импресарио 20 века, который прославил русское искусство за рубежом. После окончания пермской гимназии Дягилев в 1890 г. приехал в Петербург и поступил на юридический факультет университета, параллельно учился в Петербургской консерватории. В 1898 г. Дягилев основывает и более пяти лет возглавляет периодическое издание «Мир искусства» − один из первых художественных журналов в России. Страстно интересуясь театром, в 1899 г. Дягилев становится чиновником особых поручений при директоре казенных театров. Пытается провести кардинальные реформы, чтобы вывести казенные театры из рутины, но оказывается в «опале» и его увольняют со службы. В 1900 г., отвечая давно назревшей потребности молодых русских художников к объединению, Дягилев организует творческое содружество «Мир искусства». Это объединение, его выставки и журнал сыграли заметную роль на определенном историческом этапе развития русского искусства. В 1906 г. начинается многолетняя дягилевская эпопея пропаганды русского искусства за рубежом. Чтобы осуществить свои замыслы, Дягилеву требовались огромные средства. У него не было никаких, и он добывал их, где только мог: прибегал к помощи состоятельных меценатов, свои личные средства он также тратил на новые постановки. В 1908 г. Дягилев подготовил и привез в Париж совершенно новую постановку «Бориса Годунова» Мусоргского с участием Ф. И. Шаляпина. В 1909 г. Дягилев показал в Париже балетные спектакли. С этого времени длится серия так называемых «Русских сезонов», в течение которых Дягилеву удается осуществить около восьмидесяти оригинальных постановок балетных и оперных спектаклей. С началом Первой мировой войны он навсегда покинул Россию, создал за границей постоянно действующую труппу «Русский балет» Сергея Дягилева, которая просуществовала до 1929 г. При этом Дягилев широко ознакомил театральный мир Запада с русской музыкой. Он всегда был чуток ко всему новому. К тому же, у него был «нюх» на таланты. «Удиви меня», − говорил он постановщикам, когда затевал новые проекты. Именно Дягилев привел в балет лучших художников эпохи. Он побудил И. Стравинского, С. Прокофьева, К. Дебюсси, М. Равеля, Ф. Пуленка, М.де Фалья писать балетную музыку, и созданные ими произведения обогатили музыкальное наследие и мировой балетный репертуар. В спектаклях, показанных Дягилевым, в полную силу развернулись дарования М. М. Фокина, А. П. Павловой, Т. П. Карсавиной, Вацлава и Брониславы Нижинских. Дягилев познакомил Запад с театрально-декорационным искусством русских художников − Л. С. Бакста, А. Н. Бенуа, А. Я. Головина, К. Рериха и др. Русское искусство, столь блистательно представленное Дягилевым за рубежом, оказало значительное влияние на культуру Запада в целом. Память о России не покидала Дягилева, и он надеялся, что все найденное им вернется на родину. Однако осуществить это ему было не суждено: в 1929 г. он скончался в Венеции от заражения крови. Будучи человеком крайне суеверным, он боялся морских путешествий. Умер Дягилев в Венеции − на воде, как ему в юности предсказала цыганка. После его смерти труппа распалась, а ее репертуар сохранился лишь благодаря усилиям танцовщиков и хореографов его труппы. Хотя сам Дягилев не был «художником», его смело можно назвать одним из «отцов» балета 20 века.

Импрессионизм. Течение импрессионизма возникло в 70-х гг. 19 вeка во французской живописи. Первоначально импрессионизм представляла группа художников: Клод Моне, Эдуар Мане, Огюст Ренуар, Камиль Писсаро, Эдгар Дега, Альфред Сислей и др. Эти мастера работали независимо друг от друга, но встречаясь время от времени, они пришли к общности творческих идей и к сходству средств, служащих их воплощению. В результате между 1874 и 1886 гг. было организовано 8 совместных выставок, познакомивших любителей и знатоков живописи с новым искусством − искусством импрессионистов. Встреченные вначале враждебно и скептически публикой и частью критики, художники постепенно завоевали признание. Слово «импрессионисты» (от названия картины Клода Моне «Впечатление. Восход солнца», по французски impression − впечатление), данное в насмешку недоброжелателями, стало общераспространенным термином, утратив иронический оттенок. Эти художники стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолетные впечатления, они внесли в искусство свежесть и непосредственность восприятия жизни, изображение мгновенных, как бы случайных движений и ситуаций. Выход из мастерской на открытый воздух и наблюдение за действием солнечного света в природе навели их на мысль, что верное воспроизведение действительности художником может основываться только на представлении того, что он в ней видит, а не то, что о ней знает. Иначе говоря, живописец должен уловить и передать в произведении облик природы, возникающий только на основе впечатления, в его чувственных наблюдениях. Действительность у импрессионистов − лишь документ минуты. Суть этой эстетики очень метко выразил Э.Мане: «Не создается пейзаж, марина, лицо: создается впечатление от времени дня, пейзажа, марины, лица». На новую технику живописи навела импрессионистов игра света на воде. Из наблюдаемого ими разложения и соединения красок на дрожащей поверхности воды родилась идея класть на полотно краски одну к другой, не смешанными предварительно на палитре, и только тех цветов, какие имеются в солнечном спектре.

Импрессионизм в музыке ярче всего представлен а творчестве французских композиторов К.Дебюсси и М. Равеля.

Канчели Гиви Александрович (род.1935) − грузинский композитор. Окончил Тбилисскую консерваторию (1958-1963). Творческая жизнь Канчели началась с песен и музыки к театральным спектаклям и кинофильмам, настоящую популярность ему принесла музыка к фильмам режиссера Г. Данелия («Мимино», «Кин-дза-дза»). Будучи зрелым композитором, Канчели обратился к симфоническому жанру (им было написано 7 симфоний). В начале 90-х годов Гия Канчели покинул родную Грузию, и последнее десятилетие живет в Западной Европе, где написал около 20 симфонических и камерных сочинений. Его перу принадлежат опера «Музыка для живых», «Светлая печаль» для хора с оркестром, Литургия для большого симфонического оркестра и солирующего альта «Оплаканные ветром», камерная музыка. Гия Канчели − народный артист Советского Союза, лауреат Государственной премии СССР и лауреат Государственной премии Грузии, лауреат премии имени Шота Руставели. Он награжден призом киноакадемии «НИКА» за киномузыку, он − лауреат театральной премии «Чайка» и премии «Триумф».

Лигети Дьердь (род. 1923) − венгерский композитор. В раннем творчестве следовал традициям Бартока и Кодаи. С 1956 г. эмигрировал в Австрию. Представитель авангардизма. Мировую известность Лигети принесла пьеса «Атмосферы», написанная в технике сонористики. В сочинениях 1980-х гг. Лигети близок неоромантизму. Сценические произведения написаны в духе «театра абсурда», к примеру опера «Великий мертвец» (1997). Известны его произведения для хора – «Реквием» (1965), для оркестра «Явления» (1959), «Атмосферы» (1961), «Далекое» (1967).

Лютославский Витольд (1913-1994) − польский композитор. Родился и прожил всю жизнь в Варшаве. Отец композитора был расстрелян в Москве в 1918 г. по приказу Дзержинского, мать одна воспитывала троих детей, и из-за отсутствия материальных средств его занятия музыкой носили нерегулярный характер. Но все же в 1932 г. он стал студентом Варшавской консерватории по классу композиции. В конце 30-х гг. состоялись первые композиторские дебюты. В годы войны после службы в армии, Лютославский выступал в артистических кафе оккупированной Варшавы, в 1941 г. появился известный парафраз «Вариации на тему Паганини». В 50-е гг. Лютославский тяготеет к фольклорному направлению и неоклассицизму, затем кратковременно увлекается додекафонией, но концу 50-х гг. сложатся его уникальный стиль. Он отличался жестко избирательной позицией к новым приемам композиционной техники. Новый этап эволюции Лютославского начался с «Венецианских игр» для камерного оркестра (1961), где он впервые испытал новый метод «ограниченной алеаторики». Однако композитор всегда оставался на фундаменте европейских музыкальных традиций, но новаторски преломленных (Вторая симфония, «Книга для оркестра», Виолончельный концерт). В последний период творчества (80- нач.90-х гг.) Лютославский продолжает работать в области симфонической формы: с одной стороны, заметно его стремление к развитию находок 60-х г.(Двойной концерт, «Цепи1-3») с другой − поиски свежих контактов с классическими традициями (Партита, Фортепианный концерт, Третья и Четвертые симфонии). Все произведения Лютославского записаны на диски лучшими фирмами грамзаписи, он получил все самые престижные премии, звания и награды, а его последнее сочинение − Четвертая симфония (1992) − была признана в 1993 г. лучшим произведением в мире.

Малер Густав (1860-1911) − австрийский композитор, дирижер, оперный режиссер. Ребенком Малер проявил незаурядную музыкальную одаренность и учился у местных преподавателей. Затем отец отвез его в Вену. В возрасте 15 лет он поступил в Венскую консерваторию, попутно с шестнадцатилетнего возраста посещал лекции на философском факультете Венского университета. Начал карьеру как дирижер и композитор. В 1880-85гг. Малер работал оперным дирижером в провинциальных театрах разных городов. Работая в Кассeле, Малер сочинил вокальный цикл «Песни странствующего подмастерья» на собственные слова (музыкальный материал этих песен несколько лет спустя вошел в Первую симфонию). В этом его первом шедевре нашла отражение несчастная любовь к одной из певиц. В 1885 г. Малер был назначен вторым дирижером Городского театра Лейпцига, музыкального центра Германии. Через два года он принял на себя руководство театром. В 1888 г. Малер получил назначение на более почетную должность музыкального директора будапештской Королевской оперы, в 1891 г. он в очередной раз сменил место работы, став первым дирижером Городского театра в Гамбурге. В Гамбурге он прожил до 1897 г., там он закончил оркестровую редакцию вокального цикла с оркестром «Волшебный рог мальчика», Вторую и Третью симфонии. Имя Малера − теперь уже не только дирижера, но и композитора, − приобрело европейскую известность, перед ним открылась перспектива возглавить Венскую Придворную оперу. Десятилетие работы Малера в Вене (1897-1907) стало эпохой расцвета Придворной оперы. Он был выдающимся интерпретатором опер Вагнера, Моцарта, Бетховена, первым поставил в Вене оперы Чайковского, Сметаны. Выступал как симфонический дирижёр, гастролировал в Голландии, России (1897, 1902, 1907). В венский период были написаны симфонии с Пятой по Восьмую и трагический вокальный цикл «Песни об умерших детях» на слова немецкого поэта-романтика Ф. Рюккерта (1904). Этим произведением Малер словно предугадал трагическое событие собственной жизни: в 1907 г. его старшая дочь умерла от скарлатины. В Вене Малер был окружен молодыми композиторами «радикального» направления − такими, как А. Шенберг, А. Берг, А. фон Веберн. Он всячески поощрял и поддерживал их творчество. Что касается стремления Малера сделать собственную музыку достоянием широкой публики, то оно вызывало активное противодействие части венской музыкальной элиты. В 1907 г. под давлением аристократической оппозиции Малер ушёл из Придворной оперы. С 1907 г. жил в Америке. В 1908-1909 гг. − дирижёр «Метрополитен-опера» в Нью-Йорке, в 1909-1911 гг. руководил Нью-Йоркским филармоническим оркестром. В Нью-Йорке Малер провел свои последние зимы. На летние месяцы он возвращался в Европу, где выступал как дирижер и писал музыку. В 1909 г. Малер завершил вокальную симфонию на стихи средневековых китайских поэтов. Он не решился присвоить ей порядковый номер «девять» и назвал ее «Песнь о земле» (как известно, цифра «девять» для композиторов-симфонистов является роковой, для многих из них − Бетховена, Шуберта, Брукнера, Дворжака девятая симфония стала последней). Впрочем, вскоре он написал чисто инструментальную девятую симфонию и начал работать над десятой, но успел завершить только ее первую часть. В апреле 1911 г. в безнадежном состоянии Малера перевезли в Вену, где он и скончался в мае 1911 г.

Основные сочинения:

Симфонии: № 1 (1888), № 2 (1894), № 3(1896), № 4 (1901), № 5 (1902). № 6 «Трагическая» (1904), № 7 (1905), № 8 (1906), «Песнь о земле» (1908) № 9 (1909), 10 (неоконченная). Вокальные произведения (с оркестром): «Песни странствующего подмастерья» (1884), Двенадцать песен из «Волшебного рога мальчика» (1895), «Песни об умерших детях» на стихи Ф.Рюккерта (1904).

Минимализм (от английского − «наименьший») − метод сочинения музыки при радикально «минимальных» композиторских приемах. В настоящее время употребляется и термин «репетитивная» (в переводе − «повторение») музыка. Возникла в 60-е годы в США. Минимальную музыку писали Терри Райли, Ла Монте Янг, Стив Райх, Филипп Гласс, Д.Адамс. Главная особенность минимальной музыки − повторение очень мало варьированных коротких, функционально равноправных построений − «паттернов» (анг. «модель», «выкройка»).

Мессиан Оливье (1908-1992) − французский композитор, педагог и органист. Сын поэтессы Сесиль Соваж, родился 10 декабря 1908 года. В 1930 году окончил Парижскую консерваторию, где по композиции занимался у Дюка. После этого работал органистом собора Св. Троицы в Париже, с 1936 г. преподавал гармонию в «Схола канторум» и «Эколь нормаль ». С 1936 г. вместе с композиторами А. Жоливе, Даниель-Лесюром, И. Бодрие входил в творческое объединение «Молодая Франция». В годы 2-й мировой войны был мобилизован, в 1940-41 гг. находился в лагере для военнопленных (здесь был создан и исполнен «Квартет на конец времени»). С 1942 г. стал вести классы гармонии, анализа, музыкальной эстетики и музыкальной психологии в Парижской консерватории. Класс Мессиана стал одним из основных очагов послевоенного авангарда (его ученики − П. Булез, К. Штокхаузен, И. Лорио, Я. Ксенакис). С конца 40-х г. проводил семинары, читал лекции в других странах; Мессиан ведёт также концертную деятельность (как органист и пианист), будучи ярчайшим интерпретатором собственных сочинений. Блестящий органист-импровизатор, он внёс много нового в область церковной музыки. Его путь в музыке был сложным и наполненным исканиями, которые Мессиан не только воплощал в сочинениях, но и сформулировал теоретически в трактатах и учебниках. Мессиан умер 28 апреля 1992 года в Париже.

Основные сочинения:

Опера «Святой Франциск Ассизский» (1983). Для хора: Три маленькие литургии божественного присутствия (1944), Месса Троицына дня (1950), оратория «Преображение Господа нашего» (1969); для оркестра и инструментов с оркестром: «Забытые приношения» (1930), «Гимн» (1932), «Вознесение» (1932), «Хронохромия» (1960); «Турангалила-симфония» (1948), «Пробуждение птиц» (1953), «Экзотические птицы» (1956); камерно-инструментальные ансамбли: «Квартет на конец времени» (1941); фортепианные: «Двадцать взглядов на младенца Иисуса» (1944), «Каталог птиц» (1959); органные: «Небесное причастие» (1928), «Рождество Господне» (1935); «Песни земли и неба» (1938) для голоса и фортепиано.

Мийо Дариюс (1892-1974) – французский композитор, дирижер и музыкальный критик. Родился в 1892 г. в Эксе (Прованс). Учился в Парижской консерватории по классам скрипки, композиции и дирижирования. В 1913 г. Мийо дебютировал квартетом, в котором сам исполнял партию первой скрипки. Начальный этап творчества Мийо представлен камерными жанрами. В 1916 г. он отправился в Бразилию секретарем французского посла − поэта Клоделя. Он заинтересовался бразильским фольклором, что впоследствии отразилось в его творчестве. Вернувшись в Париж в 1918 г., стал одним из участников «Шестерки». В эстетике «Шести» написаны многие произведения 20-х годов, самое значительное место в нем занимают произведения для театра. Многие премьеры Мийо давали повод для публичной шумихи, что его не смущало и он продолжал экспериментировать. Мийо много концертировал в разных странах. В творчестве 30-х годов композитора волнуют более значительные и серьезные темы. Самая крупная работа композитора − опера «Христофор Колумб». С началом второй мировой войны уехал в США, где преподавал композицию в Милле-колледже в Калифорнии. В 1945 г. возвратился на родину и стал профессором Парижской консерватории. В 1949 г. в Париже вышла автобиография Мийо «Заметки без музыки». В 1972 Мийо был избран членом французской Академии изящных искусств. Умер в 1974 г. в Женеве.

Основные сочинения:

Оперы: «Эвмениды» (1922), «Несчастья Орфея» (1924), «Бедный матрос» (1926), оперный триптих «Христофор Колумб» (1928), «Максимилиан» (1939), «Боливар» (1943), «Давид» (1953), «Иерусалим» (1956), «Виновная мать» (1965). Балеты: «Бык на крыше» (1919), «Сотворение мира» (1923), «Голубой экспресс» (1924), «Салат» (1924), «Сновидения» (1933), «Весенние игры» (1944), «Колокола» (1945), «Сны Иакова» (1949), «Моисей» (1957), «Роза ветров» (1958), «Ветка с птицами» (1959), Кантаты, 12 симфоний, 5 концертов для фортепиано с оркестром, концерты для альта и виолончели с оркестром; камерно-инструментальные ансамбли, вокальные циклы, «Каталог сельскохозяйственных машин» для голоса и семи инструментов (1919), инструментальные пьесы, музыку к театральным постановкам и радиоспектаклям.

«Мир искусства» − российское художественное объединение (1898-1924), создано в Санкт-Петербурге А. Н. Бенуа и С. П. Дягилевым. Выдвигая лозунги «чистого» искусства и «преображения» жизни искусством, представители «Мира искусства» отвергали как академизм, так и передвижников; опираясь на поэтику символизма, они уходили часто в мир прошлого и гротескных полусказочных образов. Живописи и графике «Мира искусства» (Л. С. Бакст, М. В. Добужинский, Е. Е. Лансере, А. П. Остроумова-Лебедева, К. А. Сомов) присущи утонченная декоративность, стилизация, изящная орнаментальность. Заслугой «Мира искусства» было также создание высокохудожественной книжной графики, эстампа, театральной декорации.

Неоклассицизм − направление в музыке 20 века (и шире в современном искусстве вообще), для которого характерно обращение к принципам эстетики прошлых веков и стремление адаптировать формы европейского искусства прошлого к современной жизни. Неоклассицизм возник в качестве «отрезвляющей» (термин Ф. Бузони) реакции на такие течения искусства 19 – начала 20 вв., как романтизм, символизм, импрессионизм, экспрессионизм. Основные методы неоклассицизма – стилизация и реконструкция музыки прошлых эпох. Лидером неоклассицизма считается И. Стравинский. Ярко это направление представлено в творчестве П. Хиндемита, отдельные черты неоклассицизма проявились в творчестве Ф. Бузони, Б. Бартока, К. Орфа, С. Прокофьева и др.

Неофольклоризм − направление в музыке 20 века, основанное на претворении фольклора. Принципы работы с народным творчеством отличны от фольклоризма 19 века, состоявшего в обработке народных мелодий по правилам европейского композиторского письма. Цитирование народного материала уступает место свободному комбинированию фольклорных элементов. В отличие от музыкального искусства 19 века, неофольклоризм опирается на древнейшие пласты фольклора. Основой становится не городской, а крестьянский фольклор. Композиторы находили новый подход к воплощению народных попевок: использовали арсенал новых выразительных средств для «осовременивания» народных мелодических оборотов. Тенденции музыкального неофольклоризма проявились в творчестве Стравинского, Прокофьева, Орфа, Бартока, Шимановского, Вила-Лобоса и др. Новые пути использования фольклора в литературе искали Маяковский и Хлебников; в живописи – Серов, Врубель, представители «Мира искусства»; в хореографии – Фокин и Нижинский. Среди художественных направлений музыки 20 века неофольклоризм стал одним из самых продолжительных.

Нижинский Вацлав Фомич (1889-1950) − русский артист балета, балетмейстер. Основоположник мужского танца 20 в. Родился в семье польских провинциальных танцовщиков. В 1907-1911гг. − солист Мариинского театра. После увольнения из театра в 1911 г. жил за границей в основном во Франции. Его индивидуальность раскрывалась прежде всего в балетах М. М. Фокина. Во время первых «Русских сезонов» в Париже он стал «самым большим сюрпризом» первого сезона. В «Русских сезонах» работал в 1909-1913 гг., а с 1916-1917 гг. − в труппе С. П. Дягилева (исполнитель главных партии в балетах Фокина, лучшая − Петрушки в балете И. Стравинского). У Нижинского была феноменальная для своего времени техника, особенно впечатляли его прыжки-полеты, словно птицы. Нижинский выступал и в роли балетмейстера − «Послеполуденный отдых фавна» (1912), «Игры» К. Дебюсси, «Весна священная» Стравинского (1913), «Тиль Уленшпигель» (1916) на музыку Р. Штрауса. После разрыва с Дягилевыми попытался создать свою труппу, но она просуществовала всего две недели. В 1919г. состоялось последнее публичное выступление Нижинского, все сильнее давали о себе знать симптомы психического заболевания. Следующие 30 лет, страдая неизлечимой душевной болезнью, он провел в больницах и санаториях.

Онеггер Артюр (1892-1955) − французский композитор и музыкальный деятель. Родители Онеггера были швейцарцами, родился он в 1892 г. в Гавре (Франция). Учился в Цюрихской (1909-1911) и Парижской (1911-1914) консерваториях. Вся дальнейшая деятельность Онеггера связана с Францией. В начале 20-х гг. приобрел значительную известность и входил в творческую группу, получившей название «Шестерки». Ранние произведения композитора созданы в эстетике «Шестерки», но уже в 20-х гг. он создал целый ряд оркестровых и театральных произведений, в которых в полной мере проявилась независимость его творческой позиции, среди них − «Царь Давид», «Юдифь», Антигона». В тридцатые годы композитора увлекают серьезные, драматические темы. Он пишет Первую симфонию, ораторию «Крики мира», центральное произведение этих годов − оратория «Жанна д'Арк на костре». Одно из выдающихся достижений Онеггера-композитора − его симфонии; создание четырех симфонии (№ 2-5) охватывают десятилетие 40-х годов. Многие сочинения Онеггера свидетельствуют о мощи его таланта, которая ослабела лишь в последние годы жизни композитора, когда его здоровье серьезно пошатнулось. Творческое наследие мастера замечательно дополняет написанная в 1951 г. книга «Я − композитор», в которой автор ярко и увлекательно рассказывает о времени и о себе. Умер Онеггер в Париже в1955 году.

Основные сочинения:

Оперы и музыкально-драматические произведения с пением: «Царь Давид», слова Р. Моракса, симфонический псалом (1921-23); «Юдифь», библейская драма (1925); «Антигона», музыкальная трагедия, (1927); «Амфион», мелодрама-пантомима, (1929); «Крики мира», сценическая оратория (1931); «Жанна д'Арк на костре», драматическая оратория, (1935); «Орленок», опера (1936); «Пляска мертвых», драматическая оратория (1939). Оперетты. Балеты (всего 17): «Новобрачные на Эйфелевой башне» (совместно с Д. Мийо и др.) (1921); «Скетинг-ринг», роликовый балет (1921). Симфонические произведения: Первая симфония (1930); Вторая симфония, для струнного оркестра с трубой (1941); Третья симфония (Литургическая, 1946); Четвертая симфония («Базельские удовольствия», 1946); Пятая симфония (Симфония трех ре, 1950); «Песнь Нигамона», симфоническая поэма (1917); Летняя пастораль», сюита (1920); «Песнь радости» (1922); Пасифик-231», симфоническое движение № 1 (1923); «Регби», симфоническое движение № 2 (1928); Симфоническое движение № 3 (1933). Фортепианные произведения. Концерты. Камерно-инструментальные произведения. Романсы и песни для голоса и фортепиано. Музыка к драматическим спектаклям. Музыка к кинофильмам.

Опера ХХ века. 20 век значительно изменил понимание оперного жанра. На рубеже 19-20 вв. появились новые оперные течения, связанные с общими тенденциями художественной культуры времени. Одним из них был веризм, получивший наибольшее распостранение на родине оперы − в Италии. В основе веристских опер − житейская бытовая драма. Героями опер становятся простые люди, но способные на сильные чувства. Для опер характерны напряжённые лирико-драматические кульминации, связанные с выражением открытого, подчас преувеличенно поданного чувства. Новаторство веристской школы проявилось в создании оперы-мелодрамы. Возникновение музыки веризма ознаменовалось премьерами опер «Сельская честь» Масканьи (1890) и «Паяцы» Леонкавалло (1892). По своим идейно-художественным установкам к движению веризма в итальянской опере примыкал и Пуччини. Настоящая известность в Италии и за рубежом пришла к нему после постановки опер «Манон Леско» (1893), «Богема» (1896), «Тоска» (1900), «Чио-Чио-Сан» («Мадам Баттерфляй», 1904).

Для импрессионизма не характерно тяготение к драматическим жанрам, но уникальным образцом импрессионистской оперы является опера К. Дебюсси «Пеллеас и Мелизанда» (1902). Первая мировая война положила конец романтической эпохе в опере. Сложившиеся оперные формы также клонились к упадку, это было время неопределенности и эксперимента. На оперу 20 века оказали влияние различные художественные течения, среди которых наибольшее значение оказали экспрессионизм и неоклассицизм. Как последователь Р.Вагнера начал свое оперное творчество Р. Штраус, но в операх «Саломея» (1905) и «Электра» (1908) ощущается влияние экспрессионизма. Однако лучшими операми, выразившими принципы экспрессионистской оперной драматургии, стали произведения А. Шёнберга и А. Берга. Их творения − своего рода антиромантическая реакция: это выражено и в сознательном отходе от традиционного музыкального языка (особенно гармонического), и в выборе «жестоких» сюжетов. Самые известные экспрессионистские оперы − «Ожидание» Шенберга (1909) и «Воццек» Берга (1925).

В эстетике неоклассицизма создают свои оперы итальянский пианист и композитор Ф.Бузони, немецкий композитор П.Хиндемит. Жонглировавший, как волшебник, разными стилями, И.Стравинский создал внушительное число опер; в их числе − написанный для антрепризы Дягилева романтический «Соловей» по сказке Г.Х.Андерсена (1914), статичный, напоминающий античные фризы «Царь Эдип» (1927), моцартианский «Похождения повесы» по гравюрам Хогарта (1951). Опера 20 века отличается большим многообразием форм и стилистических тенденций. Свой музыкальный театр, основанный на демократичности и доступности, создал К. Орф. Истоки его творчества многообразны. «Луна» (1938) и «сказка с музыкой» − «Умница» (1942) − соединяют черты оперы и драматического спектакля, «Антигона» (1949) и «Царь Эдип» (1959) построены по модели древнегреческой трагедии. Блестящий французский композитор Ф.Пуленк (1899-1963) начал с юмористической оперы «Груди Тирезия» (1947), а затем обратился к эстетике, ставящей во главу угла естественные речевые интонации и ритм в его моноопере «Человеческий голос» (1959). Немецкие композиторы К. Вайль (1900-1950) и Б. Брехт (1898-1950) переделали «Оперу нищих» английского драматурга 18 века Джона Гея в еще более популярную «Трехгрошовую оперу». Эта опера стала мировым триумфом театра Брехта, для которого автор разработал особую технику актерской игры, придумал систему «зонгов», когда актер выходит на первый план, откровенно нарушая ход действия, и переходил на пение.