Вторая главная идея Авангарда II – открытие «нового звука». 4 страница

Джаз оказал огромное влияние на творчество профессиональных европейских композиторов. Джазовая «нота» слышна в творчестве французской «Шестерки»: «Негритянская рапсодия» Пуленка, «Фокстрот для двух фортепиано» и «Прощай, Нью-Йорк» Орика, «Бык на крыше» и «Сотворение мира» Мийо, «Концертино» и «Прелюдия и Блюз» Онеггера. Ясные следы джазового стиля видны в фортепианных прелюдиях Дебюсси («Генерал Лявин, эксцентрик» и «Менестрели»), «Блюзовой сонате» и «Концерте для левой руки» Равеля, «Истории солдата» Стравинского, «Сюите 1922 год» и «Новости дня» Хиндемита, «Трехгрошовой опере» Вайля.

Жанр регтайма – один из самых «задействованных» джазовых арсеналов в опус-музыке ХХ века. Клод Дебюсси в свой фортепианный цикл «Детский уголок» (1908 г.) поместил пьесу «Кукольный кейкуок». Кейкуок (от англ. Cakewalk − «ходьба с пирогом») – афро-американский танец, исполнявшийся в менестрельном театре. «Минстрелшоу» первоначально был связан с пародией, в нем комедийно обыгривались сценки в манере «черных». Первоначально Дебюсси назвал свою пьесу «Кейкуок Голливога», по имени гротесковой мужской черной куклы, такое же имя носили менестрельные персонажи.

Кейкуок обычно исполнялся в духе регтайма. В «Кукольном кейкуоке» Дебюсси точно передает главные черты регтайма: «рваный» рисунок основной темы на фоне равномерных аккордов, имитирующих игру на банджо.

Но пьеса содержит еще один своеобразный подтекст, идущий от эстетики менестрельного театра, его ироничного и насмешливого тона. В «Кейкуок» введена «чуждая» музыка Рихарда Вагнера, над которой композитор звукоизобразительно смеется. Так в музыке Дебюсси отразилась «антивагнеровские» настроения французской культуры рубежа веков.

В 1818 году Игорь Стравинский познакомился со сборником американских регтаймов. «Все эти впечатления подали мне мысль сделать зарисовку этой новой танцевальной музыки и придать ей значимость концертной пьесы, как это делали некогда по отношению к менуэту, вальсу, мазурке и т.п.» – писал впоследствии композитор в своих «Хрониках» (99, с. 88). В 1918 году он написал Регтайм для одиннадцати инструментов, а через год фортепианную пьесу «Piano Rag Music» («Регтайм для фортепиано»), в основу которой положена ритмическая фигура регтайма. Любовь к джазу Стравинский сохранил и в последующем творчестве. В 1945 году он написал «Эбони («Черный») концерт» для кларнета и джаз-оркестра. Этот концерт композитор написал специально для джазового кларнетиста Вуди Хермана. Музыкальный материал первой части концерта возвращает нас к «регтаймовой» атмосфере первых «джазовых вариаций» Стравинского.

В 1922 году Пауль Хиндемит дебютировал в области фортепианной музыки, и свою сюиту ор. 16 он так и назвал – «1922». Эта сюита построена по принципу старинной сюиты, но только она строится на чередовании танцев современного музыкального обихода: марша, шимми, бостона и завершающего цикл регтайма. Жанр концертного регтайма всегда предполагает «ударную» трактовку фортепиано. Чтобы приблизить исполнение финальной пьесы сюиты к джазовому регтайму, Хиндемит предпослал авторскую ремарку: «Правило применения! Не обращай внимания на то, чему тебя учили на уроках музыки. Не раздумывай долго, четвертым или шестым пальцем ты должен взять ре-диез. Играй эту пьесу дико, но всегда в крепком ритме, как машина. Рассматривай здесь рояль как интересный вид ударного инструмента и поступай соответственно этому» (72, с. 79). Регтайм лавиной обрушивается на слушателя, в нем господствует моторность, токкатность. Но остинатность, преобладание аккордовости, синкопированные ритмы, несомненно, напоминают о жанровой основе – регтайме.

Европейская профессиональная музыка пережила бум увлечения к джазу в 20-е годы, в следующие два десятилетия интерес к джазовой музыке профессиональных композиторов значительно угас («Эбони концерт» Стравинского стал своеобразным исключением).

Но в Америке, на родине джаза сочетание европейских и джазово-эстрадных традиций породило одно из ярких явлений не только американской, но мировой культуры – творчество Джорджа Гершвина (1898-1937).

Путь самого известного американский композитора первой половины XX столетия необычен. Джордж Гершвин родился в бедном районе Нью-Йорка – Бруклине в семье эмигранта из России и впоследствии композитор не раз называл себя «воспитанником нью-йоркских трущоб». Рано проявив музыкальные способности, он, тем не менее, не имел возможности получить систематическое музыкальное образование. Свои «университеты» композитор проходил в работе тапёра в нотном магазине и создании песенок для спектаклей Бродвея.

К двадцати пяти годам Гершвин считался известным мастером развлекательных жанров. Только в конце 20-х годов, уже будучи популярным композитором, Гершвин смог серьёзно заняться в Париже изучением теоретических дисциплин (брал консультации у Мориса Равеля).

До середины 20-х годов творчество Джоржа Гершвина было связано с эстрадной песней и мюзиклом. Его «легкая музыка» пользовалась огромной популярностью, но в академических кругах его имя умалчивалось. Но в 1924 году он получил необычный заказ – написать произведение, которое бы сочетало в себе черты джаза и «классической симфонической» музыки. Заказ действительно был необычный, Гершвин о нем прочитал в газете: сообщение рассказывало о концерте «Эксперимент в современной музыке», организованном оркестром симфоджазовой музыки Уайтмена и участии в нем Гершвина, который пишет «джазовый концерт». Но неожиданно для себя он решил откликнуться на газетную «утку» и написать произведение в стиле симфоджаза. Так за короткое время родилась «Рапсодия в стиле блюз» для фортепиано с оркестром – один из шедевров американской музыки.

«Симфоджаз» – термин, означающий сплав симфонической музыки с джазом. Впервые его употребил в 20-х годах известный американский дирижер Пол Уайтмен, создав джазовые оркестры со струнной группой. В большинстве случаев это была танцевальная музыка с налетом «салонности». Однако именно Уайтмен и стал инициатором создания и первым исполнителем знаменитой «Рапсодии в стиле блюз» Джорджа Гершвина, где слияние джаза и симфонической музыки оказалось на редкость органичным.

В названии произведении – игра слов. «Rhapsody in blue» – означает и «в стиле блюз», и «в блюзовых тонах» – «голубых тонах» (название возникло под впечатлением выставки художников, демонстрирующих картины в «серых», «зеленых» и других тонах). Но музыкальный язык концерта, несомненно, содержит ориентацию на «блюзовый» стиль. Уже первая тема «Рапсодии» содержит так называемые блюзовые ноты III и VII ступеней

124.

Но все же «Рапсодия» написана не в «стиле блюзов». Это концерт для фортепиано с «классическим» составом симфонического оркестра, где элементы джаза, развлекательной музыки и афроамериканского фольклора сочетаются с принципами концертной фортепианной опус-музыки в духе Листа и Рахманинова. Концерт написан в одночастной форме, сочетающей контрастные разделы (быстро-медленно-быстро), подобно инструментальным крупным формам Листа, сочетающим одночастность с сонатно-симфонической цикличностью. Конечно, в своем первом крупном произведении Гершвин не полностью овладел симфоническим мастерством: «Рапсодия» «рыхла по форме», да и инструментовать помог Ф. Грофе. Несмотря на это, «Рапсодия» – талантливое и популярное произведение. С первых звуков гобоя, синкопированных ритмических аккордов оркестра она до последних тактов захватывает внимание слушателя. Впервые национальная музыка предстала чем-то вроде музыкального калейдоскопа Америки: в ней звучали темпы городской жизни, джазовые танцы и печаль негритянских блюзов. Успех «Рапсодии» побудил Гершвина сосредоточиться на «серьезных», «академических жанрах».

В 1935 году, за два года до смерти, тридцатипятилетний Гершвин подарил Америке первую национальную оперу – «Порги и Бесс».

Опера написана по одноименной пьесе Дебоса и Дороти Хейуорд «Порги». В основу пьесы легли реальные впечатления создателей: Дюбос Хейуорд часто встречал нищего негра, безногого калеку, который разъезжал в тележке, запряженной козой. Заказал это сочинение самый знаменитый оперный театр США – Метрополитен опера (Нью-Йорк). Одним из главных условий было использование чисто американского сюжета. Но Гершвин писал музыку в расчете на исполнение негритянскими певцами, которые на оперную сцену не допускались. Премьера прошла в маленьком театре Бостона. Несмотря на хороший прием оперы, Гершвин потерял 10 тысяч долларов, вложенных в постановку. Успех оперы пришел лишь после смерти композитора.

«Порги и Бесс» – настоящая национальная оперная классика. «Начиная работу над оперой, я поставил перед собой цель не пользоваться подлинным фольклорным материалом, ибо я стремился создать музыку единого стиля. Поэтому все спиричуэлсы и народные песни, звучащие в опере, я сочинил сам. И все же это народная музыка, а «Порги и Бесс», сохраняя оперную форму, является народной оперой. Я должен был искать особые методы для отображения в музыке драмы, юмора, суеверий, религиозных порывов, неукротимого темперамента народа» – писал Гершвин (94, с. 198).

Летом 1934 года он изучал быт и фольклор в бедной негритянской рыбацкой деревне. «Порги и Бесс» – калейдоскоп подслушанных у народа интонаций: блюзов, спиричуэлс, духовных гимнов, трудовых негритянских гимнов, уличных песенок. Но вместе с тем, опера составляет органичное целое интонаций и ритмов негритянского фольклора с разнообразием джазовых форм и современной композиторской техники. Жанр произведения соединяет традиции традиционной, «классической» и балладной оперы, а также мюзикла.

Действие оперы происходит в бедном негритянском квартале одного из южных городов США. Основная линия сюжета связана с историей любви безногого инвалида Порги к молодой женщине Бесс, которая не смогла оценить силу и чистоту чувства героя, и предпочла ему вульгарного щеголя. Отношения главных героев показаны реалистично и психологически правдиво.

Порги – главный герой оперы, чистый душой, по-детски доверчивый и наивный человек. Его первый сольный номер в опере – «I Got Ple-nty O’Nuttin’» – «У меня в кармане полным-полно ничего» – иногда переводят как «Богач-бедняк». Песня передает радостное настроение Порги, жизнь кажется ему безоблачной, и не беда, что он по-прежнему беден: «Пока рядом с ним Бесс – ее глубокие, как небо, глаза, ее улыбка, ласки, песни, – его не страшит ничто на свете!». Мелодика вокальной партии, построена на оборотах спиричуэлс и сопровождается банджо.

Образ Бесс неоднозначен. В первом действии оперы она искренне любит Порги и отвергает заманчивые предложения Спортин Лайфа. Дуэт Порги и Бесс «Bess, You is My Woman Now» («Бесс, теперь ты моя») в конце первого действия – лирическая страница оперы, «дуэт согласия», передающий чувства влюбленных.

Конфликт оперы строится на противопоставлении двух миров: духовной чистоты Порги и циничной морали горожанина Спортин-Лайфа. В своей песенке «It Ain’t Necessarily So» («Это совсем не обязательно так») он утверждает, что «вовсе не все в Библии соответствует истине, все это «фигли-мигли». Направо и налево сыплет он плоскими, пошлыми шутками, издевается над церковными притчами и обрядами, задирает гуляющих. Он уговаривает всех полакомиться кокаином. Обольстительная, саркастическая партия Спортин-Лайфа ос нована на «наглых» интонациях эстрадного джаза.

Хор из второго действия оперы «Oh, I can’t sit down» («Как тут усидеть?») – часть яркой народной жанровой сцены (пример 126).

В хоре удивительным образом соединяется игривая маршевость с острой пульсацией регтайма, радостный образ дополняет «звончатая» инструментовка.

Неподражаемым национальным колоритом пронизаны и «побочные» персонажи. Серена, жена убитого рыбака Роббинса, оплакивает мужа в песнопении «He’s gone, gone, gone» («Он нас покинул, покинул, покинул»).

Мелодика опирается на пентотонику, что характерно для жанра спиричуэлс. «Омузыкаленное» глиссандо народного похоронного плача-причитания поражает своей реалистичностью, это настоящая трагическая сцена.

Во втором действии Серена молится за здоровье больной Бесс, – «O Doctor Jesus» («О, Иисусе исцеляющий»). Негры с особой страстной эмоциональностью приняли христианство. Молитва Серены – оперный номер, наиболее приближенный к «природе» негритянских духовных песнопений и передает дух импровизации спиричуэлс.

Черты другого жанра – блюза – чувствуются в самом популярном номере оперы. Спокойная и одновременно чувственная лирика «Колыбельной Клары» из начала оперы исходит от образных и выразительных особенностей блюза.

128

«Summertime» («Летнее время») – стало не только очень популярным отрывком оперы, но и одной из самых узнаваемых мелодий века. Опера продолжила свою судьбу в «двух жизнях»: на оперной сцене и в концертных вариантах. Особую популярность получило исполнение сольных и ансамблевых номеров «Порги» в интерпретации дуэта Луи Армстронга и Эллы Фицджеральд.

Современные джазовые музыканты считают творчество Гершвина предтечей «третьего течения». Термин «третье течение» (third stream) «был введен критиком Джоном Уилсоном. Он обозначил альтернативу, а точнее − варианты синтеза первого и второго течения, т.е. академической музыки и джаза» (132). Оформили этот жанр как «третье течение» американцы Леонард Бернстайн и Гюнтер Шуллер.

Контакты с джазом композиторов опус-музыки общеизвестны, но их попытками руководило желание привнести лишь отдельные элементы джаза в академическую музыку. И наоборот, известно немало экспериментальных работ со стороны заинтересованных джазменов, которые пробовали применять те или иные принципы симфонического развития и использовать исходные принципы классической музыки в своих джазовых партитурах. В 20-е годы это был «симфо-джаз» (Поль Уайтмен, который хотел " сделать леди из джаза"), в 40-е – «прогрессив» (Стэн Кентон), а в конце 50-х − «третье течение».

«Третье течение» пришло со стороны джазменов, а не композиторов академических направлений музыки. Для композиций «третьего течения» характерно более органичное слияние европейской композиторской техники с джазовыми традициями. Наиболее яркими представителями этого направления в США были музыканты и композиторы Леонард Бернстайн, Гюнтер Шуллер, Джон Льюис (руководитель " Модерн джаз квартета"), Гэри МакФарленд, Джимми Джуффри. Существенный вклад в «третье течение» сочинениями для джазового квартета и симфонического оркестра внес Дэйв Брубек. Традицию объединения симфонического оркестра и джазового ансамбля или даже оркестра продолжил Уинтон Марсалис и его оркестр Линкольн-Центра. Известны совместные выступления Дюка Эллингтона с оркестрами Ла Скала и Лондонским симфоническим.

ЗАВОЕВАНИЯ И ПАРАДОКСЫ МУЗЫКАЛЬНОГО МАССКУЛЬТА

«Массовая культура» – особое понятие, охватывающее многообразные и разнородные явления культуры ХХ века. «Массовость» определилась в связи с научно-технической революцией и постоянным обновлением средств массовой коммуникации. В музыке «масскульт» во-многом определен «широким» понятием «поп-культуры», «поп-музыки» (англ. popmusic- «популярная музыка»). Возникла эта область музыкального искусства в конце XIX века как реакция на усложнившиеся формы «серьезной» музыки, а интенсивное развитие получила с начала ХХ века. В дальнейшем «поп-музыкой» стали называть модную коммерческую развлекательную музыку, преимущественно эстрадную песню.

Музыкальный «масскульт» определился эстетикой шлягера и Tin Pan Alley. «Тин пэн элли» – буквально «аллея жестяных сковородок» – популярное название индустрии развлекательной музыки, которая возникла вначале в Нью-Йорке, потом по всей Америке, на рубеже XIX-XX веков. «Слово «шлягер» взято из жаргона австрийских торговцев конца XIX века, оно означало «успешно сбываемый товар». После первой мировой войны «шлягерами» стали называться расхожие песни.

Индустрия шлягеров началась в 20-х годах. «Текстовики несли в издательство или на фонофирму (или исполнителю) “рыбу”. Для нее подыскивалась подходящая мелодия, “насвистанная” композитором-мелодистом (он часто не знал нотной грамоты, потому такого специалиста и прозвали “насвистывающий композитор”). Отталкиваясь от мелодии, текстовик доводил “рыбу” до “жареного” состояния, то есть концентрировал тему шлягера в нескольких наиболее броских, запоминающихся и отвечающих структуре мелодии словах припева. Готовую “болванку” песни отправляли к аранжировщику-гармонизатору. После этого результат записывался на пластинку. Пластинки продавались на радио и в рестораны, а также отдавались в музыкальные магазины» (92, с. 174).

В последние десятилетия стали различать традиционную «старую» популярную музыку и «новую» поп-музыку, обособившуюся c появлением рок-музыки.

Рок-музыка (англ. rock music, от rock – качаться, трястись) – тип современной поп-музыки, сформировалась в Великобритании и США на рубеже 1950-60-х годов.

Рок-музыка родилась из рок-н ролла. Рок-н ролл (англ. rock and roll, от rock – раскачиваться и roll – крутиться) появился в середине 1950-х годов. «Родители» рок-н ролла – ритм-энд-блюз и музыка кантри. Ритм-энд-блюз появился в самом конце 1940-х годов в Чикаго в среде афро-американцев и представлял собой сочетание чистого блюза и напряженно-энергичного джаза: как правило, мажорные напевы с блюзовыми нотами в четырехдольном размере с акцентами на четных долях. Музыка «кантри» (от англ. country – сельский, деревенский) получила развитие из фольклорных истоков европейских иммигрантов США. Третья составляющая рок-н-ролла – это его особенный инструментарий, состоящий прежде всего из гитар, барабанных установок, иногда рояля, контрабаса и других инструментов. В музыкальном отношении рок-н ролл представлял собой упрощенный вариант ритм-энд-блюза, «адаптированного» под белую аудиторию и исполняемый белыми музыкантами. В целом для рок-н-ролла характерна блюзовая структурная основа, техника риффов (многократно повторяемая краткая мелодическая фраза).

История рок-н-ролла – это история Эсвиса Пресли.

Элвис Пресли (1935-1977) был той искрой, от которой вспыхнуло пламя рок-н-ролла в 50-е годы. Это была крупнейшая и наиболее влиятельная фигура в мире популярной музыки тех лет. В 1953 году записанная им самим слегка ускоренная версия ритм-энд-блюза «That's All Right Mama» сначала прозвучала на местной радиостанции, а затем вышла на сингле. В середине 50-х при широких рекламных возможностях крупной компании популярность Пресли начала расти. Помог в этом и созданный имидж певца. Для Элвиса была характерна манера движений «шатающегося медведя», знаменитое «вращение» бедрами, прыжки, пританцовывания и порой даже стояния на голове. Элвис принес на сцену образ красивой, чувственной и опасной молодости. В 1956 году из популярного певца «местного значения» Элвис Пресли стал звездой международной величины, он получил шесть «золотых» дисков и звание «король рок-н-ролла». Вскоре за Элвиса ухватился и Голливуд, певец снялся в нескольких фильмах, ставших кассовыми рекордсменами и еще больше закрепивших в общественном сознании имидж певца. В 60-х изменился и тот материал, который Пресли записывал на пластинках. Он расширил свой репертуар, стремясь завоевать новые слои публики, и ему это удалось: в 1962 году хит-парады Англии возглавляли девять песен Элвиса Пресли.

Вот тут и появляется так называемое «британское вторжение». Как же английская поп-музыка смогла отвоевать себе место под солнцем у американского рок-н-ролла, видно на примере «Битлз». С началом «британского вторжения» популярность Пресли пошла на убыль: появление ливерпульской четверки в начале 1960-х годов потеснило позиции Пресли, хотя музыканты «Битлз» всегда признавали его значение и влияние.

«Битлз» – (англ. Beatles)– английская рок-группа. В ее состав входили: Пол Маккартни (р. 1942; вокал, бас-гитара, клавишные), Джон Леннон (1940-1980; вокал, гитара, гармоника, клавишные), Джордж Харрисон (1943-2001; вокал, гитара, ситар, клавишные), Ринго Старр (р.1940; начал выступать в составе группе в 1962; вокал, ударные, перкуссия, клавишные). Будущие участники легендарной «четверки» родились и выросли в Ливерпуле, где группа и была образована в 1959 году и называлась The Silver Beatles («Серебряные жуки», в дальнейшем слово silver было опущено из названия). В конце 1961 года менеджером группы стал Брайан Эпстайн, который изменил имидж музыкантов: вместо черных кожаных курток музыканты облачились в пиджаки без воротников от Пьера Кардена (получившие название «битловки»), а взбитые «коки» а-ля Элвис Пресли сменили длинные челки. С 1964 года «Beatles» буквально завоевали Америку. Особую популярность группе принесли фильмы. В 1965 году состоялось грандиозное выступление «The Beatles» перед 55 тысячами зрителей на нью-йоркском стадионе «Ши». Написанная в тот период композиция Пола Маккартни «Yesterday» (первое место, 1965) до сих пор является самой популярной песней в репертуаре более чем 500 исполнителей (по опросам российских радиослушателей, признана лучшей песней ХХ века). До 1967 года группа создала альбомы: «The Beatles», «Please, please me» (1963), «With the Beatles» (1963), «A hard day's night» (1964), «Beatles for sale» (1964), «Help!» (1965), «Rubber soul» (1965), «Revolver» (1966), «Oldies» (1966). Выход последних двух альбомов ознаменовал новый этап в творчестве группы и выход за рамки поп-формулы: рост композиторского мастерства, тексты группы становились все более поэтически зрелыми. В 1966 году «The Beatles» дали свой последний концерт и сосредоточились на экспериментах в студии. Выпущенный в июне 1967 года альбом «Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band» явился мощным аргументом в пользу того, что рок – серьезное концептуальное искусство. «Сержант Пеппер» – настоящий концерт с увертюрой и финалом, где каждый из «оркестрантов» исполняет свою партию, а сама пластинка – ее гармоническая гамма, тексты, наложенные шумы – стала предметом исследования специалистов. Конец 1960-х годов, несмотря на некоторые признаки неблагополучия, был весьма насыщенным в творческом отношении для The Beatles. В 1968 году вышел знаменитый «White album» («Белый альбом» − по цвету обложки), в 1969 − «Yellow submarine»(«Желтая подлодка»), по которому был сделан великолепный анимационный фильм. Вместе с тем, альбом «Abbey road» (1969) занял только четвертую строчку в английских чартах Великобритании. В 1970 году появился «Hey Jude», заглавная песня которого представляла собой лирическую балладу, и последний выпущенный вместе альбом «Let It Be». Но уже чувствовалось, что «ливерпульская четверка» начинает распадаться, каждый из музыкантов пытался работать самостоятельно. С распадом группы, казалось, заканчивалась и эра «The Beatles». Но эмоциональное воздействие их музыки оказалось, неожиданно даже для самих музыкантов, настолько масштабным, что «The Beatles» стали явлением в жизни чуть ли не всей планеты. С того времени как музыканты перестали работать вместе, было выпущено более четырех десятков дисков, тираж которых давно перевалил за миллионы экземпляров. В 1995-96 годах были выпущены три альбома «The Beatles» под названием «Антология», вобравшие в себя почти все песни легендарной группы.

Группа внесла значительный вклад в развитие рок-музыки, обусловив ее переход от танцевально-развлекательной в сферу искусства. Ранние их песни – заимствования американского рок-н-ролла с элементами поп-музыки. Вначале своего существования они использовали не только свои мелодии, но и перепевали рок-н-ролл-классику, тем самым поддерживая имидж рок-н-ролльщиков. Во второй половине 60-х годов их стиль становится более самобытным, включает элементы кельтского фольклора и английских баллад, перешел на более вдумчивые композиции исключительно собственного сочинения.

В начале 60-х «британское влияние» расширилось и за счет групп «Rolling Stones» («Роллинг-Стоунз») и «Mho» («Ху»). Но особую роль в истории мирового рока сыграла английская рок-группа «Queen» – («Куин» − «королева»). Группа была образована в 1971 году в Лондоне. Состав: Фредди Меркьюри (настоящее имя Фредерик Балсара) (вокал, фортепьяно), Брайан Мэй (гитара, синтезатор, вокал), Роджер Тейлор (ударные, вокал), Джон Дикон (бас-гитара). Музыка группы представляет собой смесь рока, джаза, оперы, танцевальной музыки; отличается сложными вокальными партиями Меркьюри, виртуозными гитарными пассажами Мэя и тщательной студийной работой. Группа прославилась грандиозными концертными шоу. Многие композиции «Куин» остались уникальными явлениями в мировой рок-культуре, такие, как «A Night At The Opera» («Ночь в опере») и «Bohemian Rhapsody» («Богемская рапсодия»). Эти композиции сочетают элементы рок-музыки и мюзик-холла, «заигрывают» с оперным стилем, представляет сложную полифонию инструментальных и вокальных партий. Последние альбомы группы – блестящие произведения мелодичного рока. Альбом «Innuendo» (1991) стал своеобразным завещанием Фредди Меркьюри (умер в ноябре 1991 от СПИДа). Популярность музыки группы не спадает до сих пор. «We are the champions» отныне играет на всех стадионах при победе той или иной команды, а трибуны скандируют во время тех же футбольных и хоккейных матчей «We will rock you».

«Если проанализировать музыку ХХ столетия, то, пожалуй, оно прошло под знаком Элвиса, «Битлз «и «Куина» и именно эта троица внесла наибольший вклад в мировую музыкальную рок-культуру. Элвис зажег пламя рок-н-ролла в 50-х и сделал музыку популярной в массах, «Биттлз» подхватил его в 60-х как Олимпийский огонь и снова передал обратно Элвису на исходе десятилетия. Ну а после смерти Элвиса только «Куин» смог продолжить славные традиции рок-музыки и, к сожалению, со смертью Меркури в начале 90-х пожалуй, что славные традиции рока остались в прошлом и действительно 90-е остались за поп-музыкой, а рок остался на задворках музыкальной культуры. Вот и подумаешь о роли личности в истории. Иными словами рок был жив до тех пор, пока было кому зажигать, когда был эдакий флагман, на который можно было ориентироваться всем остальным рок-музыкантам» (113). Не со всеми утверждениями этого высказывания можно согласиться, но бесспорно одно – рок- музыка пошла по пути «упрощения», и на рубеже ХХ и ХХI столетия многие музыканты резко различают понятия «поп» и «рок» музыки. Поп-музыка (на молодежном жаргоне «попса») – это эстрадная развлекательная, легкая для восприятия музыка, которая тиражируется средствами массовой информации и имеет коммерческий характер. Такого рода развлекательная музыка приобрела невиданный размах, она стала по-настоящему явлением «массовой культуры» или «музыки массовых жанров». В настоящее время поп-музыка одна из наиболее прибыльных отраслей. В некоторых странах по проценту от числа национального валового продукта эта отрасль занимает второе место после военно-промышленного комплекса. Сегодня ученые уже употребляют термин «звуковой терроризм», так как эта музыка подстерегает нас «на каждом шагу». Вместе с тем, «шлягер создается для среднеарифметического представителя городской массы…, который является идеальным уравнением спроса на определенный вид песенной продукции. Впервые развлекательная музыка получила возможность манипулировать аудиторией, создавая слушателя “под себя”» (92, с. 175). Новая волна поп-музыки неизменно связана с продуктированием видеоклипов – результат слияния двух традиционных зрелищных форм подачи шлягера: эстрадного концерта и кинофильма.

Но вместе с тем, точных «классификационных» признаков, по которым определяется принадлежность сочинений «массовой музыки» к тому или иному типу, нет, разница между рок- и поп-музыкой часто стерты. Рок-музыка представляет собой сложный конгломерат течений, выделившихся по музыкальным и внемузыкальным признакам: принадлежности к определенным социально-культурным движениям (например, психоделический рок, панк-рок), возрастной ориентированности (рок для подростков, для взрослых), динамической интенсивности (тяжелый рок), технической оснащенности (электронный рок), взаимодействию с теми или иными музыкальными традициями и стилями (барокко-рок, джаз-рок, фолк-рок и др.). Рок-музыке сложно дать однозначное определение. Это связано с её постоянным развитием – появлением новых направлений. Каждое последующее рок-поколение отвергало достижения предшественников, а представители разных направлений зачастую отрицали принадлежность друг друга к року. Поэтому любые определения рок-музыки носят относительный, временный характер. Не претендуя на охват всех направлений «массовой музыки», перечислим часть их (135), чтобы как-то представить картину самой тиражируемой части современной культуры.