Вторая главная идея Авангарда II – открытие «нового звука». 5 страница

Disco – один из самых популярных танцевальных музыкальных стилей 70-х годов. Цель этой музыки была одна: любыми способами заставить людей выйти на танцплощадку, поэтому диско преуспело главным образом как студийное творчество, увековеченное на пластинках, а далеко не как живые концертные шоу. Почти для всех произведений диско характерен монотонный акцентированный ритм, фоновое звучание ведущих инструментов группы или оркестра (гитары, струнные, духовые) и достаточно выразительный вокал. С наступлением 80-х и появлением новых форм танцевальной музыки, волна диско пошла на убыль.

Folk Rock – музыкальное направление, которое оформилось в конце 50-х − начале 60-х годов, когда ритмические приемы, получившие распространение в поп-музыке, стали использовать для аранжировки народных мелодий. Один известный американский музыковед Алан Ломакс определяет этот стиль так: «Если в “очищенной” от аранжировки рок-композиции слушатель способен хотя бы фрагментарно уловить народные мотивы, значит, мы безусловно имеем дело с фолк-роком» (113).

Hard Rock – дословно: «жесткий» или «тяжелый рок». Понятие настолько всеобъемлющее, что многие не видят разницы между собственно рок-музыкой и этим, одним из ее наиболее массовых и популярных ответвлений. Композиции в стиле хард-рок вызывают субъективное ощущение тяжести, достигаемое за счет выделения ритм-секции на передний план, что требует от музыкантов виртуозного владения своими инструментами. Но в хард-роке, помимо «выпуклости» ритм-секции, все входящие в нее инструменты напрямую связаны с мелодическим лидером − гитаристом или клавишником, поэтому здесь не может быть обособленной импровизации одного инструмента, а это означает, что в импровизации участвуют все инструменты группы, создавая целостность и монолитность произведения.

Heavy Metal – буквально «тяжелый металл» или «тяжелые орудия». Это одно из ответвлений хард-рока, получившее широкое распространение в начале 80-х годов. До сих пор существует путаница в определении хард-рока и «хэви-метал». Для обоих направлений характерно исключительно мощные гитарные риффы, доведенные до виртуозности соло и «канонадные» ударные, очень сложные ритмические импровизации.

Psychedelic Rock –известен под сокращенным названием «психоделия», а также как «кислый рок» (acid rock). По сути, это свободные эксперименты с музыкой и музыкальными инструментами под воздействием галлюциногенов или мощных психотропных средств – так начиналась эта музыка. Позже, психоделическим роком стали называть любую «странную» музыку, гармонии и тональности которой отличались от принятых. Группы именно этого жанра начали первыми устраивать затяжные импровизационные концерты, создав тем самым ассоциативную связь между роком и джазом.

Progressive Rock – в данном случае слово «прогрессивный» предполагает такую форму рок-музыки, когда при традиционном для рок-группы составе исполнителей и инструментарии задействуются структуры классической европейской музыки, в результате чего произведения прогрессивного рока становятся, как правило, сложнее и продолжительнее, нежели стандартные 3-5-минутные композиции; большое значение имеет импровизация. Направление прогрессивного рока начало развиваться в конце 60-х годов в Англии, в какой-то степени его корни уходят в психоделию, космические темы которой вначале неизменно присутствовали у «прогрессивистов», но если рассуждать с музыкальной точки зрения, прогрессивный рок – высшая форма психоделии. Как музыкальный стиль, прогрессивный рок получил наивысшее развитие в семидесятые годы, когда музыканты достигли поистине виртуозного владения инструментами и научились мыслить нетривиально.

Punk Rock. Корни панк-рока прослеживаются с первой половины шестидесятых, когда американские группы попытались дать отпор «британскому вторжению» – это была динамичная агрессивная музыка, но играли ее любители. Расцвет панк-рока пришелся на середину семидесятых. Это была сырая резкая и быстрая музыка с хаотичными изменениями ритмических структур и гармоний. Играли панк-рок любители, не обладавшие даже минимальной музыкальной подготовкой и практикой.

Rap – это форма танцевальной музыки, для которой характерны рваный ритм, простые гармонии и короткие музыкальные фразы, «закольцованные» в непрерывный рефрен. Вокал, как таковой, отсутствует, его заменяет речитатив, накладываемый на предварительно записанные инструментальные трэки. Впервые рэп появился в черных диско-клубах Нью-Йорка в середине 70-х годов, специализировались на этой музыке главным образом диск-жокеи, отбиравшие репертуар для танцев, и обслуживающий персонал концертных залов и площадок, имевший доступ к аудиоаппаратуре; в силу специфических особенностей стиля, в тот период для исполнения рэпа не требовались даже минимальные музыкальные навыки. Первых рэпперов называли «спиннерами» (от английского to spin − вращать), потому что их работа сводилась к манипуляциям с диском проигрывателя, на котором была установлена пластинка.

Soul − вокальная манера, для которой характерны «пение из глубины души» (англ. soul − «душа») и обязательно пение эмоциональное. На слэнге черных людей «соул» означал также и «подлинность», «честность» и «искренность», что и есть наиболее точное определение этого понятия.

Sympho Rock − «симфо-рок» («симфонический рок»). Так в конце 60-х − начале 70-х годов стали называть манеру групп, использовавших в своих композициях инструментарий симфонического оркестра и прямые цитаты классических произведений. В качестве таковых назовем английские групп Move и Electric Light Orchestra, черты симфо-рока присутствуют и в стиле группы Pink Floyd.

Понятие «симфо-рок» близко к понятию «арт-рок» (от слова «арт» – искусство). Профессиональные музыканты с негодованием наблюдают, как переделывают, а часто и кромсают дорогую их сердцу классику. Но это явление получило широкое распространение в среде рок-музыкантов. Такое обращение к сфере «высокого профессионализма» стало попыткой преодолеть то чувство культурной неполноценности, которое пришло на смену культурному нигилизму 60-х годов.

В 1970 году состоялся дебют британской рок-группы «Эмерсон, Лейк и Палмер» (сокращенно – ЭЛП): Кит Эмерсон − клавишные; Грег Лэйк − бас-гитара, вокал, гитара; Карл Палмер − ударные. ЭЛП стал одним из ведущих коллективов того направления современной музыки, которое позднее будет определено как арт-рок. Хотя обращение арт-рока к опыту серьезной музыки, как к классическому наследию, так и к экспериментам XX века, было подготовлено другими группами, успех ЭЛП у самой разной аудитории – от поклонников рока до профессоров консерваторий – превзошел все ожидания. Трио записало на пластинки «Варварское аллегро» Белы Бартока, «Симфониетту» Леоша Яначека, «Скифскую сюиту» Сергея Прокофьева. Широкую известность приобрел диск 1972 года этой группы – обработка «Картинок с выставки» Мусоргского.

Яркие образные «картинки» знаменитого фортепианного цикла Мусоргского обрели свою вторую жизнь в оркестровой обработке Мориса Равеля. При яркой популярности и красочности обработки Равеля не всеми принимается безоговорочно, некоторым она кажется слишком «изысканно-элегантной» по сравнению с автором, и приближается не столько к русской, сколько к французской традиции. Тем более дискуссионна рок-обработка шедевра Мусоргского ансамблем ЭЛП. Открывающая «Прогулка» подчеркнуто «классична» и приближена к оригиналу. Но в «Гноме» и «Бабе Яге» интерпретация построена на предельно резких контрастах динамики, тембра и ритма. В музыке этих номеров превалирует электронный синтезатор, изобилуют «неслыханные» (для классического) звучания. Впрочем, деформация и гротеск, взаимосвязь комического и трагического соответствует мятежному и страстному духу музыки Мусоргского. «Музыкальная речь» не только оперных, вокальных, но и инструментальных произведений русского композитора восходит непосредственно к человеческому голосу и слову и следует подчеркнуть, что интерпретация ЭЛП пытается во многих эпизодах быть верными «интонационному словарю» композитора. Это подчеркнуто еще и тем, что в одной из «Прогулок» и в «Богатырских воротах» введена вокальная партия.

Но вместе с тем, существует и другая точка зрения, неприятие «стилистической несовместимости»: «принцип внутреннего соответствия материала и его трактовки в поп-музыке отброшен, его заманил принцип необязательности, эстетического произвола. Перед нами как бы клочья драгоценных камней, расточительно вырванные из целого и вместе со случайным тряпьем наспех сшитые в некую шутовскую хламиду» (33, с. 81).

Ещё одна форма рок музыки – рок-опера. Это театрализованное представление с сюжетом, действующими лицами, декорациями; музыка пишется и исполняется в рок-стиле. У истоков жанра стояла британская группа «Ху» (англ. The Who − «Кто»), создавшая рок-оперы «Томми» (1969 г.) и «Квадрофения» (1973 г.).

Наиболее выдающееся произведение – рок опера «Иисус Христос − Супер звезда» (1970 г.) английского композитора Эндрю Ллойда Уэббера. Композитор Александр Журбин пишет в своих воспоминаниях о впечатлении, которое вызвала эта опера у великих композиторов: «Альфред Гарриевич Шнитке, чутко интересующийся всем, что происходит в музыкальном мире, попросил меня показать ему запись новой оперы. «Знаете, в этом что-то есть. Надо послушать еще. Судить по одному прослушиванию вообще нельзя. Но мне кажется – это интересно. И талантливо». Сходное суждение высказал тогда же и Дмитрий Дмитриевич Шостакович, посмотревший спектакль в Лондоне; «Наверное, и таким путем надо идти». Эти слова он сказал самому Уэбберу (117).

МУЗЫКАЛЬНЫЙ ЖАНР «ДЛЯ ВСЕХ»

Мюзикл – один их самых молодых жанров современного музыкального театра и один из самых популярных. Сегодня точно сказать – что такое мюзикл – сложно, настолько различны произведения, которых определяют как мюзиклы.

Энциклопедическое определение мюзикла звучит так: «музыкально-сценический жанр, использующий выразительные средства музыки, драматического, хореографического и оперного искусств. Их сочетание и взаимосвязь придали мюзиклу особую динамичность; характерной чертой многих мюзиклов стало решение серьезных драматургических задач несложными для восприятия художественными средствами» (133).

Мюзикл – сокращенная форма понятий Musical comedy («музыкальная комедия») и Musical play («музыкальная пьеса»).

Предшественниками мюзикла были множество легких жанров. Его истоки можно проследить с музыки XVIII века – английской балладной оперы. Это была комедийная пьеса со вставными песенными номерами, и именно эти пьесы и прибыли с эмигрантами на американский континент и получили свое своеобразное продолжение в менестрельном театре.

Следующий предшественник мюзикла – французский жанр «экстраваганца», для которого характерна экстравагантность («необычность»), фантастичность представления, мелодраматичность событий (мелодрама – пьеса с острой интригой, резким противопоставлением добра и зла, преувеличенной эмоциональностью), яркие сценические эффекты, песни, танцы, варьете, цирковые аттракционы. Именно постановку американской экстраваганцы считают исходной точкой нового жанра, впоследствии названной «мюзикл», в 1866 году на сцене Нью-Йорка прошла постановка спектакля «Black Crook» («Черный плут» или «Злодей-мошенник»).

Жанр бурлеска также ведет свою историю с XVIII века. Тогда бурлеск (итал. − «шутливый») представлял собой пьесу-пародию на серьезную и известную пьесу. Эстрадный американский бурлеск XIX века сохранил элемент пародии, он был насыщен комическими эффектами и известными песнями. «Бурлеск оставил в наследство мюзиклу остроту трактовки современных проблем» (39, с. 31).

На рубеже XIX-XX веков любимым жанром американцев был водевиль. Европейский водевиль – вид «комедии положений» с песнями-куплетами, романсами и танцами. Американский водевиль был просто набором эстрадных номеров, слегка скрепленным сквозным сюжетом.

В конечном результате, на рубеже веков сложился тип музыкальной комедии, которая подразумевала легкое развлекательное представление, где важным был не сюжет, а скорее популярные вокальные номера в исполнении кумиров публики.

Ближе всех к жанру мюзикла стоит оперетта. Как и в оперетте, язык мюзикла – бытовая и эстрадная музыка. Но в мюзикле большее внимание отводится литературной основе, его действие более насыщенно, в оперетте же главный элемент – музыка.

Тонкими нитями мюзикл связан и с джазом. С 10-20-х годов трудно найти любое эстрадное представление, где не было джазовых номеров; его музыкальный язык стал одной их главных составляющих американской музыки, что повлияло и на музыкальный язык мюзикла.

История мюзикла – это процесс постепенного сплава отдельных жанров. «Жанр возник где-то между 1900-1950 годами, когда именно, – мнения расходятся. Во всяком случае, понадобилось четверть века, прежде чем из конгломерата предшествующих форм образовалась чисто американская музыкальная комедия. И прошло еще около четверти века, пока не сформировался мюзикл как самостоятельная театральная форма, выросшая на американской почве и отвечающая умонастроениям, ритму и образу жизни американцев» (39, с. 43).

В 20-е годы, в период американского экономического процветания, повысился спрос на развлекательное искусство. Именно тогда мюзикл начинает особенно интенсивно развиваться. В период 20-х и 30-х годов, с приходом новых американских композиторов Джерома Керна, Джорджа Гершвина, Кола Портера и других, мюзикл приобретает истинную американскую окраску. Усложнилось либретто, в ритмах стало заметно влияние джаза, рэгтайма, в песнях появились типичные американские обороты. Многие песни из мюзиклов стали музыкальной классикой. Значительно возросло актёрское мастерство певцов. В 1932 году Джордж Гершвин впервые награждён Пулицеровской премией за работу над мюзиклом «Пою о тебе» (1931). При совместной работе Роджерса и Хаммерстайна II появились такие постановки, как «Оклахома!» (1943), «Карусель» (1945), «Саут-Пасифик» (1949), отличавшиеся высоким уровнем драматургии. Они имели ошеломительный успех у публики.

После Второй мировой войны фабула мюзиклов стала более серьёзной. В 50-е годы на эстраде появились произведения, которые по полному праву можно назвать первыми «шедеврами» жанра мюзикла. С разницей в один год выходят постановки «Моя прекрасная леди» Лоу (1956)и «Вестсайдская история» Бернстайна (1957). «Моя прекрасная леди» американского композитора Фредерика Лоу (1901-1988) написана по пьесе Бернарда Шоу «Пигмалион». Особую популярность мюзиклу принесла его киноверсия, мелодии пьесы зазвучали по всему миру. Американский дирижер, пианист и композитор Леонард Бернстайн (1918-1990) за литературную основу своего мюзикла «Вестсайдская история» взял шекспировскую трагедию «Ромео и Джульетта», но при этом действие перенес современный Нью-Йорк. Два враждующих рода Монтекки и Капулетти превратились молодежные группировки «Ракеты» и «Акулы». Мюзикл Бернстайна обозначил растущее значение хореографии. С тех пор артист мюзикла должен был идеально сочетать качества актера, певца и танцовщика.

В конце 60-х годов XX века под влиянием новых музыкальных стилей приходит новое понимание мюзикла как жанра. В спектакле «Волосы» Г. Макдермота (1967) нашли отражение модные тогда идеи хиппи, тем самым постановка получила название «мюзикла первобытного американского лирического рока». С 70-х годов количество спектаклей сокращается, однако декорации и костюмы новых мюзиклов становятся более роскошными.

Англо-американская монополия мюзиклов прекратилась в 1985 году, когда на лондонской сцене состоялась премьера французской постановки «Отверженные» Мишеля Шонберга по мотивам одноимённого романа Гюго. Особую популярность получил мюзикл «Нотр-Дам де Пари» («Собор Парижской Богоматери») Риккардо Коччианте (1998), написанный также по роману Гюго. Достижение французской сцены последних лет – «10 заповедей» с музыкой Паскаля Обиспо (2001).

С постановки «Орфея и Эвридики» Александра Журбина (в 1975 году) начинается история «русского мюзикла». Этот спектакль до сих пор звучит в репертуаре Санкт- Петербургского театра «Рок-опера».

Но особая страница в истории российских мюзиклов – это постановки Александра Рыбникова (род.1945). Его произведения подобно и другим мировым мюзиклам, написаны на границе мюзикл- и рок-культур. В 1976 году состоялась премьера рок-оперы «Звезда и смерть Хоакина Мурьеты». В 1981 году в Московском театре имени Ленинского комсомола состоялась премьера «Юнона и Авось» по поэме Андрея Вознесенского. Музыка этого спектакля – микст различных жанров: эстрадной песни, английского арт-рока, русской православной молитвы, элементов оперы. Выпущенный в 1983 году, альбом «Юнона и Авось» занял 1-е место в хит-параде; спектакль за 20 лет выдержал более 700 представлений и идет до сих пор с неизменным аншлагом.

В 2001 году был поставлен, как назвали его авторы, «первый российский мюзикл» «Норд-Ост». Музыка, либретто и постановка – Алексея Иващенко и Георгия Васильева (получивших известность в мире бардовской песни как «Иваси»). Мюзикл основан на версии романа В.Каверина «Два капитана». К сожалению, в 2004 году спектакль закончил свою «сценическую жизнь», что было последствием страшного террористического акта, устроенного чеченскими боевиками на спектакле.

90-е годы – начало русского «мюзикл-бизнеса». За последние годы на столичных сценах поставлены самые знаменитые мировые мюзиклы: «Чикаго» американца Джона Кэндера, «Метро» польского композитора Януша Стоклоса, «Нотр-Дам де Пари» Риккардо Коччианте (известна фраза композитора, французу по матери, итальянцу по отцу: «начинаю фразу по-французски, а заканчиваю ее по-итальянски»).

Мюзикл – объект бизнеса и мощная развлекательная индустрия. Один из самых известных спектаклей композитора Ирвинга Берлина посвящен самому мюзиклу и называется «Нет лучше бизнеса, чем шоу-бизнес». Главная фигура в мюзикле – продюсер, а не режиссер или артист. Бывает, что спектакль ставится в расчете на звезду, но столь же часто звездами становятся безвестные артисты, успешно выступившие в мюзикле. Поскольку музыка и стихи обычно пишутся под конкретное сценическое решение, то авторские права распространяются и на мизансцены, декорации, световое оформление. Постановки обычно стоят от одного до двух миллионов долларов. Но затраты, как правило, многократно окупаются: в проекте сразу предусматриваются и экранизации, и прокат спектакля на разных площадках, и его воспроизведение другими труппами. Мюзикл – это не только само сценическое действие, это и продажа аудиозаписей, сувениров с его символикой.

Историю современного музыкального театра невозможно себе представить без имени британского композитора Эндрю Ллойд-Уэббера – автора самых успешных и популярных мюзиклов. Его роль в развитии современного мюзикла трудно переоценить, его не зря называют «королем музыкального театра». Творчество Уэббера – «лицо современного мюзикла». Мировую известность Эндрю Ллойд-Уэббер получил после выхода в свет в 1970 году его четвертого театрального сочинения с соавтором, либреттистом Тимом Райсом рок-оперы «Иисус Христос − Суперзвезда». «Иисус Христос − Суперзвезда» был новым словом в музыкальном театре. Соединение рок-музыки с классическими мотивами, использование современной лексики в текстах, их высокое качество, так называемый принцип «sung-through» (вся история рассказывается исключительно посредством песен, без использования не поющихся диалогов), – все это сделало «Суперзвезду» настоящим хитом.

В 1980-е годы произошла «историческая встреча» Уэббера с продюсером Камероном Макинтошем, с которым Эндрю перешел к постановке дорогостоящих, роскошных, высокотехнологичных постановок. Спектакли «Кошки» (1981), «Звездный экспресс»(1984), «Призрак оперы» (1986) – не только яркие шоу с замечательной музыкой, но и великолепно выполненные коммерческие проекты. Большая ставка делалась на технические «чудеса» – в «Призраке оперы», например, на зрителей падала люстра, а в «Звездном экспрессе» все актеры были поставлены на ролики.

Мюзикл «Кошки» сделал своего автора миллионером и стал самым долгоиграющим мюзиклом за всю историю существования этого жанра.

Сам композитор признался, что произведение появилось на свет благодаря его восхищению знаменитой «Книгой старого Опоссума о кошках», написанной великим английским поэтом, лауреатом Нобелевской премии Т. С. Элиотом. Эта книга – одна из любимых книг английской детворы. Элиот Томас Стернз (1885-1965) – англо-американский поэт. Цикл стихотворений Томаса Стернза Элиота «Популярная наука о кошках, написанная старым опоссумом» долгое время считался второстепенным на фоне серьезных, не всегда простых для восприятия философских сочинений поэта. Во всем мире известна любовь англичан к кошкам. Элиот не только держал у себя дома кошек, но и охотно придумывал, по просьбе друзей и знакомых, необычные клички их усатым любимцам. Одни имена получались смешными и абсурдными, но звучными, другие попроще, но все они соответствовали кошачьим характерам. С 1931 7 года Элиот начал сочинять забавные стихотворения о кошках для своих крестников, подписывая их «Старый Опоссум». «Популярная наука о кошках, написанная старым опоссумом» вышла в свет в 1938 году с рисунками Элиота на суперобложке и на обложке.

Композитор довольно долго работал над литературным текстом этого сочинения. Четыре года, с 1977 года при участии в этом вдовы Т. С. Элиота Валери Элиот, которая очень помогла Уэбберу в отборе материала, и особенно тем, что предоставила неопубликованные фрагменты из рукописей Элиота, среди которых была и «Гризабелла». «Она-то и дала мне решающий драматургический импульс», – пишет композитор. Немалую роль при составлении либретто сыграл и режиссер Тревор Нанн (по элиотовским мотивам им написан текст самой популярной песни «Мемори»).

Сюжет «Кошек» состоит в следующем. Ночью на окраине Лондона ежегодно устраивается «кошачий бал», на который собираются кошки со всего города, домашние и беспризорные, чтобы посоревноваться и поспорить – кто из них достоин главного приза. Главный приз – получение возможности прожить жизнь еще раз. Получение приза доверено объявить вожаку – коту по имени Старый Дьютерономи (Второзаконие). Сей незамысловатый сюжет дает возможность каждой кошке рассказать свою историю.

Отсюда главный принцип построения целого – сюитный. Но своеобразие драматургического метода Уэббера заключается в совмещении сюитного, контрастно-составного принципа структуры целого и методов симфонизации. В первую очередь, это касается системы лейтмотивов, повторяющихся тем, как вокальных, так и инструментальных. Это, прежде всего, тема увертюры, первого хора ««Джеллейные кошки», «Мемори», тема Старого Дьютерономи. Поэтому музыка «Кошек» сочетает разнообразие, но вместе с тем производит впечатление цельности.

Музыка «Кошек» – «микст» − смешение «разных музык»: средств симфонической и оперной музыки, рока, джаза, современной шлягерности.

Уэббер – маститый оркестровщик. Небольшой оркестр (двадцать четыре человека), включающий струнные, духовые, электронную ритм-группу, звучит в разных оттенках, то по-симфонически, то в «драйве» рок-музыки, то «сладостно-«бродвейски».

Мюзикл начинается увертюрой. Одна за другой появляются кошки. Кошачье племя, называющее себя Jellicle Cats (по разным переводам: «Джеллейные кошки», «Лапушки-кошки»), собирается на ежегодный праздник.

Джеллейные кошки - все как одна -

Покинут на ночь родной квартал:

Джеллейная светит сегодня луна,

Сегодня у кошек Джеллейный Бал.

Джеллейные кошки белы и черны,

Джеллейные кошки довольно малы:

В черную бурную ночь без Луны

Они снуют из углов в углы.

А днем, если солнце начнет палить,

Они засыпают - все до одной, -

Чтобы при полном параде открыть

Джеллейный Бал под Джеллейной Луной.

Джеллейные кошки черны и белы,

Джеллейные кошки хитры и умны,

Джеллейные кошки довольно малы,

Зато изумительно сложены.

В этом прологе мы узнаем, в чем состоит их исключительность. Первый хор построен на контрасте двух пластов – используются «арсеналы» опус-музыки, здесь встречаются кластеры, диссонансы, в вокальной партии мелодические ходы на тритон, септиму и нону.

Но вместе с тем припев – область «ударных» интонаций современной эстрады. В этом номере есть и еще один контрастный эпизод, заставляющий вспомнить о многовековых хоровых английских традициях.

В следующем эпизоде кошки раскрывают зрителям тайну трех кошачьих имен – повседневного имени, имени, которым они зовут друг друга между собой и, наконец, тайного имени кота, над смыслом которого размышляют кошки, когда мы застаем их в крайней задумчивости. Под таинственную, фантастическую партию оркестра звучит «хоровой речитатив» кошек:

Сказа - несказанное,

Несказанное - анное,

Непроизносимое

Тайное Имя.

Манкустрап, огромный серый кот, выступающий в роли распорядителя на кошачьем празднике, объясняет о назначении бала. Дальнейшее действие состоит из танцевально-вокальных номеров, во время которых кошки либо выдвигают достойные кандидатуры на возрождение, либо сами рассказывают о себе: Дженниэнидотс, толстая ленивая кошка, денди и завсегдатай лондонских клубов Бастофер Джонс, Мангоджерри и Рамплтизер(бродяги, клоуны и проказники) – в первом действии, старый кот-театрал Гус, Скимблшенкс, железнодорожный кот – во втором.

Принцип сюитной контрастности – главный в композиции «Кошек». Особенно он обострен в показе двух персонажей – Рам Там Таггера и Гризабеллы.

Рам Там Таггер – кот-мачо, от которого женская половина кошачьего народа просто без ума. Характер у Рам Там Таггера противоречивый, он никак не может решить, что же ему нужно, оттого он ужасно капризный тип: «Рам Там Таггер − это «кот-наоборот»: «Дай ему крылышко – потребует ножку. Пусти его к окошку – в подвал скользнет, пусти его в подвал – он скользнет к окошку». Музыкальная сфера этого образа ближе к джаз-року, ощущаются и рок-н- ролльные мотивы, а в пластический образ Рам Там Таггера напоминает манеры Элвиса Пресли.

Гризабелла, пожалуй, главный персонаж мюзикла. Гризабелла, бывшая красавица и модница, возвратилась из странствий опустившейся, искалеченной старухой и кошки относятся к ней с неприязнью. Инструментальная тема Гризабеллы написана в духе старинной пассакальи и неизменно сопровождает её вокальный номер. Этот эпизод построен на контрасте скорбной речитативно-декламационной и песенной частей (пример 131).

О влиянии Пуччини на мелодику Э. Л. Уэббера отмечают многие исследователи. Особенно это касается «Мемори», но и сам композитор это не отрицает: «Каждый скажет, что это в стиле Пуччини, − язвительно замечает сам Э. Л. Уэббер, − поскольку это так и есть» (117).

131

Гризабелла – лирическая героиня спектакля, именно ей отданы самые прекрасные стихи и мелодии, именно она поет в конце 1-го и 2-го актов знаменитую «Мемори» − «Память».

Вы, дверь открыв, крыльцо залили светом,

На пороге – она. Её ваш выход привел в дрожь.

Край платья рваный у неё, в песке испачканный.

Это взгляд! Край глаза у нее крив как витая брошь.

Она бродяга и ей знаком в округе каждый ночлежный дом.

Она кочевать устала зря от пустыря и до пустыря.

Почтальон ей вслед обронил слова:

«Я думал, она давно мертва. Кто б знал, что на дно отправится

Гризабелла – красавица».

Полночь, бледно светит луна.

Ночь звездный плащ расстилает над пустыней дорог.

Желтым светом мерцают листья, вьются у ног,

Ветер странствий в путь зовет.

Память, дай же сердцу покоя,

Что прошло, то прошло, быльем-травой поросло

И осталось позади…

Счастье, мимолетное счастье, долгожданное счастье

Наступившего дня.

Пролетая, легко своим волшебным крылом

Ты дотронься до меня.

Еще одна лирическая страница мюзикла – встреча кошек со Старым Дьютерономи. Его имя означает «Второзаконие» (одна из книг библейского Пятикнижия) или «Очень Старый кот».

Кот по прозванию Второзаконие
Стал достояньем молвы и истории.
Когда еще помнили о церемонии
Вступленья на трон королевы Виктории.
Он прожил одиннадцать жизней подряд
И пережил трижды одиннадцать жен,
И нажил премного пра-пра-правнучат,
И жив, и на солнышке греется он.
Завидев его, старичок старожил
Глядит изумленно, еще изумленнее
Бормочет: «Позвольте... Но, право, нет сил
Поверить... Но это же вижу я сам...
О Боже! Похоже...
А может быть, все же поверить глазам...
Ведь право же, это же Второзаконие!»