Богатырская» симфония

Название «Богатырская» симфонии дал В. Стасов, утверждавший: «Сам Бородин мне рассказывал, что в адажио он желал нарисовать фигуру Баяна, в первой части – собрание русских богатырей, в финале – сцену богатырского пира при звуке гуслей, при ликовании великой народной толпы». Обнародованная уже после смерти Бородина, эта программа, однако, не может считаться авторской.

«Богатырская» стала классическим образцом эпического симфонизма. Каждая из ее четырех частей представляет определенный ракурс действительности, вместе создавая целостную картину мира. В первой части мир представлен как героика, в скерцо – мир как игра, в медленной части – мир как лирика и драма, в финале – мир как общая идея.

[1] Известно, что некоторые материалы, предназначавшиеся сначала для оперы, затем были использованы в симфонии. В частности, начальная тема первоначально задумывалась как тема половецкого хора в «Игоре».

[2] Бородин хорошо знал и ценил оба листовских концерта.

[3] встречается в восточной музыке, у Шостаковича – монограмма. Интересно, что ладовые детали главной темы – II низкая, IV низкая (dis) – намечают важные вехи дальнейшего тонального развития части: начало разработки – C-dur, побочная в репризе – Es-dur.

[4] Происхождение ее – фразы-продолжения побочной, а танцевольность – из главной темы.

[5] По модели «Богатырской» симфонии созданы Пятая симфония Глазунова, Пятая симфония Мясковского, Пятая симфония Прокофьева.

43. Камерная музыка Бородина:

44. Кюи:

композитор:

Реформаторские начинания в области драматической музыки, отчасти под влиянием Даргомыжского, в противовес условностям и банальностям итальянской оперы выразились в опере «Вильям Ратклиф» (на сюжет Гейне), начатой (в 1861 г.) ещё ранее «Каменного Гостя». Единение музыки и текста, тщательная разработка вокальных партий, применение в них не столько кантилены (всё же являющейся там, где требует текст), сколько мелодического, певучего речитатива, трактовка хора, как выразителя жизни масс, симфоничность оркестрового сопровождения — все эти особенности, в связи с достоинствами музыки, красивой, изящной и оригинальной (особенно в гармонии) сделали «Ратклифа» новым этапом в развитии русской оперы, хотя музыка «Ратклифа» и не имеет национального отпечатка. Слабейшей стороной партитуры «Ратклифа» была оркестровка. Значение «Ратклифа», поставленного в Мариинском театре (1869), не было оценено публикой, может быть, и ввиду неряшливого исполнения, против которого протестовал сам автор (письмом в редакцию «Санкт-Петербургских Ведомостей»), прося публику не посещать представлений его оперы (о «Ратклифе» см. статью Римского-Корсакова в «Санкт-Петербургских Ведомостях» 14 февраля 1869 г. и в посмертном издании его статей). «Ратклиф» вновь появился в репертуаре лишь спустя 30 лет (на частной сцене в Москве). Подобная же участь постигла «Анджело» (1871—1875, на сюжет В. Гюго), где те же оперные принципы получили свое полное завершение. Поставленная в Мариинском театре (1876), опера эта в репертуаре не удержалась и возобновлена была лишь на несколько представлений на той же сцене в 1910 г., в ознаменование 50-летия композиторской деятельности автора. Больший успех «Анджело» имел в Москве (Большой театр, 1901). К тому же времени (1872) относится и «Млада» (1 акт; см. Бородин). Рядом с «Анджело» по художественной законченности и значительности музыки можно поставить оперу «Flibustier» (русский перевод — «У моря»), написанную (1888—1889) на текст Жана Ришпена и шедшую, без особого успеха, только в Париже, на сцене Opera Comique (1894). В музыке её французский текст трактован с той же правдивой выразительностью, как русский — в русских операх Кюи. В остальных произведениях драматической музыки: «Сарацин» (на сюжет «Карл VII у своих вассалов» А. Дюма, соч. 1896—1898; Мариинский театр, 1899); «Пир во время чумы» (соч. 1900; исполнена в Санкт-Петербурге и Москве); «M-lle Фифи» (соч. 1900, на сюжет Мопассана; исполнена в Москве и Петрограде); «Матео Фальконе» (соч. 1901, по Мериме и Жуковскому, исполнена в Москве) и «Капитанская Дочка» (соч. 1907—1909, Мариинский театр, 1911; в Москве, 1913) Кюи, не изменяя резко своим прежним оперным принципам, отдает (отчасти в зависимости от текста) явное предпочтение кантилене. При жизни вышли пять сборников стихов А. Н. Плещеева, последний из них — в 1887 году. Самым значительным из посмертных считается издание, вышедшее под редакцией П. В. Быкова: «Стихотворения А. Н. Плещеева (1844—1891). Четвёртое, дополненное издание». Спб, 1905. Поэтические произведения Плещеева в советское время издавались в Большой и Малой сериях «Библиотеки поэта»[6]: 237. В отдельную рубрику следует выделить оперы для детей: «Снежный богатырь» (1904); «Красная Шапочка» (1911); «Кот в сапогах» (1912); «Иванушка-дурачок» (1913). В них, как и в своих детских песнях, Кюи проявил много простоты, нежности, грации, остроумия.

После опер наибольшее художественное значение имеют романсы Кюи (около 400), в которых он отказался от куплетной формы и от повторений текста, находящего всегда правдивое выражение как в вокальной партии, замечательной по красоте мелодии и по мастерской декламации, так и в сопровождении, отличающемся богатой гармонией и прекрасной фортепианной звучностью. Выбор текстов для романсов сделан с большим вкусом. Большей частью они чисто лирические — область, самая близкая таланту Кюи; он достигает в ней не столько силы страстности, сколько теплоты и искренности чувства, не столько широты размаха, сколько изящества и тщательной отделки деталей. Иногда в нескольких тактах на коротенький текст Кюи даёт целую психологическую картинку. Среди романсов Кюи есть и повествовательные, и описательные, и юмористические. В позднейший период творчества Кюи стремится выпускать в свет романсы в виде сборников на стихотворения одного и того же поэта (Ришпена, Пушкина, Некрасова, графа А. К. Толстого).

К вокальной музыке относятся ещё около 70 хоров и 2 кантаты: 1) «В честь 300-летия Дома Романовых» (1913) и 2) «Твой стих» (слова И. Гриневской), в память Лермонтова. В инструментальной музыке — для оркестра, струнного квартета и для отдельных инструментов — Кюи не так типичен, но и в этой области им написаны: 4 сюиты (одна из них — 4 — посвящена M-me Mercy d’Argenteau, большому другу Кюи, для распространения сочинений которого во Франции и Бельгии она сделала очень много), 2 скерцо, тарантелла (есть блестящая фортепьянная транскрипция Ф. Листа), «Marche solennelle» и вальс (ор. 65). Затем идут 3 струнных квартета, много пьес для фортепиано, для скрипки и для виолончели. Всего издано (до 1915 г.) 92 opus’a Кюи; в это число не входят оперы и другие сочинения (свыше 10), между прочим, конец 1-й сцены в «Каменном Госте» Даргомыжского (написанный согласно предсмертной воле последнего).

Талант Кюи — более лирический, чем драматический, хотя нередко он достигает в своих операх значительной силы трагизма; особенно ему удаются женские характеры. Мощь, грандиозность чужды его музыке. Всё грубое, безвкусное или банальное ему ненавистно. Он тщательно отделывает свои сочинения и скорее склонен к миниатюре, чем к широким построениям, к вариационной форме, чем к сонатной. Он неисчерпаемый мелодист, изобретательный до изысканности гармонист; менее разнообразен он в ритмике, редко обращается к контрапунктическим комбинациям и не вполне свободно владеет современными оркестровыми средствами. Его музыка, нося черты французского изящества и ясности стиля, славянской задушевности, полёта мысли и глубины чувства, лишена, за немногими исключениями, специально русского характера.

музыкальный критик:

Начавшаяся в 1864 г. («Санкт-Петербургские Ведомости») и продолжавшаяся до 1900 г. («Новости») музыкально-критическая деятельность Кюи имела большое значение в истории музыкального развития России. Боевой, прогрессивный характер (особенно в более раннем периоде), пламенная пропаганда Глинки и «новой русской музыкальной школы», литературный блеск, остроумие создали ему, как критику, огромное влияние. Он пропагандировал русскую музыку и за границей, сотрудничая во французской прессе и издав статьи свои из «Revue et gazette musicale» (1878—1880) отдельной книжкой «La musique en Russie» (П., 1880). К крайним увлечениям Кюи относится его умаление классиков (Моцарта, Мендельсона) и отрицательное отношение к Рихарду Вагнеру. Отдельно изданы им: «Кольцо Нибелунгов» (1889); «История фортепианной литературы» курс А. Рубинштейна (1889); «Русский романс» (СПб., 1896).

С 1864 выступал как музыкальный критик, отстаивая принципы реализма и народности в музыке, пропагандируя творчество М. И. Глинки, А. С. Даргомыжского и молодых представителей «Новой русской школы», а также новаторские течения зарубежной музыки. В роли критика он часто публиковал разгромные статьи на творчество Чайковского. Опера Кюи Мариинский театр, Санкт-Петербург) отразила эстетические установки «Могучей кучки». Вместе с тем Кюи как критику присущи романтическая условность, ходульность образов, свойственные его творчеству и в дальнейшем. Систематическая музыкально-критическая деятельность Кюи продолжалась до начала 1900-х гг.