Артисты балета московской сцены (В.В. Васильев, М.Э. Лиепа, Б.Б. Акимов, М.Л. Лавровский)

Танце­вальные свершения Владимира Викторовича Васильева (р. 1940 г.) представляются венцом исполнительских достижений отечественного творчества XX века. Он гениальный виртуоз-танцовщик, гениальный актер в танце, выда­ющийся хореограф, всегда убежденный в определенных эстетических прин­ципах. Васильев одновременно педагог-наставник, балетный теоретик и автор профессиональных интереснейших публикаций, ведущий телепередач, хо­роший спортсмен в разных видах спорта и даже живописец и поэт.

Родился в Москве. Его отец – Виктор Иванович – прошел всю войну и в 1945 г. вернулся домой. Мать – Татьяна Яковлевна – в три смены работала на производстве. Васильев с детства любил танцевать и записался в танцевальный кружок. Его первым педагогом была Е.Р. Россе, которая сразу отметила одаренность ученика. Уже через год стал заниматься в городском Дворце пионеров, в знаменитом Ансамбле песни и пляски под руководством В.С. Локтева.

Поступил в Московское хореографическое училище, где учился в одном классе с Екатериной Максимовой. Их сразу поставили в пару, и Васильев обратил внимание на будущую балерину. Владимир Викторович вспоминает: «Общаться мы начали, когда мне было 9, а ей 10 лет. Не знаю, когда у нас возникла любовь. Наверное, нам тогда было уже 15, может, по 16 лет. До этого мы относились друг к другу, как все мальчики к девочкам относятся. Наша любовь вспыхнула как-то по-юношески….».[107] Поженятся они в 1961 г., когда третий год будут работать в Большом театре.

Окончил училище по классу М.М. Габовича, знаменитого премьера Большого театра. Выпускался в характерной партии Джотто в балете «Франческа да Римини» на музыку П.И. Чайковского. 26 августа 1958 г. Владимир Васильев был принят в балетную труппу Большого театра. Из училища он выпускался как деми-характерный танцовщик и даже не думал танцевать классику. Однако было что-то в молодом танцовщике, что обратило на него внимание великой Галины Улановой, и она предложила ему быть ее партнером в классическом балете «Шопениана». Галина Сергеевна на многие годы станет другом, педагогом и репетитором Васильева и окажет огромное влияние на профессиональное и духовное формирование артиста.

В Большом театре Васильев занимался в «звездном классе» А.М. Мессерера, совершенствуя академическую фор­му. Но особенно органичным было содружество с педагогом-репетитором А.Н. Ермолаевым, все лучшие партии танцовщика – плод их совместной вдохновенной ра­боты.

Первые сольные роли на сцене Большого театра подчеркивали «русскость» Васильева – Данила в «Каменном цветке», Иванушка в «Коньке-Горбунке», Петрушка в одноименном балете. Одновременно он танцевал в «Шопениане», подготовил партию Принца в «Золушке» Р.В. Захарова, Батыра в якобсоновском «Шурале». В 1962 г. он впервые исполнил Базиля в «Дон Кихоте», постоянно наращивая виртуоз­ность в этой партии. После Васильева Базиль на балетной сцене представал уже по-другому. Иным по стилю и характеру был Альберт в «Жизели», которого он «танцевал до завершения исполнительской карьеры, до мельчайших деталей выверенная сценическая роль, где малейший жест, нюансы поведения раскрывали характер героя».[108] Его замечательные роли-свершения в балетах «Лейли и Меджнун», Фрондосо в «Лауренсии», Ро­мео и Дезире, Принц-Щелкунчик, Иван Грозный, Сергей в советском балете «Ангара». Партия Спартака в постановке Ю.Н. Григоровича пронизана сквозной идеей прославления подвига. Спартак-Васильев поражал монументальностью облика, его герой виделся самым сильным и непобедимым. Его Спартак – символ советского балета.

Безусловно, главным «оружием» танцовщика является именно техника танца: уникальные по темпу и количеству вращения, огромной мощи пры­жок, скульптурная надежность в партнерстве с балериной. Именно это увидел в нем Юрий Григорович – Васильев танцевал почти все спектакли балетмейстера, в которых хореограф экспериментировал в усилении технических трудностей муж­ского классического танца, давал новые параметры техники. Владимир Васильев был первым исполнителем центральных партий в его постановках: Щелкунчик (1966 г.), Голубая птица (1963 г.) и принц Дезире (1973 г.) в балетах П.И. Чайковского «Щелкунчик» и «Спящая красавица»; знаменитый Спартак в одноименном балете А.И. Хачатуряна (1968 г.), Иван Грозный в одноименном балете на музыку С.С. Прокофьева (1975 г., вторая премьера), Сергей в «Ангаре» А.Я. Эшпая (1976 г., Государственная премия). Однако постепенно между Васильевым и Ю.Н. Григоровичем наметилось серьезное различие в творческих позициях, переросшее в конфликт, в результате которого в 1988 г. В.В. Васильев, Е.С. Максимова, как и ряд других ведущих солистов, были вынуждены расстаться с Большим театром.

Особенно хотелось бы отметить исполнение Васильевым партии Спартака в одноименном балете, который занял особое место в его балетной судьбе. Васильев создал на сцене героический образ Спартака, исполнив эту партию в балете Ю.Н. Григоровича. Партия Спартака была очень сложна технически, танцовщику необходимо было проявить в ней высочайший в то время уровень хореографической техники, и танцовщик справился с этой задачей блестяще. Артистизм Васильева позволил ему создать не только хореографически совершенный, но и крайне выразительный, убедительный образ героя, борющегося за свободу. «Парящие прыжки танцовщика через всю сцену запомнились любителям балета не меньше, чем Улановская «пробежка» Джульетты. В них – благородный порыв героя, обреченного и на скорую смерть, и на бессмертие».[109] За эту роль Васильев был удостоен Ленинской премии и премии Ленинского комсомола.

На пике исполнительства Васильев сочинил свой первый балет «Икар» на музыку С.М. Слонимского в 1971 г. Уже в первой работе проявляются отличительные особенности хореографического почерка Васильева – необычайная музыкальность и умение раскрывать в пластике тончайшие оттенки человеческих чувств. Показанный на огромной сцене Кремлевского дворца в стилистике древнегреческого театра, спектакль поражал сценографической грандиозностью, звучащими хорами, глубиной философ­ского абстрагированного замысла, непривычного в контексте советского балета того времени.

Балет «Макбет» на музыку Кирилла Молчанова увидел свет рам­пы в 1980 г. в Большом театре с Ниной Тимофеевой в главной партии леди Макбет и Владимиром Васильевым в роли Макбета, которую он сочинял для себя. Тот первый состав был неповторим, как и все первые. В «Макбете» Васильев «продемонстрировал абсолютный профессиона­лизм в сочинении развернутого шекспировского полотна, проявив и вдохно­венный талант и умение».[110] Овладеть профессиональными приемами создания развер­нутого балета-пьесы на основе музыкально-танцевальной образности – не­легкая задача, которая по плечу лишь подлинным профессионалам.

Еще раньше, в 1978 г., он показал бессюжетные картины под наз­ванием «Эти чарующие звуки» на музыку старинных композиторов Рамо, Моцарта, Торелли и Корелли, словно стремясь доказать, что не только сю­жетный балет ему интересен и доступен, но и абстрактный стиль «музыкаль­ного танца». В постановке были заняты ведущие солисты Большого театра, для которых участие в ней стало своеобразной пробой в ином хореографичес­ком жанре.

Последним принципиально значимым опытом Васильева-постановщи­ка в советский период была знаменитая «Анюта» в 1986 г. на музыку выдаю­щегося русского композитора Валерия Гаврилина с Екатериной Максимовой в главной роли. Это была одна из самых удавшихся ролей прима-балерины, где лиризм, нежность, страсть сочетались с комедийностью. Без Максимо­вой «Анюта» меркла и обеднялась. Для сюжетного мотива балетного спектакля Васильев взял рассказ А.П. Чехова «Анна на шее», повествующего о судьбе бедной провинциальной красавицы, отданной в жены немолодому серому чиновнику, которому она принесла орден Анны в обмен на снисходительность к ухаживаниям богатых поклонников. «Анюта» признана несомненным достижением советского балетного театра, была растиражирована на разных сценах, в том числе поставлена в театре «Сан-Карло» в Неаполе.

Среди других спектаклей Васильева композиция на музыку русских композиторов «В честь Улановой, или Я хочу танцевать», «Фрагменты одной биографии» (на аргентинскую музыку). В советский период создается и новая версия «Ромео и Джульетты» на сцене театра им. К.С. Станиславского и В.И. Немировича-Данченко в 1990 г., где Васильев экспериментировал в постановочных поисках, поместив на сцене оркестр и разделив сцени­ческое пространство на два уровня. В спектакле ощущалась чрезмерная на­сыщенная танцевальность, почти без пантомимных пауз, при сложностях постоянного перемещения артистов «с этажа на этаж». В том же 1990 г. родилась его «Золушка» на сцене Кремлевского дворца с Екатериной Максимовой и Андрисом Лиепой в главных партиях. Сам Васильев исполнял роль Мачехи, притом настолько сочно и ярко, что отвлек трактовку прокофьевского сочинения в сторону жесткого гротеска.

Большой интерес вызывает у Васильева и педагогическая деятельность. В 1982 г. он оканчивает хореографический факультет ГИТИСа по специальности балетмейстер-постановщик и с этого же года начинает там преподавать. С 1985 по 1995 гг. Васильев являлся заведующим кафедрой хореографии ГИТИСа (РАТИ). В 1989 году ему присвоено ученое звание профессора.

В 1995 г. Указом Президента РФ В.В. Васильев был назначен Художественным руководителем–директором Большого театра. Васильеву удалось вывести театр из тяжелого кризисного состояния, в котором он находился в те годы. Была утверждена современная контрактная система, возродились традиции бенефисов: кордебалета, хора и оркестра, были организованы собственная Видеостудия театра и выпуск постоянного цикла передач на телеканале «Культура» и т.д. В сентябре 2000 г. Васильев был освобожден от занимаемой должности.

Васильев – звезда мирового уровня, у него масса титулов и наград: в 1964 г. им получен Гран-при Международного кон­курса балета в Варне, единственный Гран-при этого конкурса в области мужского танца, тогда же Васильев удостоен Премии Вацлава Нижинского и зва­ния Лучшего танцовщика мира, в 1972-м – Премии Мариуса Петипа Па­рижской академии танца за «Лучший дуэт мира» вместе с Екатериной Мак­симовой и многие другие.

Васильев – народный артист СССР в полном смысле этого звания. Им восхищаются, его любят в народе, так как его творчество перешагнуло барье­ры балетного цеха и вышло на широкую публику благодаря кино-, фото-, видеосъемкам, телефильмам, частой трансляции его выступлений.

Значительное место в искусстве артиста занимала его зарубежная деятельность. Он танцевал у Бежара в специально поставленном для него «Петрушке», у Ролана Пети в спектакле «Голубой ангел», у Лорки Мясина в «Греке Зорба». Васильев часто работает с итальянским театром Сан Карло, в совер­шенстве владеет языком и выступает в одном спектакле с известными драма­тическими актерами Италии.

Владимир Васильев стал олицетворением таланта нации и гордостью русского балета XX века. «Васильев – это гениальное исключение из правил. Он обладает феноменальным талантом в технике и в актерском мастерстве, и во владении танцевальной фразой, и в музыкальности, и в умении перевоплощаться», [111] – так говорил о нем легендарный Марис Лиепа.

Марис Эдуардович Лиепа (1936-1989) родился 27 июля 1936 г. в Риге, столице Латвии. Его отец, Эдуард Лиепа, работал машинистом сцены Латвийской национальной оперы. Марис в детстве часто болел, и по совету друга отца (директора балетной студии) в целях укрепления здоровья, родители отдали сына в балетную студию при Латвийской опере, впоследствии преобразованную в Рижское хореографическое училище. В училище педагогом Лиепы стал В.Т. Блинов, в прошлом характерный танцовщик. Затем Лиепу как перспективного ученика перевели в Московское академическое хореографическое училище (МАХУ). Перевод состоялся в 1953 году: два последних года будущий танцовщик учился в МАХУ в классе Николая Тарасова, ученика Н.Г. Легата.

В 1955 г. Лиепа с отличием окончил Московское академическое хореографическое училище, имея все шансы остаться в Москве, но Министерство культуры Латвийской республики потребовало возвращения выпускника МАХУ в Ригу. За год работы в Государственном театре оперы и балеты Латвийской ССР он станцевал несколько сольных партий. А в 1956 г. поступил в труппу Московского театра им. Станиславского и Немировича-Данченко.

В 1960 г. Лиепа получил приглашение от главного балетмейстера Большого театра СССР Л.М. Лавровского поступить в труппу ведущего балетного театра страны. Танцовщик благородного стиля, он был удостоен Премии име­ни В.Ф. Нижинского и Премии Мариуса Петипа, которые прису­дили ему в Париже. И это признание Французской академии танца, по достоинству оценившей элегантность его исполнения. Марис Лиепа стремился к точности малейших деталей движений. Его трак­товки известных классических персонажей несли печать галантного «дон-жуанизма»: Базиль, Альберт, Дезире, Зигфрид, Вронский.

В 1961 г. Леонидом Лавровским впервые для Лиепы был поставлен балет – «Ночной город» на музыку Белы Бартока «Чудесный мандарин», в которой Марис станцевал партию Юноши. Но самым впечатляющим свер­шением артиста стала роль Красса в балете «Спартак» Ю.Н. Григоровича. Эта партия чрезвычайно сложна – она содержит «пять развернутых танцеваль­ных соло, кроме дуэтов и участия в массовых сценах. Лиепа превращался в хищную птицу, в олицетворение жестокой машины римского воинства».[112] В его исполнении балетные пассажи, большие батманы, прыжки жете, приобретали об­разный характер жестокой воли. Горделивая поступь римского патриция осталась в памяти нерасторжимой с личностью самого Лиепы. Его отличал артистизм интеллектуального склада. За роль Спартака артист был удостоен памятной медали имени К.С. Станиславского. До сих пор Лиепа остался единственным обладателем этой награды среди артистов балета.

1963 г. стал для танцовщика началом педагогической деятельности (ему исполнилось 27 лет) – он взял мужской класс в Московском академическом хореографическом училище, и началом творческой деятельности вне театра: именно в 1963 г. Лиепа впервые подготовил свой творческий вечер, прошедший на сцене Концертного зала им. П.И. Чайковского.

С середины 60-х гг. наступает период творческой зрелости артиста, который совпадает с приходом в Большой театр в 1964 году нового главного балетмейстера – Ю.Н. Григоровича. В 1965 г. Григорович перенес из Кировского в Большой театр свою знаменитую постановку «Легенды о любви». В этом спектакле Лиепа создал одну из своих лучших ролей в советском репертуаре – Ферхада. В 1970 г. артист станцевал в новой версии «Лебединого озера» Ю.Н. Григоровича.

Конец 60-х начало 70-х гг. – период триумфальных зарубежных гастролей Большого театра по всему миру, в том числе в ведущих балетных странах – во Франции, Англии и США. На этих гастролях Марис Лиепа получает мировое признание. В 1971 г. Марис Лиепа был признан Парижской академией танца лучшим танцовщиком года и награжден премией Вацлава Нижинского.

Постепенно отношения М.Э. Лиепы с Ю.Н. Григоровичем стали ухудшаться, это привело не только к ограничениям в занятости артиста в текущем репертуаре и гастролях, но и препятствиям в создании им новых партий. Низкая занятость в текущем репертуаре Большого театра привела танцовщика к необходимости поиска нового репертуара вне театра. В 1977-1979 гг. Лиепа подготовил и провел свои творческие вечера в Центральном концертном зале «Россия», где исполнил партию Хозе в «Кармен-Сюите» А. Лемберга и впервые в СССР – па-де-де из балета «Сильвия» в постановке Ф. Аштона.

Только через два года «безработицы» в театре по личному приказу Министра культуры СССР П.Н. Демичева 28 марта 1982 г. состоялось возвращение Лиепы на сцену Большого театра. Но триумфально станцованный в тот вечер Красс стал последним выступлением Мариса Лиепы на сцене любимого театра: его вынудили уйти на пенсию (артисту было 45 лет).

В 1983-85 гг. по приглашению болгарского правительства Марис Лиепа работал художественным руководителем балетной труппы в Софийской народной опере, где поставил 2 балета – «Дон Кихот» и «Спящую красавицу». В «Спящей» Лиепа создал свои последние игровые роли в балете – Короля Флорестана и Фею Карабосс. В 1985 г. болгарский балет отпраздновал 30-летие творческой деятельности Мариса Лиепы.

В 1989 г. Моссовет принял решение о создании Балетного театра Мариса Лиепы, художественное руководство которым должен был осуществлять сам Лиепа, а бывший ведущий характерный артист Большого театра Сергей Радченко должен был стать директором. Но 26 марта 1989 г. Марис Лиепа умер от инфаркта, а укомплектованная при его жизни труппа Балетного театра Мариса Лиепы была преобразована в «Фестиваль-балет» под руководством Сергея Радченко.

Борис Борисович Акимов (р. 1946 г.) родился в г. Вене (Австрия).Окончил Московское хореографическое училище по классу М.Э. Лиепы. В 1965 г. поступил в труппу Большого театра. Акимов стал продолжателем традиций своего учителя, его интеллектуального стиля, а также последующим исполнителем роли Красса. Трактовка Лиепы этого образа ока­залась столь яркой, что все дальнейшие его исполнители несли печать перво­го прочтения. Акимову удавалось это в максимальной степени. Техническая амплитуда его танца позволяла это делать: он исполнял лексический текст партии уже в усиленном звучании танцовщика следующего поколения. Его творчество в Большом театре сложилось таким образом, что он стал незаме­нимым солистом в новых современных постановках, но, прежде всего, партий второго плана, хотя по значимости в спектаклях они были равны с главными персонажами. Яркие внешние данные сочетались у Акимова с высокими про­фессиональными качествами классического танцовщика: мягкое плие, вы­сокий прыжок, большой шаг, стабильная виртуозность вращений и удивительная работоспособность, целенаправленность, позволившая молодому арти­сту победить травму и вернуться к активному творчеству.

Танцовщику, наделенному ярким даром артистизма, особенно был близок острый, экспрессивный язык современной хореографии. Созданные им персонажи отличались сложным, иногда противоречивым характером, силой скрытых страстей. Актерское дарование, мощный темперамент и экспрессивность исполнительской манеры делали Акимова незаменимым участником премьер современного репертуара. Среди его лучших ро­лей – образ Сергея в балете «Ангара», роль Ильяса вбалете «Асель», где артист также создал образ совре­менника во всей сложности и неоднозначности его характера, в «Лебедином озе­ре» в редакции Григоровича Акимову была поручена партия Злого гения, рав­нозначная по трудности партии Зигфрида (Злой гений представлен «вторым Я» Принца). Но особенно прославила Акимова партия Курбско­го в балете «Иван Грозный» Ю.Н. Григоровича. Хореограф использовал «профессиональную индивидуальность танцовщика, создавая лексическую партитуру этой партии, в которой отрицательный герой представал в неоднозначности своего негатив­ного обаяния». [113]

В расцвете исполнительской карьеры Акимов стал успешно зани­маться педагогической деятельностью и приобрел репутацию одного из лучших педагогов классического танца своего времени. В 1979 г. окончил педагогическое отделение Государственного института театрального искусства имени А.В. Луначарского, а в 1980-1988 гг. преподавал на кафедре хореографии ГИТИСа. Уже в постсоветское время занимал должность художественного руководителя труппы Большого театра. В 2001-2005 – профессор кафедры мужского классического и дуэтно-классического танца Московской государственной академии хореографии, в 2002-2000 – художественный руководитель академии.

Михаил Леонидович Лавровский (р. 1941 г.) родился 29 октября 1941 г. в Тбилиси в семье артистов балета. Его матерью была известная балерина Елена Чикваидзе, отцом – Леонид Лавровский, хореограф и в течение почти 20 лет главный балетмейстер. Он продолжил замечательную творческую тра­дицию своих родителей, представ одаренной личностью танцовщика и хорео­графа-сочинителя. Окончив Московское хореографическое училище по клас­су Н.И. Тарасова и Г.М. Евдокимова. В 1961-1988 гг. состоял в труппе Большого театра, совершенствуясь под руководством Алексея Ермолаева.

В 1965 г. он победил в Варненском конкурсе и стал танцовщиком экстра-класса, продолжив традицию героического танцевального стиля в советском балете. Мужествен­ные сильные характеры, которые создавал Лавровский на сцене, были окра­шены тонами романтической трагедийности. Особенно рельефным в этом плане представал его Альберт – герой балета «Жизель». За эту роль он полу­чил Премию имени В.Ф. Нижинского. Среди лучших партий Лавров­ского: Базиль, Ромео, Щелкунчик, Ферхад и многие другие. Яркий сценический темперамент, эмоциональность сочета­лись с виртуозной техникой: «Михаил Лавровский в партии Спартака в новом балете Большого театра, продемонстрировал самый впечатляющий мужской танец, который я когда-либо видел. Только в превосходных степенях можно описать эту поистине героическую интерпретацию: мощь физической силы, благородство переживаний, красота выражения. Такого танцевального эпоса мы еще не видели», [114] - писал известный английский балетный критик Клемент Крисп. Роль Спартака принесла Лавровскому Ленинскую премию, открыла и утвердила творческую индивидуальность актера как героического танцовщика.

Окончив балетмейстерский факультет ГИТИСа, Лавровский подтвердил свой незаурядный талант хореографа. В 1980-е годы он руководил балетной труппой Тбилисского театра оперы и балета, поставил самобытный спектакль «Порги и Бесс» на музыку Дж. Гершвина, где сам исполнил партию главного ге­роя. Еще раньше с успехом были показаны его телебалеты «Мцыри», «Прометей», возобновил балет «Ромео и Джульетта» – шедевр отца.

В 1988 г. ушел из труппы, а с 1987 г. по настоящее время является балетмейстером-репетитором Большого театра. Под его руководством репетируют Юрий Клевцов, Лола Кочеткова и другие артисты балета. В 2005 г. был назначен художественным руководителем балетной труппы Московского академического музыкального театра имени К.С. Станиславского и В.И. Немировича-Данченко.

Балетмейстерский почерк Лавровского тяготеет к классической лекси­ке, изобретательно обогащенной современными пластическими красками. В постсоветский период его творческая деятельность активизировалась – он стал руководителем школы, автором ряда интересных постановок.

Награжден орденом Трудового Красного Знамени (1986 г.), орденом Почета (2001 г.). В 2002 г. за выдающиеся достижения в балетном искусстве и педагогическую деятельность в Большом театре ему присуждена премия Москвы в области литературы и искусства. В 2006 г. Лавровский выпустил книгу воспоминаний «От первого лица».

По словам Ю.Н. Григоровича, Михаил Лавровский «был настоящим лидером своего артистического поколения, личностью, много определявшей в 1960-е гг. в самом исполнительском стиле Большого театра». Помимо яркого таланта этому способствовали необыкновенная трудоспособность, полное растворение в творческой задаче, в самой идее Большого театра. Его темпераментный, ярко-эмоциональный танец словно резонировал доблестью. От него веяло настоящей мужской силой, и в ситуации балетной сказочности она своеобразно переплавлялась в подлинную рыцарственность». [115]